Le roi Arthur, la réalité derrière le mythe

Avec l'arrivée du Snyder Cut en 2021, David Ayer pense sérieusement avoir une chance de voir son director's cut sortir sur HBO Max. Depuis l'annonce de sa sortie sur HBO Max l'année prochaine, le Snyder Cut de Justice League pourrait bien devenir l'étendard des blockbusters massacrés, redonnant espoir aux réalisateurs bafoués et aux fans dépités. C'est en tout cas ce qui se passe pour David Ayer et son Suicide Squad tellement peu convaincant qu'il sera à moitié rebooté dans le prochain The Suicide Squad de James Gunn. Le réalisateur n'a pas attendu l'annonce officielle du director's cut de Zack Snyder pour accuser la Warner d'avoir massacré son film en post-production, qui a entamé d'importants reshoots, supprimé une majeur partie des scènes avec le Clown Prince du Crime et une bonne partie de l'arc narratif d'Harley, entre les méchants transformés en anti-héros, l'hypersexualisation d'Harley Quinn (Margot Robbie), les super-vilains restés au second plan comme Killer Croc (Adewale Akinnuoye-Agbaje) ou Katana (Karen Fukuhara), et surtout la performance navrante de Jared Leto en Joker, les reproches à faire au film sont nombreux, mais le fait de revendiquer l'existence d'un Ayer cut et l'idée de le proposer en streaming ont clairement été influencés par le cas de Justice League. Le film de 2017 réunissant les super-héros du DCEU a en effet été pris en otage par le studio après le départ de Zack Snyder à la suite d'un drame privé. En engageant Joss Whedon (actuellement accusé par Ray Fisher de comportement abusif sur le plateau), la Warner s'est assurée d'édulcorer la vision sombre du réalisateur de Batman v Superman : L'Aube de la justice. La post-production a donc ajouté de nombreux reshoots à son agenda, occasionnant la disparition de plusieurs personnages dont Darkseid ou encore le rôle dégrossi à coups de hache de Cyborg. Le résultat a ulcéré une partie des fans, qui ont demandé réparation avec la sortie du Snyder Cut qui relevait alors du pur fantasme pour beaucoup. Le réalisateur s'est également pris au jeu, dévoilant régulièrement des images de scènes coupées au montage, jusqu'à déclencher un mouvement militant se traduisant par des panneaux et banderoles publicitaires sur Times Square et à l'entrée du dernier Comic-Con de San Diego.  Une ferveur que réclame désormais David Ayer pour que sa version de Suicide Squad ait une chance de sortir un jour : "Le Ayer cut existe bel et bien, vous allez devoir demander à AT&T [qui possède la plateforme de streaming] et HBO Max de le laisser voir le jour."

 

Le réalisateur David Ayer, très actif sur Twitter, a déjà parlé plusieurs fois des changements ayant été faits sur son œuvre maudite. Récemment, par exemple, il a évoqué l'issue d'un triangle amoureux, très éloignée de la version finale. Et maintenant que le Snyder Cut est une réalité, le metteur en scène de Fury se lâche. Il a par exemple révélé "la seule bataille gagnée" contre les exécutifs, à savoir le fait que Diablo ait tué toute sa famille, passif pour le moins extrême qui n'aurait pas plu à Warner. «J'adore aussi tellement l'histoire de Diablo. L'entendre dire à Deadshot "Mais vous n'avez jamais tué de femmes. Ou d'enfants. Moi oui." Genre, purée, je suis toujours choqué que vous avez réussi à faire passer cette réplique lol. Je peux confirmer que vous l'avez bien écrit et j'ai hâte d'en voir plus de son arc. C'est la seule bataille que j'ai gagnée. Les décisionnaires étaient allergiques au fait que Diablo tue sa famille. Regardez mes films - la mort, la culpabilité, la rédemption et l'émancipation des relations toxiques sont des thèmes que j'explore en tant que cinéaste. L'âme humaine est belle et complexe. » Parmi les autres batailles non gagnées, il y a également le traitement de Katana, personnage mystique et super énigmatique introduit en grande pompe, puis totalement abandonné dans le reste du long-métrage. À l'origine et toujours selon Ayer, son sort devait être tout autre, et il est même possible d'avoir un aperçu de son destin dans une des bandes-annonces originales du film, conçue avant les reshoots. "Hey David, avec toutes les discussions à propos de votre version de SS, je me demandais si vous pouviez nous donner plus de contexte autour de cette scène de Katana tirée d'une bande-annonce qui a été coupée du film final ? L'enchanteresse la possède et elle attaque le reste de l'équipe." Comme l'a annoncé Ayer, sa director's cut serait d'ailleurs "simple" à achever de son point de vue et il vient de dévoiler sur Twitter qu'elle permettrait de donner un rôle beaucoup plus consistant au personnage de Katana. Katana est cependant remarquable pour ses spécificités. Adepte des arts martiaux, elle détient une épée qui peut emprisonner les âmes de ceux à qui elle ôte la vie. Ce côté fantastique est aperçu dans le film mais tout son background n'est pas assez approfondi pour qu'on s'attache à elle.

Sur Twitter, un fan a posté un concept art du personnage Enchantress joué par Cara Delevingne et elle est complètement différente de ce qu'on voit dans le film. En retweetant l'image, David Ayer explique que «c'était le look que je souhaitait pour elle.»

Un des plus gros reproches faits à Suicide Squad concerne l'improbable Joker de Jared Leto dont il est devenu presque trop facile de se moquer à force.  Alors que le Joker campé par Jared Leto a été un des principaux arguments promotionnels du Suicide Squad de David Ayer pour attirer les fans en salles, le public a été largement déçu du rôle finalement très secondaire qu'a occupé le personnage durant le film. La prestation franchement gênante de l'acteur lui a même valu quelques railleries, surtout lorsque la comparaison a été faite avec la prestation légendaire du regretté Heath Ledger dans The Dark Knight. Le clou a ensuite été enfoncé avec la consécration de Joaquin Phoenix dans le rôle-titre de Joker de Todd Phillips, qui a reconfirmé la disparition du personnage de Leto dans le DCEU, absent du dernier Birds of Prey et la fantabuleuse histoire de Harley Quinn alors même que son nom est plusieurs fois cité. Mais David Ayer n'a jamais arrêté de soutenir cette version du personnage dont les spectateurs n'ont pratiquement rien vu d'après lui. Le réalisateur clame depuis plusieurs années que la Warner a massacré son film en post-production et que la majeure partie des scènes avec le Clown Prince du Crime ont été coupées au montage, à tel point qu'il serait possible de faire un nouveau long-métrage rien qu'avec les prises de vues qui ont été dégagées. Depuis, le réalisateur semble vouloir se la jouer Zack Snyder en dévoilant des images inédites et demandant aux fans de militer pour son Ayer Cut, dont il a révélé l'existence il y a plusieurs semaines. Une première version du film a donc bien été tournée et le réalisateur a donné quelques précisions sur ce qu'elle contient de plus que la version cinéma dans une récente story Instagram où il a partagé une page entière du scénario. La scène concerne ainsi un affrontement entre la Suicide Squad et l'Enchanteresse (Cara Delevingne), rejointe par le Joker qui tient dans sa main le détonateur des bombes que chacun s'est fait implanter dans le cou. Preuve que le personnage sacrifié devait bien prendre part à l'action et ne pas débarquer dans l'histoire de façon anecdotique pour lâcher son ricanement faussement glaçant. Le réalisateur a cependant été clair avec un de ses fans qui lui a demandé si tout cela était bien dans la boîte : "Oui, je l'ai fait. Filmé et monté. Bien sûr, vous n'étiez pas autorisé à le voir cher ami."

Mais Jared Leto n'est pas le seul à s'être fait voler son temps d'écran pour finalement disparaître du DCEU. C'est également le cas du Batman de Ben Affleck qui a quitté son costume après l'échec de Justice League. S'il n'était pas forcément attendu dans un rôle de premier plan, Batman est apparu dans quelques scènes de Suicide Squad, car difficile de semer la pagaille à Gotham sans croiser la route du Chevalier Noir. Avec son combat dans une ruelle sombre contre Deadshoot (Will Smith), sa course-poursuite avec Harley et le Joker en voiture et enfin son entretien en tant que Bruce Wayne avec Amanda Waller (Viola Davis), le justicier masqué a finalement eu un rôle très secondaire, voire anecdotique dans le film. Mais lors d'une récente interview de Lady Falcon, la doublure de Ben Affleck, Richard Cetrone a expliqué que plusieurs scènes impliquant Batman n'avaient tout simplement pas été gardées au montage : "J'en ai fait un peu plus [des scènes] avec la voiture, comme essayer de monter dedans en passant par le toit. J'en ai donc fait un peu plus. Il y aurait probablement plus de Batman là-dedans [dans le Ayer Cut]." Il faut dire que L'artiste BossLogic a aussi créé plusieurs affiches pour le "Ayer Cut" demandé par les fans de Suicide Squad 2016, dont plusieurs ont  été commentée par l'écrivain / réalisateur David Ayer lui-même. Sur son compte Twitter, Ayer a partagé deux des affiches Suicide Squad de BossLogic, dont l'une présente le Joker de Jared Leto, tandis que les autres stars comme Batman dans ce qui semble être une sorte de masque à gaz. Ayer a partagé son approbation des affiches en commentant avec trois émojis de feu.

 

Interrogé à ce propos par un contributeur de Collider, il a également avoué sa frustration de n'avoir jamais vu la version originale. Ayer serait donc totalement ravi de subir le traitement director's cut sur HBO Max. La version de Suicide Squad qu'on a tous vue n'était pas le film que David Ayer voulait sortir. Étant donné la popularité du genre du film de super-héros, pourquoi ne pas montrer son montage sur HBO Max ? Je suis sûr que beaucoup de fans de DC adoreraient voir une version alternative du film et ça aiderait à vendre l'application. "C'est une bonne question. Mon montage serait facile à compléter. Ça serait incroyablement cathardique pour moi. C'est fatiguant de se faire botter le cul pour un film ayant subi le traitement Edward aux mains d'argent. Le film que j'ai fait n'a jamais été vu." On comprend le désespoir du cinéaste, conspué après une œuvre sur laquelle il n'a eu aucun contrôle, et on se surprend à penser à l'idée de director's cut, bien plus plausible maintenant que le Snyder Cut a été annoncé. D'autant plus que réconcilier le public avec la Suicide Squad peut être une bonne idée après Birds of Prey et avant que le reboot de James Gunn ne débarque, en théorie le 4 août 2021. Si c'était confirmé, HBO Max deviendrait le refuge des fans de DC, une audience non négligeable.

 

Le réalisateur semble ainsi compter davantage sur l'influence des fans que sur la sienne. Il y a quelques semaines, Tony Goncalves, à la tête d'HBO Max, a tenté de calmer le jeu, expliquant qu'il n'était pas question de refaire tous les films qui n'ont pas plu, mais que la plateforme se tenait à l'écoute de ses spectateurs et de leurs envies. Ayer a donc raison dans un sens, si son director's cut doit voir le jour, l'initiative devra venir du public.  Toutefois, les fans se mobilisent ardemment puisqu'aujourd'hui, le hashtag #ReleaseTheAyerCut est top tweet du jour avec environ 56K tweets. Il y a cependant peu de chances que la Warner s'attarde sur ce cas, sauf si cette mobilisation se poursuit sur une longue durée. 

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : http://braindamaged.fr/12/07/2020/suicide-squad-look-original-denchantress-revele-concept-art/,  https://www.cbr.com/suicide-squad-david-ayer-endorses-bosslogics-ayer-cut-posters/, https://www.cineserie.com/news/cinema/suicide-squad-david-ayer-revele-quun-personnage-a-plus-dimportance-dans-sa-directors-cut-3587427/, https://www.ecranlarge.com/films/news/1183823-suicide-squad-david-ayer-reclame-laide-des-fans-pour-la-sortie-de-son-directors-cut, https://www.ecranlarge.com/films/news/1177641-suicide-squad-david-ayer-donne-des-nouvelles-de-son-directors-cut,  https://www.ecranlarge.com/films/news/1186015-suicide-squad-david-ayer-devoile-une-scene-coupee-avec-le-joker, https://www.ecranlarge.com/films/news/1186525-suicide-squad-plusieurs-scenes-avec-batman-ont-ete-supprimees-au-montage, https://www.geekslands.fr/item/24943-suicide-squad-release-the-ayer-cut-est-top-tweet-du-jour/, et https://lemagjeuxhightech.com/actualites/suicide-squad-en-appelle-aux-fans-via-david-ayer-pour-le-directors-cut/49060/.

 

Merci !

Après que Tim Burton a dirigé les deux premiers films de Batman avec Michael Keaton en 1989 et 1992, Warner en a eu assez de l'univers trop sombre imaginé par le réalisateur et a confié à Joel Schumacher la franchise. L'objectif était alors de faire un Batman prévu pour être regardé en famille, avec une ambiance bien plus légère. C'est ainsi que Batman Forever est né. Joel Schumacher a réalisé d'autres films à rebours de ce qu'il a fait dans Batman et qui ont connu un immense succès public tel que “Lost Boys” (1987) ou encore le film fantastique “L'Expérience interdite” (1990) avec Julia Roberts et Kiefer Sutherland. Le film “Chute libre” (1993), avec Michael Douglas campant un Américain moyen qui pète les plombs, sera sélectionné au festival de Cannes. On pouvait s'attendre à un bon film après le départ de Tim Burton en 1994. Mais les doutes sont permis, surtout quand Michael Keaton a décidé de remiser son costume au placard, malgré la demande de Joel Schumacher, qui le voulait pour Batman Forever (c'est finalement Val Kilmer qui a hérité du rôle). Dans une interview accordée au Hollywood Reporter, Michael Keaton s'est très honnêtement expliqué sur les raisons de son départ de la franchise : "C'était nul. Le script n'a jamais été bon. Je ne comprenais pas pourquoi Joel Schumacher voulait faire ça". Et d'expliquer que la vision du réalisateur n'était pas sa tasse de thé... "J'ai su qu'il y avait un problème quand il a dit : 'Pourquoi est-ce que doit être si sombre ?'" Une petite phrase qui a visiblement poussé Michael Keaton un peu plus vers la sortie, alors que Warner Bros avait pourtant sorti son chéquier pour le garder. De plus, le rôle d'Harvey Dent avait été tenu par Billy Dee Williams dans Batman (1989) avec une option à son contrat : si la production décidait de faire apparaître Double Face, le rôle était pour lui; si elle décidait de le confier à un autre acteur, il devait toucher une compensation financière. Mécontent de ce casting imposé, le réalisateur Joel Schumacher a préféré payer ladite somme pour que le rôle aille à Tommy Lee Jones, avec lequel il venait de tourner Le Client (1994). Des années plus tard, Williams acceptera de doubler Double Face dans Lego Batman, le film (2017). Á l'origine du projet, l'un des vilains exploité pour ce film devait être L'Épouvantail, interprété par Jeff Goldblum, ce qui aurait sans doute donné une tonalité plus sombre au film.

 

L'ambiance de tournage n'était pas au mieux, du fait de la rivalité entre Jim Carrey et Tommy Lee Jones. Un jour, en plein tournage, Jim Carrey (L'Homme-Mystère) est allé à la rencontre de Tommy Lee Jones qui, selon Carrey lui-même, l'aurait pris dans ses bras en lui disant "je te déteste, je ne t'aime vraiment pas". Interrogé par l'interprète de The Mask sur la raison de cette négativité, Jones aurait répondu : "je ne supporte pas tes pitreries". Une mésentente confirmée par Joel Schumacher, qui a déclaré à Vulture que Jones "n'était pas gentil" avec Carrey, en ajoutant : "[Tommy Lee] est un voleur de scène. Or, on ne vole pas de scène à Jim [Carrey]. Je crois que ça l'a vraiment irrité." Sur le plateau, Schumacher a lui aussi des problèmes, car il trouve Val Kilmer (Bruce Wayne) "psychotique". Il raconte, au micro d'Entertainment Weekly en 1996 : l'acteur "était irrationnel et rendait fou le 1er assistant réalisateur, le caméraman, les costumiers. Il s'est mal conduit, il était malpoli, inconvenant. J'ai été forcé de lui dire que cela ne serait pas toléré une seconde de plus. Ensuite, nous avons eu deux semaines au cours desquelles il ne m'adressait pas la parole, et c'était le bonheur." Malgré cette ambiance plombante, Jim Carrey et Val Kilmer s'entendent à merveille. Comme Mark Wahlberg, Ewan McGregor, Scott Speedman, Matt Damon, Corey Haim, Jude Law, Toby Stephens, Corey Feldman, Leonardo DiCaprio aurait pu jouer Robin à la place de Chris O'Donnell. Dans une interview à Shortlist, DiCaprio se remémore cette étape de sa carrière : "Je n'ai jamais fait d'essais caméra. J'ai rencontré Joel Schmacher. C'était l'une de ces réunions après lesquelles je n'ai finalement pas fait le film. Je ne pense pas que [je voulais ce rôle], non (rires). J'ai en tout cas le souvenir d'avoir assisté à la réunion et de ne pas vouloir le rôle. Joel Schumacher est un réalisateur très talentueux mais je ne pense pas que j'étais prêt à faire quelque chose dans ce genre-là." Á l'époque, DiCaprio a 19-20 ans et part tourner à la place Rimbaud Verlaine, Mort ou Vif et Basketball Diaries. Heureusement pour lui, ce refus a été un très bon choix.

 

Avant l'ère des films de Christopher Nolan, le Batman de 1989 est le plus gros succès de la franchise avec 411 millions de dollars rapportés dans le monde. Mais il faut savoir que Batman Forever suit juste après. Le long métrage de Joel Schumacher bénéficie à l'époque d'un marketing appuyé, de produits dérivés à foison et récolte 336,5 millions de dollars. Des recettes supérieures à Batman, le défi (266,9 millions) et Batman et Robin (238 millions). L'explication de ces meilleurs chiffres est en partie à mettre sur le compte de la réorientation de la franchise. En effet, Batman, le défi misait davantage sur une ambiance sombre, effrayante pour les plus jeunes, et des méchants "réalistes" et tragiques comme le Pingouin. Batman Forever était de façon assumée pensé pour plaire au jeune public en proposant un divertissement pour toute la famille. D'où aussi le cabotinage de Jim Carrey et l'hystérie de Tommy Lee Jones : des méchants qu'on croirait issus d'un dessin animé. Durant la pré-production du film, Joel Schumacher prend la décision d'ajouter des mamelons et des "braguettes" (destinées à protéger les parties génitales de Batman et Robin) aux armures des héros. Il ajoute également un piercing d'oreille à Robin. Des décisions qui créent la polémique au point de fâcher le créateur de Batman lui-même : Bob Kane. Selon Jim Carrey, Kane aurait visité le plateau et critiqué cette décision qui trahissait son design des costumes. Pour sa défense, Schumacher expliquera au micro de Vice avoir voulu des armures ayant une esthétique "anatomique" proche des statues de dieux grecs et que le piercing devait rendre Robin plus branché. Ce choix jugé polémique ne le lâchera pas puisque des années durant, le réalisateur sera obligé de se justifier de cette esthétique qu'il avait initialement voulue pour rendre ses super-héros "sexy et sensuels". En revanche, ça a été une autre histoire avec la critique et les fans, et Batman Forever est vite devenu synonyme de grosse blague, apprécié au troisième degré et en partie sauvé par la suite des aventures kitsch-tétons-plastique.

 

Pourtant Batman Forever devait être plus sombre. Avec l'annonce de la sortie de la version longue du Justice League de Zack Snyder sur HBO Max l'année prochaine, les spéculations allaient bon train sur des éventuels autres director's cut issus des franchises ciné DC. C'est ce que révèle un article de Variety : la semaine dernière, le scénariste Marc Bernardin (Castle Rock, Star Trek : Picard) a en effet tweeté qu'il avait entendu de "TRÈS bonnes sources" qu'une version de 170 minutes du Batman Forever, réalisé en 1995 par Joel Schumacher (disparu le 22 juin dernier) existait bien, mais que Warner Bros "n'était pas sûr qu'il y ait une réelle appétence pour ce qui m'a été décrit comme une version 'beaucoup plus sombre et plus sérieuse' du film." Ce "Schumacher Cut", plus longue de 50 minutes, proposerait beaucoup de scènes inédites impliquant Double-Face (Tommy Lee Jones), le film démarrait sur lui s'échappant d'Arkham, et l'Homme mystère (Jim Carrey) qui attaque la Batcave armé de sa fameuse canne en forme de point d'interrogation, mais donnerait également un portrait plus torturé de Bruce Wayne (Val Kilmer) et focalisait sur les problèmes émotionnels et psychologiques qui ont conduit Bruce Wayne à décider de devenir Batman, y compris une séquence de Wayne face à une chauve-souris à taille humaine. Le co-scénariste Akiva Goldsman (épaulé sur le film par Lee Batchler et Janet Scott Batchler) a confié à Collider qu'un arc narratif, finalement supprimé, apportait plus de noirceur dans la psychologie de Bruce Wayne. «De mon point de vue, tout Batman Forever devait converger sur la découverte par Bruce du journal intime de son père, où il est écrit "Martha et moi voulons rester à la maison ce soir, mais Bruce insiste pour qu'on aille au cinéma". C'est alors qu'on comprenait que la culpabilité rongeait Bruce, qui se sentait responsable de la mort de ses parents. Ces scènes ont été tournées, mais on n'en a gardées aucune au montage final, à cause des projections-tests : l'aspect psychologique, inséré dans le drame, n'intéressait pas les gens. Ce n'était pas ce qu'ils attendaient de l'adaptation d'un comics à l'écran.» Certaines de ces scènes coupées ont déjà été dévoilées lors des sorties DVD et Blu-ray, mais aussi sur YouTube. Subsiste donc la question : est-ce que ce montage original de Batman Forever par Joel Schumacher sera visible un jour ? Malheureusement, selon l'article, les représentants du studio assurent qu'il n'y a aucune discussion sur la diffusion d'un director's cut de Batman Forever à l'ordre du jour, et ne savent même pas si les images d'une version étendue ont survécu 25 ans plus tard.

 

Encouragée par le succès de Batman Forever (malgré les critiques déjà médiocres à l'époque), la Warner commanda rapidement une suite à cet opus, toujours chapeautée par le duo Joel Schumacher (à la réalisation)/Akiva Goldsman (au scénario). Le studio était tellement impatient à l'époque qu'il décida d'avancer la sortie de son quatrième film estampillé Batman à l'été 1997, soit à peine deux ans après la sortie de Forever (contre trois pour les épisodes précédents), et ce alors qu'entre temps, le réalisateur s'était déjà lancé dans le tournage du Droit de Tuer ?, qui sortira à l'été 1996.Cet empressement eut d'emblée une première conséquence notoire : le départ de Val Kilmer, qui ne put reprendre le costume de Bruce Wayne à l'écran à cause d'un engagement contractuel sur le tournage de l'adaptation de la série Le Saint. Un départ qui satisfaisait qui plus est les deux hommes, qui s'étaient très mal entendus sur le tournage de Forever. Résultat : George Clooney reprit le rôle du super-héros de DC, alors que Joel Schumacher avait dans un premier temps exprimé son intérêt pour William Baldwin. Un casting qui sera par la suite complété par les arrivées d'Arnold Schwarzenegger dans le rôle de Mr Freeze (touchant au passage 25 millions de dollars de cachet), d'Uma Thurman dans celui de Poison Ivy et de la jeune star montante Alicia Silverstone, starisée par Clueless en 1995, dans la peau de Batgirl. Armé d'un budget en hausse et d'un casting taillé pour le succès (Clooney assurait en parallèle son rôle du docteur Ross dans la série à succès Urgences), le tournage de Batman & Robin débute en septembre 1996. Un tournage qui s'avérera extrêmement éprouvant, et précipité pour avoir l'assurance d'une sortie en salles pour l'été : le dernier clap de fin est donné fin janvier 1997 avec près de deux semaines d'avance sur le planning ! Sur le plateau, les costumiers vivent un cauchemar entre les directives de Schumacher, qui aspire à un film encore plus cartoonesque que Forever, et les acteurs qui se plaignent du résultat. Outre le désormais légendaire costume à tétons saillants de Batman, Chris O'Donnell se plaint régulièrement des sueurs que lui donne son masque. La jeune Alicia Silverstone prend plusieurs kilos au cours du tournage, conduisant à plusieurs retouches de son costume qui en font la proie des magazines people. Et Schwarzy est handicapé par un costume si complexe qu'il lui faut six heures par jour pour lui appliquer et retirer le maquillage nécessaire. En parallèle, la situation se tend entre Schumacher et la Warner, le premier reprochant à la seconde sa stratégie commerciale outrancièrement tournée vers les produits dérivés. Mais les choses vont encore empirer après la sortie du film en salles.

 

Batman & Robin connaît pourtant un bon début en salles la première semaine en engrangeant plus de 42 millions de dollars en un week-end. Mais la fréquentation chute, et très vite. En deuxième semaine, elle s'effondre de presque deux tiers, plombée par des critiques désastreuses et un bouche-à-oreille qui l'est tout autant. Joel Schumacher enrage et tire à boulets rouges sur les journalistes responsables de cet effondrement, avant de blâmer la Warner pour son calendrier trop resserré et ses directives trop orientées vers le divertissement familial. Au final, Batman & Robin rentre dans ses frais, notamment grâce aux marchés étrangers mais frôle tout de même l'échec commercial. Il est toujours considéré comme l'un des pires films de super-héros jamais réalisés, et sans doute le plus mauvais Batman. Un véritable nanar devenu culte avec un catastrophique George Clooney dans le costume (très moulant) de l'Homme chauve-souris, un Arnold Schwarzenegger gênant en Mister Freeze et une méconnaissable Uma Thurman en Poison Ivy. Les acteurs sachant qu'ils jouent dans un mauvais film, ne le font pas sérieusement et s'emploient à donner des rôles caricaturaux et drôles. Désavoué et/ou moqué par tous ceux qui ont pris part au film (George Clooney ne perd jamais une occasion d'ironiser dessus), le film a surtout failli condamner une franchise entière à l'oubli. Bien consciente d'avoir foncé droit dans le mur, Warner Bros décide d'arrêter les frais et d'annuler tous les projets en cours concernant le Chevalier Noir. Akiva Goldsman continue a fait des excuses pour le dérangement occasionné. Il assure qu'il ne pensait pas à l'époque que le long-métrage allait être aussi mauvais que ça : «Nous ne voulions pas que ce soit mauvais. Je le jure. Personne ne nous a dit que ce serait mauvais. Il y avait une bobine montée à la moitié du tournage. Elle avait l'air de proposer une approche sombre de manière très intéressante. Je ne sais pas où ça a raté. Vraiment, je suis juste désolé. Je pense que nous sommes tous désolés.» On pardonne à Akiva Goldsman, qui n'est clairement pas le seul responsable de l'échec de ces films. Suite à la mauvaise réception critique et publique de Batman et Robin, Warner Bros a annulé les deux projets qu'elle envisageait autour de sa licence DC Comics. Le premier d'entre eux, dont on ne sait pas grand-chose, était Nightwing. Ce film devait explorer l'évolution de Dick Grayson de Robin (le faire-valoir de Batman) à Nightwing, en en faisant un héros à part entière, rejetant les méthodes de Batman pour (littéralement) voler de ses propres ailes. Ce spin-off n'a jamais dépassé le stade de l'idée pour surfer sur le succès de la licence Batman. Il faut rappeler qu'à l'époque, la série d'animation The New Batman Adventures est en pleine diffusion, Batman la série animée vient de se terminer, et les jouets dérivés de ces shows comme des films se vendent comme des petits pains. Le ratage de Batman & Robin met fin à cette lucrative entreprise du moins pour le cinéma, et le Chevalier noir ne réapparaîtra après cela qu'avec Batman begins en 2005.

 

Le second de ces projets avortés est intitulé Batman Unchained (Batman déchaîné). Il est annoncé quelques mois avant la sortie de Batman & Robin, alors que les producteurs William M. Elvin, Peter MacGregor-Scott et Mitchell Dauterive pensent tenir un grand film avec la rencontre entre le Chevalier Noir, Poison Ivy, Bane et Mister Freeze. Le scénariste Akiva Goldsman décide ne pas rempiler pour ce cinquième opus et selon Variety, c'est Mark Protosevich (alors inconnu) qui est engagé pour écrire le scénario de cette aventure inédite de Bruce Wayne. Le réalisateur Joel Schumacher est censé revenir pour une somme alors très conséquente, 10 millions de dollars. De ce que l'on sait aujourd'hui de son scénario, il n'est pas certain que Batman Unchained allait faire revenir Batgirl (jusqu'alors jouée par Alicia Silverstone), mais une chose est sûre : le super-vilain connu sous le nom de L'Épouvantail aurait été le méchant principal. Le personnage d'Harley Quinn aurait aussi été présenté pour la première fois au cinéma, mais sous une origin story différente : comme la fille du Joker. Á l'époque, Variety mentionne aussi la possibilité d'apparitions des personnages du Chapelier fou et des plus méconnus roi Tut ou Egghead. L'idée du film résultait dans le départ de Robin (sans doute en vue du film Nightwing) et Batman seul face à une alliance entre l'Épouvantail (qui souhaite se venger de Bruce Wayne) et Harley Quinn (qui découvre l'identité de son père et décide de le venger). L'Épouvantail délivrait son gaz effrayant pour que Bruce Wayne soit victime d'hallucinations, et voient les méchants iconiques de la saga revenir le hanter (le Pingouin, Catwoman, L'Homme-mystère, Double-Face et le Joker). Tous interprétés par les acteurs qui les ont immortalisés à l'écran, dans ce qui aurait été une scène probablement mythique et hors de prix : Jack Nicholson, Danny DeVito, Michelle Pfeiffer, Tommy Lee Jones et Jim Carrey. Batman se trouve aux prises avec tous ces super-vilains jusqu'à ce que Robin arrive pour l'aider et l'extirper de ce cauchemar. Pour pouvoir se projeter un peu dans son futur casting, Schumacher se déplace sur le tournage de Volte/Face pour proposer le rôle de l'Épouvantail à Nicolas Cage. Coolio dira des années plus tard qu'il est apparu dans Batman et Robin uniquement "parce qu'on m'avait promis le rôle du méchant du prochain film". De son côté, Protosevich déjeune avec Courtney Love et lui propose le rôle d'Harley Quinn (une rumeur non confirmée évoque aussi que Madonna a été approchée).

 

Le film n'ira pas beaucoup plus loin. L'insuccès de Batman et Robin avec 238,2 millions de dollars rapportés pour un budget estimé de 125 millions et le départ de George Clooney, qui jure de ne jamais revêtir une fois de plus le costume de Batman, aura raison de ce projet de Batman Unchained qui aurait coûté une fortune rien que pour réunir les vilains de la scène finale. Soudainement refroidie par ces résultats alors qu'elle escomptait un énorme succès, la Warner décidera de laisser Batman prendre un repos bien mérité. Protosevitch avait envoyé au studio son traitement (les grandes lignes du scénario) pour Batman Unchained. Il n'obtiendra jamais de réponse. Joel Schumacher ira faire 8MM avec Nicolas Cage, Mark Protosevich écrira le script de The Cell et Warner Bros se trouvera une autre franchise avec Matrix. Côté casting, George Clooney refusera de jouer à nouveau Batman et partira tourner avec Mimi Leder (Le Pacificateur), Steven Soderbergh (Hors d'atteinte, 1998), Terrence Malick (La Ligne rouge, 1999) et David O. Russell (Les Rois du désert, 2000). Quant à Chris O'Donnell, la suite fut plus compliquée mais après quelques films et une brève apparition dans Grey's Anatomy, il s'est trouvé une place d'importance à la télévision en incarnant le premier rôle de la série NCIS: Los Angeles, dans laquelle il officie depuis plus de 10 ans. Et cela va faire beaucoup de mal aux projets portant sur Batman comme l'origin story prévue par Joss Whedon ou l'adaptation du génial Batman : Année Un de Frank Miller par Darren Aronofsky. Joel Schumacher tenta bien un retour avec le projet Batman : DarKnight, centré sur une confrontation entre un Batman vieillissant et Man-Bat, mais fut refoulé par le studio, qui lu préféra à l'époque le projet d'Aronofsky. Batman est dans de sales draps, et même le projet de Batman vs Superman devant opposer Christian Bale à Josh Hartnett tombe à l'eau dans la désorganisation générale. Ce sera finalement grâce au tandem Christopher Nolan/David S. Goyer que le Dark Knight renaîtra de ses cendres avec éclat grâce à Batman Begins. Mais le coup fatal n'est pas passé loin.

 

Lors d'une interview accordée en 2017 au magazine Vice, le réalisateur Joel Schumacher avait même présenté ses plus excuses aux spectateurs : "Je veux m'excuser auprès de tous les fans que j'ai déçu, car je pense que je leur dois bien ça. Vous savez, je ne voulais jamais faire de suite", avait-il déclaré. Mais est-ce à lui de d'excuser, n'est-ce pas à la Warner de le faire, car après les Batman de Schumacher, nous avons eu le droit à cela pour Batman v Superman : L'aube de la justice, avec le remontage de la Warner donnant une intrigue surchargée, brouillonne, un Clark Kent antipathique, et dont le scénario a été pointé du doigt à de nombreuses reprises, et Suicide Squad, sombre au départ, qui a eu le droit à nouveau montage, des coupes sur certaines scènes importantes et la précipitation à sortir le film.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : http://www.allocine.fr/article/fichearticle_gen_carticle=18691011.html, http://www.allocine.fr/article/fichearticle_gen_carticle=18691461.html, http://www.allocine.fr/article/fichearticle_gen_carticle=18691541.html, http://www.allocine.fr/film/fichefilm_gen_cfilm=12858.html, https://www.cineserie.com/news/cinema/batman-et-robin-le-scenariste-revient-sur-lechec-du-film-3473397/, https://www.ecranlarge.com/films/news/1176368-batman-forever-une-scene-coupee-aurait-pu-sauver-le-film-selon-le-scenariste, https://www.ecranlarge.com/films/news/1184772-batman-forever-le-directors-cut-sombre-et-bien-de-joel-schumacher-existe, https://www.hollywoodreporter.com/news/joel-schumacher-dead-batman-robin-st-elmos-fire-flatliners-director-was-80-1137490, https://www.huffingtonpost.fr/entry/mort-de-joel-schumacher-ses-5-films-cultes_fr_5ef1cbf6c5b6cbd2ca8275d2, https://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Batman-Forever-Warner-confirme-l-existence-d-un-directors-cut, https://www.premiere.fr/Cinema/Le-Batman-qui-n-a-jamais-vu-le-jour-avec-Nicolas-Cage-Jack-Nicholson-et-Courtney-Love, https://www.premiere.fr/Cinema/Michael-Keaton-a-refuse-Batman-Forever-parce-que-le-script-etait-nul, https://www.premiere.fr/Tele/Batman-Robin-le-film-qui-faillit-tuer-le-Chevalier-Noir, et https://www.rtl.fr/culture/cine-series/joel-schumacher-realisateur-de-deux-films-batman-est-decede-a-l-age-de-80-ans-7800622855.

 

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Alors que le deuxième volet de la franchise Annabelle a débarqué le 9 août 2020 sur Netflix, le bruit court que la vraie poupée qui a inspiré les films d'horreur s'est échappée du musée où elle se trouve depuis des années. Le gendre du couple Warren, dont la vie a inspiré ce long-métrage et toute la saga Conjuring, a dit ce qu'il en était sur YouTube.

 

La rumeur courrait depuis quelques jours : Annabelle, la poupée ayant appartenu aux chasseurs de fantômes Ed et Lorraine Warren, et qualifiée de maléfique dans les films d'horreur qui lui sont consacrés, se serait enfuie du Warren Occult Museum où elle était enfermée depuis des années. À en croire des messages relayés sur les réseaux sociaux, le jouet qui a hanté nos nuits se serait carrément échappé de lui-même de ce musée situé dans la ville de Monroe, dans le Connecticut aux États-Unis !

 

Le buzz a été tel que la nouvelle a été répercutée sur la page Wikipedia officielle de l'objet, qui se ravisant a reconnu le canular en retirant l'information, et le gendre des défunts Ed et Lorraine Warren a posté une vidéo sur YouTube ce vendredi 14 août afin de rétablir la vérité sur le sort de la poupée Annabelle. Et il assure que toute cette histoire est fausse. "Annabelle ne s'est pas échappée", affirme Tony Spera, en se filmant depuis l'intérieur du musée. "Annabelle est vivante, enfin, je ne devrais pas dire vivante, Annabelle est ici, dans toute sa tristement célèbre gloire", poursuit celui qui a épousé Judy, la fille des Warren.

 

Et il le prouve en filmant la poupée Raggedy Ann Doll qui a inspiré la série de films d'horreur. Ancien policier devenu spécialiste du paranormal, Tony Spera promet que le jouet "n'a jamais quitté le musée" et qu'il n'est "pas parti en voyage" ou "sorti pour voir son petit ami". "N'oubliez pas, j'ai une sécurité high-tech, ici. Je saurais instantanément si Annabelle était partie, si quelque chose s'était passé ou si quelqu'un était entré par effraction", assure l'homme rappelant également que le lieu est bardé de caméra de surveillance, avant d'inviter les gens à mettre fin à cette rumeur.

 

La seule manière pour Annabelle de "s'échapper", c'est sûrement par la volonté de l'Homme... Vous pouvez dormir sur vos deux oreilles, elle ne viendra pas vous croquer les doigts de pieds cette nuit.  C'est bien ce qu'on appelle un "hoax", une information fausse qui circule sur Internet, comme des milliers d'autres. Elle a alimenté les fantasmes de certains fans de la saga Conjuring pendant quelques heures. Une rumeur sans doute née dans un esprit malin quelques jours après l'arrivée du film Annabelle 2 : La Création du mal sur Netflix.

 

En raison de la pandémie actuelle, le très attendu Conjuring 3 a dû être repoussé d'un an, au grand dam des fans de la franchise. Néanmoins, pour "se faire pardonner" (et promouvoir la sortie vidéo de Annabelle : La Maison du mal), Warner a récemment proposé une amusante vidéo mettant en scène la poupée Annabelle, elle aussi impactée par le confinement. On voit ainsi la poupée d'abord posée dans les locaux de New Line Cinema (société de production et filiale de WarnerMedia) avec son air toujours aussi angoissant. Les premiers jours passent, et Annabelle ne bouge pas... Jusqu'au cinquième jour ! À partir de là, Annabelle se fait du pop-corn, regarde l'une de ses aventures à la télé et se fait bronzer au soleil. La vidéo est génialement décalée avec des clins d'œil bien vus à l'univers Conjuring. Comme ce 141e jour où Annabelle se sert d'une planche de Ouija pour dire à quel point elle s'ennuie. Comme quoi, le confinement aura été compliqué pour tout le monde, même pour les démons !

 

Pour aller plus loin, je vous mets ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://www.avoir-alire.com/la-poupee-annabelle-ne-s-est-pas-echappee, https://www.cineserie.com/news/cinema/conjuring-cette-video-geniale-du-confinement-de-la-poupee-annabelle-3653256/, https://www.grazia.fr/news-et-societe/annabelle-est-vivante-comment-la-poupee-malefique-s-est-elle-echappee-de-son-museeaux-etats-unis-968388, et https://www.programme-tv.net/news/cinema/258988-annabelle-la-poupee-malefique-echappee-de-son-musee-mise-au-point-apres-la-rumeur/.  

 

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1979. Deux ans, jour pour jour, après Star Wars, un tout nouveau long-métrage sort en salles et bouleverse pour toujours l'industrie du cinéma, l'univers de la science fiction et l'imaginaire de la culture populaire. 41 ans plus fard, l'équipage du Nostromo, et surtout le 8e passager, sont encore les héros de films, de bandes dessinées, de romans, de jeux vidéo et de milliers de produits dérivés. Ce «slasher» intersidéral, cette histoire de maison hantée dans l'espace, est parvenue à se nicher autour de notre imaginaire le plus sombre sur la fragilité de l'humanité.

 

La genèse de cette saga culte est imaginée par Dan O'Bannon, qui initialement a déménagé en Europe, travaillait sur Dune en 1975, le film avorté d'Alejandro Jodorowsky, est obligé de revenir aux États-Unis, sans le sou... et se retrouve contraint de fournir un scénario très rapidement pour se renflouer qu'il nomme au départ Starbeast, et Ron Shusett l'aide pour terminer le scénario du projet qui s'appelle encore Memory (et qui comprend déjà les idées du message de détresse provenant d'une planète lointaine, de la créature qui s'accroche au visage d'un membre de l'équipage, puis du monstre tuant un astronaute en sortant de sa poitrine), alors qu'il vient d'obtenir les droits de la nouvelle We can remember it for you wholesale de Philip K. Dick, et recherche de l'aide pour ce qui deviendra Total Recall. Ce dernier donne l'idée à Dan O'Bannon de s'inspirer de l'histoire d'un équipage d'un bombardier B-17 de la Seconde Guerre mondiale harcelé par des gremlins. En réalité, c'est sur le tournage de Dark Star en 1974, que Carpenter avait dit à qu'il voulait faire un remake de la Planète des Vampires (1965) de Mario Bava, et après l'échec du Dune de Jodorowski, ce dernier s'empara de l'idée. La mise en chantier de The Thing vient de l'idée de Carpenter de s'être fait voler Alien. De plus, il admet qu'il a eu l'idée de la créature qui s'accroche au visage d'un membre de l'équipage, puis du monstre tuant un astronaute en sortant de sa poitrine d'un comics début des années 70. Dan O'Bannon s'inspire aussi sa propre condition : il souffre de la maladie de Crohn, inflammation chronique du système digestif qui lui cause des douleurs abdominales insupportables... l'exploseur de poitrine en devient la métaphore. Le scénario est ensuite passé entre plusieurs dont l'auteur-réalisateur Mark Haggard qui a lu le script et évite à Dan O'Bannon de signer un accord en 1976 avec le studio de Roger Corman, New World Pictures spécialisé dans les petites productions, il est enthousiaste et promet de trouver un financement à la hauteur du projet, il est refusé ensuite par beaucoup de personnes effrayant nombre de producteurs et de réalisateurs, avant d'arriver entre les mains de David Giler et de Walter Hill qui viennent de créer une société de production, la Brandywine Productions, qui a des liens avec la 20th Century Fox, travaillent le script et s'approprient quelques éléments décisifs, tels que l'androïde Ash joué par Ian Holm, le chat Jonesy et les personnages de Ripley et Lambert, qui remplacent deux membres d'équipage masculins, et de celles de Ridley Scott que Gordon Caroll et Walter Hill vont amener sur le film après le succès des Duellistes en 1977 en lui faisant voir un script, après les refus de prestigieux réalisateurs comme Robert Aldrich, Peter Yates et Jack Clayton qui ont peur de faire une série B avec des monstres. Le succès de  Star Wars en 1977 pousse Alan Ladd Jr., qui devient le président de la Fox, à profiter au plus vite de l'effet Lucas,  pour  ressortir une nouvelle fois Alien du placard. Et c'est Ridley Scott qui va magnifier cette œuvre. Alien était alors budgété à environ 4,2 millions de dollars, ce qui n'était pas suffisant pour le faire. Il était sur le point d'être annulé à quelques reprises, et même lorsque Ridley a signé, ce n'était pas une chose sûre.  Fan de Metal Hulrlant, ce dernier s'inspire de ce qu'il voit dans leurs locaux, un vaisseau spatial rouillé, où les mecs sont obligés de donner des coups de marteau pour que cela reparte cahin-caha. La Fox, qui voulait quelque chose de spatial après Star Wars, ne se rendait pas compte de ce qui se préparait. Celui-ci s'est investi corps et âme dans ce projet, il a storybordé entièrement le film pour convaincre les studios de production (la 20th Century Fox) qu'il en avait les épaules. Une séquence finalement retirée du scénario et du story board devait explorer plus en profondeur la civilisation Alien, à travers la visite d'une pyramide et la découverte de hiéroglyphes expliquant le cycle de vie des créatures. Et le président de la Fox, Alan Ladd Jr. a été tellement abasourdi qu'il a décidé de doubler le budget de production du film.

 

Ridley Scott tout en suivant son amour pour 2001: L'Odysée de l'espace, notamment à travers un couloir qui ressemble à celui de 2001 et un autre qui ressemble à celui de Star Wars, auxquels s'ajoutent la cuisine et la zone d'hyper-sommeil qui sont toutes inspirées de 2001, s'entoure alors d'une équipe prestigieuse comme Moebius pour la création des costumes notamment des scaphandres de sorties, inspirés des armures médiévales, ou pour la construction du Nostromo s'inspire des premières peintures de Ron Cobb, et utilise le talent de H R Giger, un plasticien suisse de génie, qu'il impose comme concepteur de l'«Alien», qui prendra plusieurs silhouettes plus ou moins ridicules – de la dinde au pénis – avant d'atteindre sa forme définitive, et accouche finalement du xénomorphe, prédateur ovipare féroce auquel il tente d'injecter une dose d'érotisme, le fait qu'il “pénètre” ses victimes n'est d'ailleurs pas anodin, des œufs d'aliens, de parasite fécondateur qui s'en échappe ("face hugger"), s'inspirant de la guêpe parasitoïde qui pond ses œufs dans une larve hôte, tuant cette dernière pour prendre sa place, de l'alien nouveau-né ("chestbuster"), les cocons qui n'apparaitront que dans la version "director's cut" du film en 2003, et la planète et le vaisseau échoué qu'explore l'équipage, le gigantesque extraterrestre fossilisé à l'intérieur (baptisé "space jockey"), et il le défend jusqu'au bout contre Fox, qui n'en voulait pas. Dan O'Bannon a le mérite d'avoir guidé Ridley Scott vers l'équipe technique de Dune, Ron Cobb, Moebius et Hans Rudi Gigger. Cette équipe va faire son film en résonance avec certaines angoisses pour, au final, «créer un mythe», tout en étant aidé par Carlo Rambaldi qui apportera son talent pour la supervision des effets spéciaux mécaniques. Pour le tournage, il est alors décidé de profiter des structures anglaises de production. En effet, la banlieue de Londres offre de multiples studios pleinement opérationnels pour accueillir des tournages coûteux. À Pinewood, existe, depuis 1976, le plateau 007, utilisé notamment pour "L'Espion qui m'aimait". Ce dernier plateau dispose de la superficie idéale pour recevoir les décors d'un film de science-fiction et le film se tourne en 14 semaines  du 5 au  21 octobre 1978. Lumières, boutons, moteurs : tous les décors du Nostromo, imaginés par Ron Cobb et Ridley Scott et conçus par les équipes de décoration, étaient fonctionnels. Ceci pour permettre aux comédiens de véritablement interagir aux commandes du vaisseau. Pour amplifier la taille du Space-Jockey, Ridley Scott a remplacé les acteurs en scaphandre par ses deux fils. Quant au casting, la production sélectionne Tom Skerritt, John Hurt, Yaphet Kotto, Veronica Cartwright, qui était persuadée d'obtenir le rôle principal, pour lequel elle avait passé des essais, mais elle n'a réalisé qu'à l'étape de l'essayage des costumes qu'elle avait été finalement choisie pour tenir le rôle de Lambert, et surtout Sigourney Weaver qui deviendra une star grâce à ce film, crevant l'écran en incarnant le lieutenant Ellen Ripley – l'une des héroïnes les plus badass de Hollywood – a failli voir son rôle attribué... à un homme. Le réalisateur Ridley Scott avait un temps envisagé que l'équipage du vaisseau Nostromo développe des relations gay du fait de leur vie en promiscuité durant une longue période passée dans l'espace. Dans les commentaires audio du DVD Alien – Director's cut, le réalisateur a même déclaré que s'il devait refaire le film aujourd'hui, c'est probablement un aspect qu'il développerait. De même, il existait dans le script original une scène de sexe entre Dallas et Ripley, mais celle-ci n'a jamais été tournée. Les scénaristes Dan O'Bannon et Ronald Shusset n'avaient pas vraiment écrit les dialogues. Pour plus de spontanéité, les comédiens devaient improviser à partir de quelques grandes lignes spécifiées pour chaque scène. Le tournage est plutôt éprouvant. Un petit détail est révélateur du talent de Ridley Scott. Hormis John Hurt à qui on avait expliqué le déroulement de la scène, ses partenaires n'en connaissaient pas les détails. Ainsi l'actrice Veronica Cartwright ne s'attendait pas à se faire asperger de sang. Son dégoût et son effroi ne sont donc pas feints ! De véritables lance-flammes ont été utilisés par les acteurs, certains manquant de brûler Ridley Scott et ses cadreurs lors de certains "ratés". Ce n'est pas une mais trois créatures qui ont été utilisées sur le tournage. La première servait de modèle tandis que les deux autres n'étaient que des costumes endossés, l'un par un cascadeur, et l'autre par le géant Bolaji Badejo, issu d'une tribu Masai, qui a su faire la différence face à Peter Mayhew, l'acteur de Chewbacca. Enfin, la composition de la bande originale du film ne fut pas de tout repos. Jerry Goldsmith devait retravailler au jour le jour ses orchestrations pour suivre les changements quotidiens effectués au montage.

 

Le film sort en 1979. Et l'histoire va terrifier ceux qui vont la voir : L'équipage du "Nostromo" fait un arrêt forcé sur une planète inconnue et découvre une colonie d'œufs géants, habités par de mystérieuses créatures. L'un des "aliens" s'introduit dans le corps du second, Kane, avant de lui perforer le ventre et de s'échapper à bord du vaisseau. Protéiforme, la créature élimine les uns après les autres les membres de l'expédition. Seuls rescapés : le lieutenant Ripley et le chat. Pour obtenir une réaction crédible du chat face à l'Alien, l'équipe le mit face à un Shepherd dissimulé derrière un cache. À l'approche du chat, il suffisait de révéler la présence du chien pour obtenir la réaction du félin. Ridley Scott voulait  au départ que la créature tue sauvagement le lieutenant Ellen Ripley lors du face-à-face final dans la nacelle spatiale. Ensuite, le réalisateur souhaitait que l'Alien s'assoit et prenne la voix de celle qu'il venait d'assassiner en envoyant un message rassurant d'arrivée sur la planète Terre. Toutefois, la société de production 20th Century Fox, qui finançait ce long-métrage, n'était pas très enthousiaste à l'idée de voir une fin aussi désespérée conclure le film. Il a donc été décidé que le personnage de Sigourney Weaver survivrait à sa confrontation avec la créature. Par ailleurs, une scène d'amour plus ou moins explicite entre les personnages de Dallas et Ripley était prévue dans le script original, mais celle-ci n'a jamais été tournée. Une autre décision qui a modifié le montage final de ce long-métrage sans pour autant altérer son succès. Ce film est très centré sur les hommes au départ, jusqu'à ce qu'eux-mêmes abandonnent leurs pouvoirs car ils se retrouvent inefficaces face à la bête et laissent tomber. Alien est “précurseur”, car  pour la première fois, une entité féminine (la créature sous sa forme embryonnaire) pénètre physiquement un personnage masculin, inversant les rôles du viol dans une scène de cinéma. Et on passe progressivement à une héroïne accidentelle, qui va prendre de la place et de la force ! Sigourney Weaver a vraiment initié le fait qu'une franchise puisse tenir sur les épaules d'une héroïne. La plus grande réussite de cette saga de film c'est le personnage d'Ellen Ripley. À travers son personnage, on peut suivre l'évolution du féminisme vu par Hollywood... Mais il y a également une véritable dimension politique dans la saga Alien : les personnages principaux sont des ouvriers, des petites mains, de la chair à canon... C'est la revanche des prolétaires de l'espace contre une grande compagnie qui pense que leur vie ne vaut rien. Il faut dire qu'à l'encontre des films de science-fiction classiques, la mission spatiale d'"Alien : le 8e passager", n'est pas composée d'un équipage de conquérants à la "Star Trek", ni de héros engagés dans une guerre galactiques du type "Star Wars", ou d'astronautes professionnels comme dans "2001 : l'Odyssée de l'espace". Pour la première fois, dans "Alien", les membres d'équipage du vaisseau Nostromo sont des lampistes, des camionneurs de l'espace qui rapatrient une cargaison minière vers la Terre depuis une lointaine planète. Le navire a perdu la flamboyance des fusées chromées de la S-F des années 50, encore décelable dans le mythique USS Enterprise de "Star Trek". Il ne reprend pas plus la blancheur immaculée des navires de "2001" ou de "Star Wars". Dans "Alien", le Nostromo est un cargo minier, composé d'une plateforme de raffinerie usagée, tractée par un vaisseau crasseux, dont l'intérieur est encombré, rouillé, perclus de câbles. Et il y a aussi cette critique du capitalisme débridée, exprimée à travers l'opposition entre techniciens syndicalistes méfiants et officiers scientifiques qui, plus ou moins volontairement, obéiront aux ordres de la Compagnie, qui a ordonné à l'ordinateur de bord (secondé par un androïde) de ramener l'«Alien» sur Terre pour en faire une arme biologique.

 

La réaction de la presse et du public de l'époque, oscillait entre enthousiasme et dégoût. À observer cette époque, il n'aurait pas dû être un succès. Après le western cosmique de George Lucas, cette histoire de maison hantée dans l'espace, comme la résumait Ridley Scott, aurait dû être boudée. Le public snobera l'horreur antarctique The Thing de John Carpenter – «le film le proche d'Alien qui soit» – pour E.T. et sa bicyclette. Mais en ce crépuscule des années 1970, il y a une place pour ce pessimisme sidéral, «un besoin inconscient». «Comme Psychose achevait les années 1950, Alien exprime des peurs de son moment, par exemple celle du viol, transposée aux hommes. Il illustre des paniques masculines.» Le cinéaste fait état d'une anecdote méconnue. Pendant les premières projections, des spectateurs, uniquement des hommes, ont quitté la salle pour se rendre aux toilettes où la file d'attente s'allongeait. Ils ont confié s'être sentis mal, avoir ressenti l'effet d'un étau aux entrailles – un peu comme la peur de l'eau d'après Les Dents de la mer. Alien est un film extrêmement important parce qu'il raconte un moment majeur, la remise en cause d'une culture patriarcale. Il y avait alors un malaise qui devait sortir. Comme le monstre. Sa position à la frontière entre les genres de la science-fiction et de l'horreur permet au film d'exposer son thème, une enquête sur les limites de la condition humaine dans un univers hostile grouillant d'autres formes de vie, biologiques et artificielles. Il était des décennies en avance. En fait, le film est beaucoup plus contemporain à l'heure actuelle qu'il ne l'était il y a 40 ans. Giler et Hill commencèrent à réfléchir à une suite. Ridley Scott avait très envie d'explorer la planète d'origine des Aliens, et de nous apprendre plus sur le space-jokey, cette figure si mystérieuse, mais ce projet ne vit pas le jour. Au moment de la sortie du premier film, Ridley Scott déclarait au magazine Métal Hurlant (Hors-série N°43 bis) : "J'aurais aimé avoir une troisième version pour cette créature, qui aurait couvert qu'il y avait vraiment une civilisation et que l'épave était peut-être bien un vaisseau de guerre, ou encore un cargo transportant sa propre race ou une arme quelconque d'un point A en un point B, et que quelque chose avait mal tourné. Mais sans cette possibilité, il faut souligner d'une façon ou d'une autre le danger représenté par la chose, comme par exemple en montrant que même son mode de reproduction est terrifiant. (...) J'ai essayé de faire passer ça dans la séquence finale. Ce que je veux, c'est montrer que l'Alien a une durée de vie limitée, comme un papillon. Et dans cet intervalle de temps, une fois qu'il a décidé de s'exposer, une fois qu'il surgit de son œuf, il lui faut se reproduire et se propager aussi rapidement que possible, et même peut-être seulement en quelques jours. C'est pourquoi au cours de la dernière séquence, on peut voir le corps du grand Alien exhaler une bave visqueuse : ce que nous essayons de transmettre, c'est que l'Alien est peut-être en train de s'enfermer dans son propre cocon. À ce stade d'ailleurs, il n'attaquera que s'il est provoqué, étant entièrement absorbé par l'accomplissement de son cycle de reproduction". Une vision qui justifiait la séquence (initialement coupée) dévoilant Dallas dans un cocon : il devait en fait être "digéré" par cette matière pour se transformer... en œuf, et ainsi relancer un cycle. Pas de Reine, donc, dans l'esprit du Ridley Scott de 1979. Mais déjà les prémisses de Prometheus. Bien que sa renommée ne se soit pas faite sur cette récompense, Alien, le huitième passager s'est vu remettre en 1980 un Oscar pour ses effets spéciaux, tandis que lui échappait la récompense de la Meilleure direction artistique. Le film remportera trois Saturn Award, récompensant traditionnellement les films fantastiques, dans les catégories Meilleur réalisateur (Ridley Scott), Meilleure actrice dans un second rôle (Veronica Cartwright) et Meilleur film de science-fiction.

 

Les suites retiendront ces codes tout en s'y éloignant considérablement puisque le monstre qui était une menace invisible et terrifiante devient trop visible pour terrifier, surtout que H.R. Gigger n'est plus retenu pour faire le design des monstres dans les autres films qui commettent l'erreur de la paresse scénaristique en faisant revenir continuellement Ripley sans penser à renouveler la franchise. Dans "Aliens, le retour" (1986), de James Cameron, déçu que son scénario de Rambo II n'ait pas été retenu, alors que Hill et Giler ont voulu un croisement entre Sans Retour et les Sept Mercenaires, les astronautes qu'accompagnent Ripley sont des Marines qui se font décimer les uns après les autres dans une colonie extraterrestre dévastée. Ce film faisait revenir Sigourney Weaver dans le rôle, alors qu'elle ne voulait pas être enfermée dans celui-ci et n'accepta qu'en échange d'un gros salaire. Contrairement au précédent film, c'est l'œuvre personnelle de Cameron, qui s'inspira plus des films sur la guerre du Viêtnam que du thriller horrifique de Ridley Scott, et dû subir la mauvaise volonté du studio Pinewood qui ne voulait pas qu'on sabote le film de son compatriote. Ce qui n'est pas faux, puisque ce dernier en a fait un film d'action, dans lequel les xénomorphes ne font plus peur, qui ne sont plus ici vus que comme une colonie de termites avec une reine, loin du souhait de Ridley Scott, enlevant ainsi tout mystère à ces créatures, et où il a eu la mauvaise idée de donner le nom de Weyland-Yutani à la Compagnie. Plus intéressantes seront les suites d'Aliens adaptées en comics par Dark Horse entre 1988 et 2008, regroupés en 6 volume dans Aliens Omnibus entre 2007 et 2008, qui seront republiées par Marvel en 2021. Dans ces comics, les xénomorphes ont envahis la Terre et l'humanité lutte contre cette menace, dans lesquels réapparaissaient Hicks et Newt, héros principaux d'Outbreak, Nightmare Asylum et Female War, dans lesquels, ils sauvent la Terre des xénomorphes, qui seront renommés Wilks et Billie puisqu'on les donnent mort dans Alien 3 en 1992, et également Ripley qui dans Aliens Resistance en 2020 mène la résistance contre Weyland-Wutani voulant se servir des xénomorphes comme d'une arme mortelle avec Zula Hendicks, une ancienne marine coloniale découvrant l'horrible vérité dans Aliens Defiance en 2017, tout en présentent souvent la Weyland-Yutani Corporation (ou une société interplanétaire comparable) et le Corps des Marines Colonial des États-Unis, mais le choix le plus intéressant de ces comics est aussi de montrer une exploration continue de l'avenir de la civilisation humaine, la colonisation et l'exploitation minière de l'espace, des histoires d'horreur et l'expérimentation continue sur l'espèce des xénomorphes par des scientifiques voyous. La cupidité des entreprises, les dangers d'une ambition scientifiques incontrôlées et une lutte pour la survie sont généralement impliqués. Les histoires sont souvent utilisées pour explorer de nouveaux personnages et des aspects plus larges de l'espèce xénomorphe, tels que leur sociologie et leur biologie. Dans "Alien 3" (1992) de David Fincher (après que Renny Harlin et Vincent Ward quittent le tournage), plus d'astronautes, mais des prisonniers pouilleux abandonnés sur une planète perdue dans une fonderie délabrée, dont Ripley va amener le monstre chez eux. Sigourney Weaver revient mais seulement après l'offre d'un gros salaire, alors qu'au départ le héros du film aurait dû être le personnage de Hicks incarné par Michael Biehn dans Aliens, le retour.  Le réalisateur montra son désaccord avec la Fox sur de nombreux passages du film du fait que le scénario était continuellement réécrit, et le renia en quittant la production. Vincent Ward souhaitait faire le film, dans lequel Ripley était sur une planète-monastère, tout en bois, à la dérive dans l'espace ! Elle doit alors aider des religieux coincés et terrifiés par la bête qui, à leurs yeux, n'est rien d'autre que le diable incarné. Dark Horse Comics a publié en comics  en novembre 2018 (sur le marché anglo-saxon uniquement) ce qu'aurait été Alien 3 si l'on avait conservé le scénario de William Gibson. Les événements se passaient immédiatement dans la foulée de l'Aliens de James Cameron. Les survivants : Ellen Ripley, Newt, Hicks et Bishop rencontraient un groupe de résistants baptisés UPP, Union of Progressive People (l'Union du Peuple Progressiste). Ils conduisent les héros dans la station spatiale Anchorpoint où ils découvriront que ce mouvement élève des Aliens assoiffés de sang pour se venger de la corporation Weyland-Yutani. Naturellement, les grosses bébêtes s'échappent et c'est reparti pour un tour. Malheureusement pour William Gibson, la dimension métaphorique de la Guerre froide n'a pas su séduire les producteurs de la Twentieth Century Fox qui ont préféré confier à David Fincher un scénario encore inachevé au début de son tournage. "Alien, la Résurrection" (1997) de Jean-Pierre Jeunet, dont Giler et Hill pensait qu'il allait ruiner la série, met en scène un équipage composé de pirates de l'espace, dans un vaisseau bricolé, puis un navire naufragé, qui prend avec elle une Ripley ressuscitée, en croisant son ADN avec celui d'un Alien, tout cela dans une ambiance steampunk parodiant les précédents films et dont le résultat est pénible à voir. Dommage, car le scénario de départ devait se faire avec le clone de Newt, et Danny Boyle, Peter Jackson et Bryan Singer auraient pu le réaliser, mais ne furent pas convaincu par l'opportunité d'un nouveau film Alien. Sigourney Weaver a sans doute fait l'Alien de trop, alors qu'elle ne voulait plus prendre part à l'aventure.

 

En 2012, Ridley Scott avait repris les rênes de la franchise en réalisant Prometheus centré sur Noomi Rapace, Michael Fassbender et Charlize Theron, mais il avait eu le tort de réactiver les vieilles théories d'Erich von Däniken selon lesquelles la vie sur terre aurait été créée par les extraterrestres, et le scénario nous montre la première expédition scientifique menée par Elizabeth Shaw (Noomi Rapace) et son équipe pour découvrir les origines des hommes liées aux Ingénieurs, des créatures extra-terrestres mystérieuses, malgré le fait que le film est beau à regarder, car ce dernier voulait qu'il soit aussi réussi qu'Avatar, il est obligé de faire un film «PG-13», alors qu'il le voulait classé «R», ce qui peut expliquer ses réécritures donnant un son scénario bancal, et des personnages mal travaillés, puis Alien : Covenant en 2017, où le film renoue avec ce grand classique de l'horreur dans lequel l'action se déroule au début du XXIIe siècle, parfois de manière un peu trop appuyée, et donne surtout des indices sur l'origine du xénomorphe, avec Katherine Waterston, comme héroïne principale, et pleine de faux semblants, parfaitement symbolisés par le jeu d'acteur de Michael Fassbender sans pourtant innover et avec un scénario aux des changements fréquents entre 2014 et 2015, mais qui utilise heureusement des effets spéciaux qui ne sont pas numériques. Mais les deux films ayant rencontré un accueil très mitigé, il n'était pas certain que le réalisateur n'a pas eu de continuer. Il faut dire que ces préquelles auraient pu suivre un autre chemin. Le scénariste Jon Spaihts, qui avait rédigé une première ébauche de «Prometheus» nommé Alien Engineers en 2010, avant que Damon Lindelof ne réécrive le script en 2011. Le script original  était plus axé sur le fait de rendre hommage au film Alien de 1979  et fonctionnait plus comme une préquelle que la sortie en salle. Intitulé  Alien: Engineers, le script de Spaihts a présenté les xénomorphes plus tôt dans l'intrigue lorsque les scientifiques découvrent leurs restes dans des structures pyramidales sur la même lune que le film original. Bien  qu'Alien: Engineers ait pu créer une expérience de visualisation plus simple, il était également plus dérivé d'éléments de parcelle plus anciens que  Prometheus. Jon Spaihts n'a pas seulement écrit une préquelle sur le ton, il a explicitement lié les événements dans son brouillon avec Alien. À savoir, la fin originale du film a servi de pont vers le début du film de 1979, le navire des ingénieurs s'écraser et devenir le vaisseau spatial abandonné sur lequel l'équipage de Ripley découvre les œufs extraterrestres. Les ingénieurs eux-mêmes sont plus connectés aux xénomorphes, des armes biologiques qui attaquent et tuent leurs créateurs. Dans  Prometheus, c'est un liquide gluant noir qui est l'arme, corrompant les organismes qui entrent en contact avec lui. David donne cette substance à l'archéologue Holloway, qui imprègne le protagoniste, Shaw, d'une créature tentaculée. Dans Alien: Engineers, Holloway soigne une poitrine après une rencontre avec un facehugger. La créature sort de son corps lors de sa rencontre sexuelle avec le protagoniste, qui dans ce cas s'appelle Shaw. Le plus important est peut-être l'accent mis par Spaihts sur le xénomorphe lui-même. Dans  Prometheus,  le public ne voit la créature classique, le xénomorphe que dans les dernières secondes. Dans  Alien: Engineers, David permet délibérément à un facehugger de s'accrocher à Watts, la forçant à extraire un xénomorphe de son corps à la place. L'Alien se déchaîne, concentrant ainsi fermement les efforts narratifs du film sur la création d'un film d'horreur cosmique plutôt que de science-fiction spéculative. Les changements apportés par Lindeloff n'ont fait qu'indiquer la présence de xénomorphes pour la majorité du film, choisissant plutôt d'explorer la mythologie des ingénieurs et leur rôle dans les origines de la vie humaine. Mais, on s'est peut-être trompé sur les intentions de Ridley Scott qui souhait faire ce qu'il avait prévu comme suite pour Alien, celle qui portait sur le space-jockey et sur la planète d'origine des Aliens, des films qu'il souhaitait plus religieux et mystérieux, mais il ne pouvait plus compter sur Dan O'Bannon, mort en 2009, et H.R. Gigger qui a heureusement sauvé Prometheus en lui donnant un aspect biomécanique, ne pouvait plus le sauver après sa mort en 2014.

 

Le 13 février 2019, on annonça aussi une série TV développé et produite par Ridley Scot et Hulu centré sur le xénomorphe. Noah Hawley, le showrunner des séries Fargo et Legion, avait proposé, fut un temps, un concept de minisérie dans cet univers. Il a été mis sur la touche quasi immédiatement par la terrible Emma Watts, vice-présidente du groupe 21st Century Fox. Le projet a donc été avorté. Pour  les 40 ans du premier Alien, sorti dans les salles le 25 mai 1979 (en septembre en France), la 20th Century Fox a produit six courts métrages pour Alien Anthology inspirés d'une durée allant de 9 minutes à 12 minutes du chef-d'œuvre de Ridley Scott. En association avec le crowdstudio Tongal, la Fox a produit six courts-métrages écrits (sauf un) et réalisés par des fans de la saga, pour les fans. Ils ont eu accès aux archives Alien, ont obtenu la permission d'utiliser autant de personnages et de créatures qu'ils le souhaitaient. Après avoir terminé les films, ils ont ensuite été projetés lors d'un certain nombre d'événements Comic-Con à travers les États-Unis. En plus de leur film, chaque candidat gagnant devait également fournir une série de bandes-annonces et d'images pouvant être utilisées pour promouvoir son court métrage. Diffusés depuis le 30 mars sur le site IGN, au rythme de un par semaine, ces six-là sont depuis le 3 mai sur les réseaux sociaux du compte Alien Anthology, ainsi que sur le site d'Alien Universe. Comme vous vous en doutez, les histoires qui s'inspirent parfaitement du classique de Ridley Scott sont centrées sur de forts personnages féminins, ainsi que dans une ambiance claustrophobe, avec une sensation toujours présente de danger mortel. On retrouve aussi dans ceux-ci tout ce qui a fait le charme du thriller horrifique, où les employés sont du menu-fretin pour leurs compagnies et doivent eux-mêmes faire face aux xénomorphes comme Lorraine travaillant dans une colonie minière qui doit choisir entre fuir ou se battre pour sa sécurité, Julie, une botaniste qui doit contenir des contenus suspects dans sa cargaison et plus particulièrement un xénomorphe, un camionneur de l'espace qui essaye d'aider son ami qui va mal mais qui en réalité est contaminé par un facehugger et une camionneuse maligne seule survivante de cette aventure arrive à force de ruse à vaincre le xénormorphe, l'équipage survivant d'une moissonneuse-batteuse endommagée qui essaye d'atteindre la navette d'évacuation d'urgence, mais se fait décimer peu à peu par le xénomorphe avant que la seule survivante découvre que c'est leur cyborg qui les a trahi, ou encore quatre survivants se retrouvent coincés à bord d'une petite capsule de sauvetage au fin fond de l'espace, tout en cherchant à découvrir si l'un d'eux est infecté, et à la fin l'une d'entre elle découvre un chesbuster et confine la capsule, et Hope, une membre d'équipage abandonnée à bord du transporteur de produits chimiques Otranto, à la dérive, a passé un an à essayer de garder son vaisseau, alors que tous deux s'effondraient lentement, et en découvrant une cargaison caché, un facehugger, elle retrouve goût à la vie, à la fin on découvre que c'est un cyborg et qu'elle lui donne une victime humaine. Ces court-métrages ont compris que la base d'Alien n'est pas d'avoir un personnage principal unique comme Ripley, mais qu'on peut donner à cette histoire plusieurs versions terrifiantes en rendant un hommage fidèle à l'œuvre originale comparé aux films fait à partir d'Aliens, le retour, juste pour créer une franchise juteuse à l'essoufflement constant et au manque d'imagination croissant. Si vous voulez voir ces six courts-métrages, je vous mets les liens pour que vous puissiez les voir sur You Tube : https://www.youtube.com/playlist?list=PLdZugR0wc7bM3KbeVySz4Xv2QuFKQFGXD.

 

Ridley Scott a ensuite signé son grand retour à la science-fiction en tant que producteur exécutif et réalisateur des premiers épisodes de la série Raises by Wolves, diffusée le 3 septembre 2020 sur HBO Max. En pleine promotion de cette dystopie, qui fait se côtoyer humains et androïdes, le réalisateur en a profité pour évoquer l'avenir de la franchise Alien. Rappelons que le script du cinquième volet de la saga a été achevé en mars dernier et que son producteur Walter Hill, l'a décrit comme “une méditation sur la franchise”. Hill a également transmis à SyFy Wire une photo de la page de garde du script d'Alien 5 (ou Alien V, plus précisément), qui comporte plusieurs citations : d'abord une reprise de la tagline légendaire du premier Alien ("Dans l'espace, personne ne vous entendra crier"), puis une variation sur cette tagline ("In space no one can hear you dream" - "Dans l'espace, personne ne vous entendra rêver") et enfin deux citations, l'une d'Edgar Allan Poe ("Tout ce que nous voyons ou croyons est un rêve dans un rêve"), l'autre de William Tecumseh Sherman ("La guerre, c'est l'enfer"). Rappelons que Sherman était un général de la Guerre civile américaine qui professait la politique de la terre brûlée et une guerre totale contre les États confédérés. On sait que Neill Blomkamp, le réalisateur de District 9, réfléchissait lui aussi à un hypothétique Alien 5 il y a quelques années (qui aurait suivi un chemin parallèle aux épisodes 3 et 4 et aurait notamment fait revenir les personnages de Newt et du Caporal Hicks). L'actrice Sigourney Weaver annonçait qu'elle avait lu un "traitement" (résumé de scénario détaillant les points clés de l'intrigue) concernant un potentiel Alien 5. Un texte qu'elle aurait refusé de soutenir. L'actrice a laissé entendre qu'il serait peut-être temps d'accorder à Ripley «un peu de repos». Dans une interview avec Forbes ce 2 septembre, Scott a, quant à lui, déclaré que ce prochain volet ne reviendra probablement pas sur les mondes mis en place par Prometheus et Alien : Covenant. "C'est en cours. Nous avons emprunté une voie qui essaye de réinventer le cycle avec Prometheus et Covenant", s'est-il réjoui. "Que nous y retournions ou non directement est incertain parce que Prometheus l'a très bien réveillé. Mais vous savez, vous posez des questions fondamentales comme : Est-ce que l'Alien lui-même, le facehugger, le chestburster, sont tous à bout de souffle ? Devons-nous repenser tout cela et utiliser simplement le mot “franchise” ? C'est toujours la question fondamentale." Dans une interview avec Los Angeles Times en mai dernier, le réalisateur avait partagé des propos similaires concernant le futur de la saga : "Je pense toujours qu'il y a beaucoup à faire avec Alien, mais je pense que nous devons maintenant ré-évoluer [...] Ce que j'ai toujours pensé lorsque je le fabriquais, le premier, pourquoi une créature comme celle-ci serait-elle fabriquée et pourquoi voyagerait-elle dans ce que j'ai toujours pensé être une sorte d'engin de guerre, qui transportait une cargaison de ces œufs. Quel était le but du véhicule et quel était le but des œufs ? C'est la question à se poser : qui, pourquoi et dans quel but, est l'idée suivante, je pense." Le dernier projet du réalisateur, The Last Duel, qui réunira Adam Driver, Matt Damon, Ben Affleck, avait vu son tournage se stopper net à cause de la pandémie. Sa sortie est maintenant prévue pour le 15 octobre 2021. Enfin, Dan O'Bannon, un peu mauvais perdant, a sorti en comics sa version du script non retenue par la Fox que nous verrons ici en France en décembre 2020, parfois très différente du film finalement tourné par Ridley Scott. Dans celui-ci, en route vers la Terre, l'équipage du vaisseau Snark intercepte un signal d'origine inconnue. Ses recherches amènent le Snark vers un astéroïde désolé, un engin extraterrestre et une mystérieuse structure pyramidale. L'horreur s'installe, et après que l'équipage fait venir la créature avec eux et atterrissent dans la planète Hell essayent de la déloger,  mais se fait massacrer des plus horrible manières, alors que le xénomorphe utilise une de ses victimes pour y tisser un cocon et développer un cycle de vie bizarre. Le seul survivant, doit affronter le monstre afin d'éviter qu'il puisse atteindre la Terre. Une version intéressante, où l'on peut voir des designs différents, d'autres personnages et à quoi ressemblait au départ la créature. Cela permet d'attendre avant de voir à quoi pourrait ressemblait un nouveau film Alien.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Roger Luckhurt, Alien, Akhileos, 2016, Alexandre Poncet, La Saga Alien, Mad Movies, 2018, Alexandre O. Philippe, Memory: The Origins of Alien, Exhibit A Pictures, 2019 (documentaire), https://www.huffingtonpost.fr/entry/alien-pourquoi-la-symbolique-profonde-du-film-fonctionne-encore-40-ans-apres_fr_5d7921b4e4b06028fd35855b, https://www.ledevoir.com/culture/cinema/569520/cinema-alien-quarante-ans-et-toutes-ses-dents, https://www.letemps.ch/culture/alien-film-paniques-males-declin, https://numero.com/fr/cinema/memory-of-alien-the-origins-alien-ridley-scott-hans-ruedi-giger-documentaire-horreur-science-fiction#_, J. W. Rinzler, Dans les coulisses d'Alien, Huginn & Muninn, 2019, https://birthmoviesdeath.com/2019/07/17/exclusive-and-now-a-chat-with-the-making-of-alien-author-j.w.-rinzler, et https://www.syfy.com/syfywire/go-inside-the-making-of-alien-for-the-films-40th-anniversary-with-author-jw-rinzler, Johnnie Christmas, Tamra Bonvillain, et William Gibson, Alien 3, le scénario abandonné, Vestron, 2020, https://www.ecranlarge.com/films/news/1027504-alien-3-la-version-perdue-de-william-gibson-va-enfin-avoir-droit-a-une-seconde-vie, et https://www.planetebd.com/comics/vestron/alien/-/41093.html, Dan O'Bannon, Cristiano Seixas, et Guilherme Balbi, Alien par Dan O'Bannon, le scénario abandonné, Vestron 2020, http://www.allocine.fr/article/fichearticle_gen_carticle=18674240.html, http://www.allocine.fr/article/fichearticle_gen_carticle=18684394.html, https://www.avpcentral.com/hicks-newt-alternate-fates, https://www.dvdclassik.com/critique/alien-le-huitieme-passager-scott, https://avp.fandom.com/wiki/Aliens_(comics_line), https://www.fnac.com/Alien-a-40-ans-retour-sur-la-saga-qui-dechire/cp35083/w-, https://bloody-disgusting.com/tv/3546528/rumor-two-alien-franchise-tv-shows-works-one-ridley-scott-hulu/, https://www.cnetfrance.fr/news/ridley-scott-confirme-qu-un-nouveau-film-alien-est-en-preparation-39909097.htm, https://www.franceinter.fr/emissions/blockbusters/blockbusters-19-aout-2019, https://www.francetvinfo.fr/culture/cinema/la-saga-alien-decryptee-en-quelques-livres_3329025.html, https://geeko.lesoir.be/2019/05/23/5-choses-que-vous-ignoriez-a-propos-dalien/, http://www.horreur.com/?q=nid-4602/alien-gen%C3%A8se-dun-mythe-alien-vault, https://www.konbini.com/fr/cinema/ridley-scott-et-ses-alien-cest-quoi-ce-bordel/, https://www.lesinrocks.com/2020/09/07/cinema/actualite-cinema/ridley-scott-en-dit-plus-sur-le-prochain-alien/, https://www.lepoint.fr/pop-culture/metal-hurlant-retour-sur-une-saga-dantesque-19-08-2020-2388307_2920.php, https://www.lequotidienducinema.com/focus/alien-le-huitieme-passager-aux-sources-du-mythe/, https://www.lexpress.fr/culture/cinema/5-raisons-de-regretter-le-script-original-de-prometheus-alien-engineers_1203365.html, https://www.lexpress.fr/culture/cinema/alien-3-de-vincent-ward-chef-d-oeuvre-de-la-science-fiction-jamais-realise_1798258.html, https://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Le-producteur-d-Alien-Walter-Hill-revele-ses-plans-pour-Alien-5, https://www.premiere.fr/Cinema/News-Cinema/Pour-les-40-ans-dAlien-six-nouveaux-courts-metrages-ont-ete-tournes4, https://www.programme-tv.net/cinema/2039386-alien-le-huitieme-passager/, https://screenrant.com/prometheus-movie-story-script-changes-explained/, https://www.telestar.fr/culture/alien-le-8eme-passager-nrj-12-8-choses-a-savoir-sur-le-film-culte-de-ridley-scott-photos-214213, https://www.telestar.fr/culture/alien-le-8eme-passager-quelle-fin-alternative-ridley-scott-avait-il-imagine-pour-454624, et https://www.ztele.com/articles/10-choses-savoir-franchise-alien-1.1573142.

Merci !

Nous allons rendre hommage aujourd'hui à Roger Carel, l'homme aux mille voix qui ont bercé l'enfance de plusieurs générations de Français et qui avait prêté sa voix à de nombreux acteurs et personnages de dessin animé, de Jerry Lewis à Peter Sellers, en passant par Astérix, le droïde C-3PO de “Star Wars” ou Alf.

 

Né Roger Bancharel le 14 août 1927, l'enfance de Roger Carel est marquée par ses années de pension passées dans le sévère collège Saint-Nicolas, à Issy-les-Moulineaux (Hauts-de-Seine), où les élèves ne sont autorisés à parler que pendant la récréation. Roger Carel y trouve déjà l'occasion de développer son talent comique. En imitant la voix de ses professeurs, il provoque l'hilarité de ses camarades. Malgré son côté amuseur, il se découvre, après ces années d'éducation religieuse, une vocation pour la prêtrise, au point d'entrer au petit séminaire, avant de changer d'avis. Pour faire plaisir à son père, employé à la CMP, ancêtre de la RATP, il s'inscrit alors à l'École centrale d'électricité, mais n'y passe finalement que quelques mois; l'envie de jouer le tenaille.

 

Et après son bref passage dans une école d'ingénieurs, il devient aidé par sa tante Jeanne, Roger et suite à la rencontre de Jean Marchat, codirecteur du théâtre parisien des Mathurins, à la fin des années 1940, élève du cours de théâtre d'Andrée Bauer-Thérond, fréquenté entre autres par Michel Piccoli ou Anouk Aimée. Le jeune comédien fera ses premières armes au théâtre, où il débute sur les planches dans La Dame aux camélias, en 1950, puis dans Les Femmes savantes, avec la compagnie Noël Vincent. Roger Carel participe ensuite à la tournée de la pièce Le Petit Café en Afrique du Nord aux côtés d'Albert Préjean, et à son retour, il intègre la compagnie Grenier-Hussenot, avec laquelle il enchaîne les pièces pendant sept ans, et dans les feuilletons radiophoniques où sa voix singulière au ton malicieux, qu'il transforme à volonté, le rend rapidement célèbre.

 

Dès 1952, les premiers contrats au cinéma se multiplient. Il apparaît dans Le Vieil Homme et l'Enfant (1967), de Claude Berri, Elle cause plus... elle flingue (1972), de Michel Audiard, Papy fait de la résistance (1983), de Jean-Marie Poiré. Il ne s'arrête jamais de jouer. «En une journée, on passait d'un studio d'enregistrement à un plateau de cinéma ou de télé. Le soir, on était au cabaret ou au théâtre.» En 1959, il participe à près de 1000 représentations de Gog et Magog au Théâtre de la Michodière, à Paris, aux côtés de François Périer et Jacqueline Maillan. À la télévision, il incarne notamment le commissaire Guerchard dans la série Arsène Lupin, diffusée au début des années 1970. C'est en 1954, après une représentation de la pièce de Robert Hossein Responsabilité limitée, au Théâtre Fontaine, un spectateur l'aborde. Sa voix correspondant à celle d'un personnage interprété par Peter Lorre. Il lui propose de doubler l'acteur dans la comédie musicale La Belle de Moscou (1958), de Rouben Mamoulian.

 

Ses capacités vocales, qui lui permettent d'interpréter plusieurs personnages dans une même œuvre, lui ouvrent la porte des premiers studios de dessins animés. Dans les films Disney notamment, il aura doublé Mickey Mouse, le serpent Kaa du Livre de la jungle, Pongo des 101 Dalmatiens, les personnages de Winnie l'ourson, du chat d'Alice au pays des merveilles, du détective Basil dans Basil, détective privé, ou encore Jiminy Cricket dans Pinocchio en 1975, dans un nouveau doublage de "Pinocchio" d'Hamilton Luske et Ben Sharpsteen. Dans un autre registre, il était la voix française jusqu'en 2005 de C-3PO dans Star Wars, compère de toujours de l'autre robot star de la saga R2D2, Alf dans la série télévisée éponyme, Kermitt la grenouille du «Muppet Show», Fred Pierrafeu, Maestro dans les séries d'Il était une fois.... On retiendra aussi sa voix si particulière pour mettre des mots dans la bouche d'Astérix, auquel il aura prêté sa voix, depuis 1967, près d'une dizaine de fois (et aussi le chien, Idefix).

 

Roger Carel doublera aussi des acteurs de renoms dont Charlie Chaplin dans "Le Dictateur" (à la demande de Chaplin), Peter Sellers ("La Panthère rose"), Jack Lemmon ("Certains l'aiment chaud"), Jerry Lewis, mais aussi Peter Ustinov  et David Suchet dans leur rôle d'Hercule Poirot. Bref, tout le monde a déjà eu le "son", le "timbre" de la voix de Carel dans l'oreille au moins une fois. Il aura même fait une apparition vocale dans Harry Potter en prêtant sa voix au professeur Horace Slughorn. Il jouait aussi de sa capacité à passer d'une voix à une autre en studio de radio dans l'émission des Grosses Têtes de Philippe Bouvard.

 

Au début des années 2010, Carel veut ralentir le rythme. Il est remplacé par d'autres voix dans certains de ses rôles célèbres (Winnie l'ourson ou C3PO par exemple). En octobre 2013, à l'occasion de la sortie d'"Astérix : Le Domaine des dieux" d'Alexandre Astier, il annonce que c'est la dernière fois qu'il double le personnage et qu'il prend définitivement sa retraite. En 2012, le comédien reçoit le prestigieux prix Henri-Langlois dans catégorie doublage. Côté vie privée, il se montre plutôt discret, profitant pleinement de sa femme, de ses enfants et de ses petits-enfants à l'abri des regards indiscrets. Selon Le Parisien, Roger Blancharel, dit Roger Carel, est décédé le 11 septembre dernier. Sa famille a souhaité attendre avant d'annoncer sa mort publiquement pour "préserver son épouse, fortement bouleversée" et éviter qu'elle ne soit "assaillie de messages", a expliqué son fils. La légende du doublage a été inhumé dans la plus stricte intimité à Villejésus en Charente ce jeudi, a précisé à l'AFP son fils Nicolas.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://www.gala.fr/stars_et_gotha/roger_carel, https://www.franceinter.fr/culture/le-comedien-roger-carel-doubleur-d-asterix-ou-de-c3po-est-mort, https://www.huffingtonpost.fr/entry/mort-de-roger-carel-legende-du-doublage_fr_5f6484cbc5b6480e896d18db?utm_hp_ref=fr-culture, https://www.lemonde.fr/disparitions/article/2020/09/18/mort-de-l-acteur-roger-carel_6052731_3382.html, et https://www.lepoint.fr/culture/roger-carel-voix-d-asterix-et-mickey-est-mort-18-09-2020-2392518_3.php.

 

Merci !