Le roi Arthur, la réalité derrière le mythe

Nous allons voir aujourd'hui Superman Returns qui est un film de 2006 de Bryan Singer. Le projet Superman Returns, un temps entre les mains de Brett Ratner, a connu de nombreux changements de direction. C'est en raison d'un désaccord concernant le casting du film que le réalisateur de Rush Hour s'est vu remercier par la production. Au vu du succès au box-office de Charlie et ses drôles de dames, la production décide alors de se tourner vers McG. Il est malgré tout contraint d'abandonner à son tour le projet en 2002 pour tourner Charlie's angels - les anges se déchaînent. Il revient en 2004 pour un bref moment puisque, réalisateur et producteurs n'arrivent pas à s'accorder en ce qui concerne le budget du film et le lieu de tournage, provoquant ainsi le départ définitif de McG. Avant de trouver la "perle rare" qui pourra mener à terme le projet Superman Returns et sera en parfait accord avec eux, les studios Warner approchent des réalisateurs aussi différents que Michael Bay (Armageddon) ou Robert Rodriguez (Sin City). La Warner propose alors à Bryan Singer de réaliser Superman Returns, tandis qu'il travaille sur le dernier opus des aventures des X-Men. Ne pouvant accepter de prendre en charge deux projets d'une aussi grande envergure, il est contraint de faire un choix. Il décide de renoncer à X-Men pour, accompagné de toute son équipe technique, s'occuper du retour tant attendu de Superman sur grand écran. Ironie du sort, c'est alors Brett Ratner que les studios contactent pour prendre sa succession sur le tournage d'X-Men l'affrontement final.

 

Le film met en vedette Brandon Routh dans le rôle de Superman. Comme Richard Donner avec Christopher Reeve, Bryan Singer a choisi de confier le rôle de Superman à ce dernier un acteur relativement inconnu, aperçu notamment dans les séries Gilmore Girls, Cold Case : affaires classées et Will & Grace. Singer avait besoin d'un acteur qui sache incarner toutes les qualités contrastées de Kal-El, Clark Kent et Superman, qui puisse assumer la dimension physique et émotionnelle du rôle. Il n'en voulait pas moins un inconnu : "Il fallait quelqu'un qui reflète notre mémoire collective de Superman et devienne la vivante image du personnage", explique le réalisateur. Constituer le casting de Superman Returns a été l'une des étapes les plus longues de la pré-production. De multiples noms ont été mentionnés et de nombreux acteurs et actrices ont passé des essais pour le film, comme Claire Danes, Keri Russell, Scarlett Johansson ou encore Keira Knightley pour incarner la belle Lois Lane, mais c'est Kate Bosworth qui fut choisie. Anthony Hopkins était, quant à lui, engagé pour interpréter le rôle de Jor-El (le père de Superman), mais a renoncé au moment où Brett Ratner a quitté le projet. Johnny Depp a été considéré pendant un temps pour les rôles de Jor-El et Lex Luthor, mais c'est Harvey Keitel qui prit le rôle. Cependant, c'est tout naturellement le rôle de Superman qui a suscité le plus de remous. Des dizaines d'acteurs ont été envisagés pour endosser le costume rouge et bleu du super héros. Les noms de Josh Hartnett, Brendan Fraser, Ashton Kutcher, Ian Somerhalder, Jared Padalecki ou encore Jim Caviezel ont ainsi été évoqués soit par les différents réalisateurs ou la production. C'est un semi-redémarrage de la série Superman. Il remplace Superman III et Superman IV: The Quest for Peace, dont il est censé ignorer les événements. Le film utilise Superman et Superman II comme un vague arrière-plan (bien qu'ils se déroulent clairement dans une période clairement différente), selon ce que les producteurs ont déclaré. Superman Returns s'inscrit donc dans le prolongement de Superman II : "C'est une pseudo-suite, explique le scénariste Michael Dougherty. Dan, Bryan et moi adorons deux premiers films et je pense que ça aurait été une erreur de revenir aux origines de la saga. Tout le monde connaît l'histoire de Superman. Donner l'a très bien racontée à mon avis. La série Smallville le fait également mais nous ne voulions pas deux incarnations différentes qui pourraient semer la confusion. Nous avons préféré pousser l'histoire un peu plus loin plutôt que de la reprendre depuis le début." Pour Superman returns, Bryan Singer a décidé de "redonner vie" à Marlon Brando. L'acteur, décédé durant l'été 2004, interprétait Jor-El, le père de Superman, dans le film de Richard Donner en 1978. Bryan Singer a décidé d'utiliser des images d'archives de ce long métrage, afin de permettre à l'acteur de reprendre son rôle, à titre posthume, dans le nouvel opus des aventures du super-héros.

 

Dans le film, Superman est de retour après avoir été absent pendant cinq ans suite à son voyage vers les restes de Krypton, reprend son identité de Clark et  sa carrière de journaliste pour le Daily Planet, il tente de restaurer sa relation avec Lois Lane, seulement pour découvrir qu'elle a déménagé, étant fiancé à Richard White  et elle a un jeune fils nommé Jason (Tristan Lake Leabu), mais Superman est  vraiment son père, et plus aliéné que jamais, il doit empêcher Lex Luthor qui utilisé la technologie kryptonienne pour créer un continent Kryptonien. Mais Superman a prévalu sur Luthor et a retrouvé sa place en tant que protecteur de la Terre tout en veillant également sur son jeune fils. Le film sorti en juin a bien performé au box-office en rapportant 391 millions de dollars au box-office mondial, mais une suite ne s'est jamais matérialisée et a reçu des critiques généralement favorables. Warner Bros a été déçu par le box-office international, annulant néanmoins une suite prévue. Son essence était profondément ancrée dans celle des films de Richard Donner et Richard Lester, et les fans l'ont réprimandé pour avoir trop rendu hommage à ceux-ci. Ils ont trouvé qu'il manquait l'action que le public contemporain attendait du réalisateur, Bryan Singer, qui a ironiquement quitté la franchise "X-Men" pour faire ce film. Le costume de Superman dans le film a ensuite été réutilisé pour la dixième saison de Smallville. En juin 2006, sort un guide du film dans lequel des images exceptionnelles et des informations inédites décrivent et expliquent l'univers de Superman Returns qui est suivi par  un comics lié au film qui est un prologue sorti au mois d'août 2006, intitulé De Krypton à La Terre, nous montre Ma Kent, Lex Luthor et Lois Lane, ces histoires sont signés par les mêmes scénaristes que ceux de la version cinématographique, ils serviront de lien entre Superman II et ce nouvel opus,  et révèle que la masse terrestre - qui s'appelle "New Krypton" - s'est installée en orbite. Mais une suite de Superman Returns aurait pu être une continuation directe de son histoire.

 

Superman Returns 2 aurait développé l'histoire du Superman de Brandon Routh, en introduisant de nouveaux éléments - mais voici pourquoi cela ne s'est pas produit. En 2006, même  Superman Returns a ramené l'homme d'acier au grand écran avec Routh dans le rôle titre. Au lieu de recommencer avec Superman, DC et Warner Bros ont décidé de continuer l'histoire de Clark Kent de Christopher Reeve, qui a été présenté dans quatre films de 1978 à 1987. La plupart des personnages présentés dans Superman Returns seraient de retour pour le prochain film, interprété par les mêmes personnes, car de nombreux acteurs avaient signé des contrats comprenant plusieurs films. Par exemple, l'acteur de Perry White, Frank Langella, a déclaré qu'il était sur le point de jouer son personnage pour deux autres films. Brandon Routh, Kate Bosworth, Kevin Spacey et Sam Huntington auraient tous repris leurs rôles de Superman, Lois Lane, Lex Luthor et Jimmy Olsen, respectivement. De plus, Tristan Lake Leabu serait de retour en tant que personnage original de Superman Returns, Jason White. Jason White a été présenté comme le fils de Lois et de son fiancé, Richard (James Marsden), mais il s'est avéré qu'il était en fait l'enfant de Superman. Bien que cela n'ait jamais été confirmé, il est probable que James Marsden serait également revenu pour jouer Richard, étant donné qu'il était un personnage important. On ne sait pas, cependant, si Eve Marie Saint aurait joué à nouveau Martha Kent dans Superman Returns 2. New Krypton serait apparu dans Superman Returns 2, mais évidemment avec un rôle différent, puisque Superman l'a déjà séparé de la Terre. L'écrivain de Superman Returns, Michael Dougherty, a déclaré qu'une suite aurait introduit de nouveaux Kryptoniens, mais ne précise pas comment ils l'intégreraient dans l'histoire, bien que Dougherty ait déclaré qu'ils n'auraient pas été méchants - ou, du moins, pas au début. Il y a de fortes chances que leur rôle dans Superman Returns 2 aurait été lié à New Krypton, simplement à cause de ce que la création de New Krypton signifierait pour l'avenir de la race de Superman. Cela aurait servi de nouvelle maison à tous les Kryptoniens qui auraient survécu à la destruction de la planète. New Krypton aurait donné aux Kryptoniens l'occasion de reconstruire leur civilisation, et en fonction de leurs projets pour l'avenir, cela aurait pu poser un problème à Superman. Qui aurait combattu Superman dans la suite? Bien que Kevin Spacey devait être dans le film, il n'a peut-être pas été le principal méchant cette fois, d'autant plus qu'il était le principal antagoniste de Superman Returns (et Superman: The Movie). En outre, Superman a déjà traité avec le général Zod (Terence Stamp) dans Superman II des années 1980. Cependant, Superman ne manque pas de méchants parmi lesquels choisir. Puisque la suite n'a jamais été réellement écrite, on ne saura jamais sur qui ils se seraient installés, mais deux choix qui ont été discutés avec les personnes impliquées sont Bizarro et Brainiac. Bizarro est un double de Superman et l'opposé de lui à plusieurs égards, tandis que Brainiac est un extraterrestre avec un supercalculateur pour un cerveau et un désir de collecter des mondes entiers. Brandon Routh a dit qu'il se serait penché vers l'un d'eux. Dougherty a également mentionné Brainiac comme une possibilité, notant que le personnage est "toujours intéressant". Comme Brainiac est l'un des plus grands méchants de Superman et un personnage emblématique de DC Comics qui n'est jamais apparu sur grand écran, il a certainement l'impression qu'il aurait été un bon choix pour Superman Returns 2. Il se pourrait que dans le film, il ait jeté son dévolu sur la Terre, ou peut-être même sur New Krypton.

 

Superman Returns 2 était initialement prévu pour une sortie en 2009, et Bryan Singer devrait revenir en tant que réalisateur. Dougherty devait écrire le scénario. Au fur et à mesure que le temps passait et qu'aucun développement n'était fait, Singer et d'autres ont quitté le projet, puis DC a plutôt choisi de redémarrer la franchise avec une nouvelle version du dernier fils de Krypton, joué par Henry Cavill dans Man of Steel en 2013. Enfin, le Superman de Brandon Routh n'a pas été revisité avant le croisement Arrowverse 2019-2020 de la CW, Crisis on Infinite Earths, qui a vu Routh revêtir à nouveau la cape rouge. Le monde de Superman Returns a été présenté comme l'une des nombreuses terres alternatives d'Arrowverse, et le croisement a donné aux fans une chance de voir ce qui est arrivé à cette version de Superman, qui s'est marié avec Lois Lane et a eu un fils Jason, mais Lex Luthor qu'il affronta à plusieurs reprises jugeant que le Daily Planet ne parlait pas assez de lui, gaza le bâtiment tuant ainsi Lois et ses collègues de travail, malgré cela il ne perdit pas espoir, car il croyait que cela brillerait à travers les ténèbres.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://arrow.fandom.com/wiki/Clark_Kent_(Earth-96), https://dc.fandom.com/wiki/Superman_Returns_(Movie), https://dcmovies.fandom.com/wiki/Superman_Returns, https://screenrant.com/brandon-routh-bryan-singer-superman-returns-set-behavior/, https://screenrant.com/superman-returns-brandon-routh-clark-crisis-what-happened/, https://screenrant.com/superman-returns-2-sequel-story-details-cancelled-reason/, https://www.allocine.fr/film/fichefilm-47356/secrets-tournage/, et https://www.cbr.com/superman-returns-15-reasons-it-was-actually-good/.

 

Merci !

Après le succès de son film oscarisé sur une jeune fille possédée par Belzébuth, William Friedkin s'est tourné vers les super-héros. Le réalisateur a acquis les droits de l'adaptation cinématographique des comics policiers d'Eisner, The Spirit au début des années 70 et demande à Will Eisner d'écrire un scénario. Eisner a refusé, mais a recommandé à Harlan Ellison d'écrire le script, dans son livre Will Eisner : A Spirited Life, Bob Andelman déclare que la version de Friedkin aurait été un téléfilm diffusé sur NBC en 1976. De plus, selon un article de Booksteve's Library, le film aurait joué le rôle principal de James Garner dans le rôle du détective dur et sarcastique. Après avoir dirigé de véritables chefs-d'œuvre comme L'Exorciste, Police fédérale Los Angeles, French Connection, entre autres, il est juste de supposer que l'implication de Friedkin aurait abouti à un film bien meilleur que celui de Miller. Brad Bird et Jerry Rees ont créé une bande-annonce animée en 1980, pour un projet de film The Spirit. Il a attiré l'attention du producteur Gary Kurtz, mais aucun studio ne s'est chargé du projet, estimant qu'il n'était pas commercialisable. L'animation était considérée comme perdue jusqu'à ce que Steven Paul Leiva la publie sur YouTube en 2015. Randall William Cook a fourni la voix de Denny Colt/The Spirit dans l'animation.

 

Par la suite, un The Spirit a vu le jour en 1987 mettant en vedette un post- Flash Gordon Sam J. Jones et une pré-Star Trek: Deep Space Nine Nana Visitor, et écrit par Steven E. de Souza juste entre des films de hauts niveaux comme 48 heures et Piège de Cristal, avec le réalisateur Michael Schultz est peut-être mieux connu en tant que réalisateur de The Last Dragon et d'un épisode clé de Arrow, "The Scientist", qui n'a jamais fait le saut du pilote à la série télévisée, s'est rapproché plus qu'on ne le pense du comics. Ce téléfilm a failli ne pas être vu du tout. En raison d'une campagne écrite et d'une pétition diffusée, il a été diffusé sur ABC TV en 1987, un an après sa réalisation, et était un pilote pour ce qui aurait pu devenir une série. Malgré son histoire d'origine simplifiée (la prémisse originale de la bande dessinée Spirit et les révisions ultérieures impliquaient toutes la mort apparente de Denny Colt au milieu de son exposition à des produits chimiques par un docteur Death, dont aucune n'est exposée ici), The Spirit fait toujours une interprétation fidèle au matériel original. Des couleurs primaires de son costume à la comédie légère dans les interactions des personnages principaux, il a plus qu'une touche d'Eisner. The Spirit a été tourné en 1986, après que L'incroyable Hulk n'était plus diffusé depuis près de cinq ans, et il n'y avait aucun super-héros en première diffusion en vue sur les réseaux ou en syndication. Le modèle de la plupart des combattants du crime à quatre couleurs restait soit la performance sérieuse de Superman entièrement américaine de Christopher Reeve, soit le Batman subversivement ironique (et parfois psychédélique) d'Adam West. The Spirit essaie de suivre la ligne entre ces interprétations, avec plus ou moins de succès. The Spirit va et vient entre un ton de spectacle de crime dur (notamment lorsque Sam Jones, sous l'apparence civile du Spirit en tant que Denny Colt, se fait tirer dessus en pleine nuit sur les quais) et les éléments plus stylisés et hyper-réels de la célèbre émission télévisée Batman des années 1960. En particulier, le Spirit de Jones est coupé du moule d'Adam West, et son Denny Colt incroyablement droit lance des punclines comme "Le crime, en particulier le meurtre, n'est jamais une question rigolote" et propose des leçons comme "La fin ne justifie jamais les moyens, et la route de l'enfer est pavé de bonnes intentions". Au sujet du ton de The Spirit, Steven de Souza, le producteur, Paul Aratow, et le réalisateur Michael Schultz, voulez à l'origine que le personnage soit très droit. Mais mettre Sam J. Jones dans un cadre sérieux n'aurait pas fonctionné, alors le réalisateur a fait jouer tout l'ensemble pour correspondre à Sam. Le casting, cependant, ne pouvait pas être mieux. Il semble physiquement impossible pour quiconque de ressembler davantage à The Spirit que Sam Jones, tandis que Nana Visitor est une Ellen Dolan parfaitement adorable. Il existe une chimie romantique et comique légitime entre les deux. Laura Robinson de Brigade de Nuit est la femme fatale, P'Gell (P'Gell Roxton, ici), et elle est tout à fait la méchante femme sexy à laquelle vous vous attendez. Même l'acolyte problématique de The Spirit Ebony White (un personnage qu'Eisner plus tard a exprimé des regrets, car dans le comics ile est généralement décrit comme un stéréotype racial) reçoit une cure de jouvence plus acceptable en tant qu'Eubie, jouée par un jeune Bumper Robinson (qui peut actuellement être entendu comme la voix de Falcon dans la série animée Avengers Rassembelement de Disney XD) afin de le rendre plus acceptable pour le public de l'époque. Le costume du Spirit est une parfaite traduction en couleurs primaires de son homologue de comics et son quartier général secret au cimetière de Wildwood suit également le look stylisé du «comics» utilisé avec tant d'effet sur la série télévisée Batman et, plusieurs années plus tard, dans le film de Warren Beatty, Dick Tracy. Donc, partout où c'était possible, ils ont repris totalement case par cases quelques moments célèbres du comics.

 

Malheureusement The Spirit aurait extrêmement bien fonctionné en tant que série télévisée, mais ce n'était tout simplement pas dans les cartes. Au moment où avait commencé la production, il y a eu un massacre généralisé du personnel d'ABC lorsque le réseau a été vendu, et chaque personne avec qui ils ont travaillé ont été remplacée. Lorsqu'ils ont rendu le pilote, personne qui l'avait commandé n'était là, donc personne n'y avait un intérêt, personne n'est investi dans les projets de l'administration précédente, et en conséquence le TV film s'est retrouvé l'étagère. Néanmoins, il y avait encore de l'espoir parmi les personnes impliquées que The Spirit verrait le jour, et il reste des preuves visuelles de leurs efforts, y compris une pétition qui est un artefact fascinant de l'histoire du comics à part entière. La pétition, datée d'août 1986, et intitulée simplement «Save the Spirit» raconte l'histoire de dirigeants d'ABC qui pensent que le téléfilm mis en veille était «trop décalé et morbide pour attirer un public !» Steven E. De Sousa compare même The Spirit, peut-être de manière chimérique, aux mouvements de fans qui ont sauvé Star Trek, Cagney et Lacey et Remington Steele. «Nous avons apporté une bande-annonce et une pétition au Comic-Con de San Diego de 1986, où certains des plus grands noms du comics et de la télévision d'aujourd'hui l'ont signée». Les signatures incluaient des stars de la comics comme Len Wein (qui, à l'été 86, aurait quitté ses fonctions éditoriales sur un comics appelée Watchmen), Jaime et Gilbert Hernandez, Tom Mandrake, Kyle Baker et de futures superstars comme Paul Dini, Peter David et Ed Brubaker, ainsi que l'auteur de science-fiction populaire Arthur Byron Cover parmi les personnes souhaitant "sauver The Spirit". Malgré le taux de participation impressionnant à la pétition (datée d'août 1986), The Spirit a été suspendu pendant près d'un an, manquant de dix mois sa diffusion prévue en septembre 1986, avec, selon M. de Souza "pratiquement aucune promotion... à ce moment-là, le navire avait navigué sur n'importe quelle série". Mais il reste des preuves du statut de série télévisée prévu par The Spirit. Quant, il fut diffusé en 1987, on put voir que l'histoire collait avec celle du comic strip scénarisé par Will Esneir en 1940 et 1952. Denny Colt, détective du département de police de la ville centrale, survit à une tentative d'assassinat par des criminels, et le public pense toujours qu'il est mort. Il décide alors d'utiliser à son avantage, puisqu'étant "mort", il n'est pas soumis aux règles qui lient les policiers réguliers. À cette fin, il aménage une tombe abandonnée dans un cimetière en résidence et quartier général et se prépare à une nouvelle carrière avec l'aide du jeune enfant des rues Eubie. Il devient alors The Spirit, un mystérieux combattant du crime dont le seul costume est un costume bleu, un chapeau fedora et un petit masque pour les yeux. À travers Sam Jones, on retrouve le héros masqué et froissé d'Eisner (avec son quartier général sous une pierre tombale de sa véritable identité prétendument décédée, Denny Colt), dont les histoires se concentraient sur un drame réel se déroulant dans les rues, les immeubles délabrés et les arrière-salles enfumées. Denny révèle sa véritable identité au commissaire Dolan, bien qu'il la cache à la fille de Dolan, Ellen. Lui et Ellen sont attirés l'un par l'autre au cours de son enquête sur les contrefaçons créées au Roxton Museum. Le TV film reprend aussi un thème récurrent des comics trip : l'amour entre The Spirit et la fougueuse fille proto-féministe de Dolan, Ellen. Sa première affaire majeure l'oppose à P'Gell, une femme fatale qui a des desseins criminels sur la ville, qui essaye dans le comic trip de séduire The Spirit et de lui faire rejoindre le crime.

 

Les propres directives de Steven de Souza pour une série télévisée Spirit sont datées du 12 décembre 1985, environ quatre mois avant le début du tournage du pilote de The Spirit. Cela promettait plus que ce qui aurait pu être livré dans ce pilote initial de 70 minutes, et il est clair qu'aussi simple que ce personnage soit censé être, il est également aussi fidèle que possible au personnage de Will Eisner. Notamment, The Spirit est dur, et il combat le crime à l'ancienne, à deux poings, et l'une des caractéristiques de notre émission sera une action mano-a-mano brutale et dégringolée entre un héros qui ne fait aucun compromis et des méchants qui ne font pas de quartier. Quiconque a lu les contes originaux d'Eisner reconnaîtra qu'il s'agit du gars qui n'est jamais sans ecchymose, veste déchirée ou pire. Le pilote n'hésite pas non plus à déchiqueter les vêtements du leader, et dans ces séquences, comme dans d'autres, Sam Jones semble sortir tout droit d'une case de comics. Un autre document, daté du 3 avril 1986, est répertorié sous le nom de "The Spirit: Future Storylines". Ces cinq esquisses d'un paragraphe des futurs épisodes de Spirit vont des grandes lignes d'une série d'aventures des années 80 (un imposteur du Spirit commettant des crimes, forçant Spirit à effacer son nom ; une rencontre avec un réseau d'expérimentation animale illégale) à des histoires pleines de potentiel pour la narration d'Eisner (le cadrage de Dolan pour le meurtre d'un «pivot notoire du crime», dont nous ne pouvons que rêver qu'il pourrait être Octopus; le retour de P'Gell, y compris le Spirit combattant ses sbires dans le désert). C'est un aperçu alléchant de ce qu'aurait pu être une future série TV, et lorsqu'il est lu en tandem avec le plan original de Steven de Souza pour la série, il est frustrant de penser à quel point nous sommes proches de voir un The Spirit pleinement réalisé. Et en réfléchissant à The Spirit, Steven de Souza plaisante : «J'ai été choqué, car j'ai réalisé pour la première fois que le plan d'évasion de Hans Gruber à la fin de Die Hard est exactement le même plan d'évasion que P'Gell a dans The Spirit ! Je n'ai aucun souvenir de m'être volontairement arnaqué, mais la seule différence est que P'gell est plus hardcore : Hans Gruber est prêt à faire exploser un groupe de fêtards ivres dans un bâtiment vide pour masquer son évasion, mais P'Gell est prêt à éliminer une collecte de fonds remplie d'enfants !» La déception fut immense pour Sam J. Jones, Steven E. de Souza et  Michael Schultz qui avaient réussi à donner une belle adaptation fidèle au matériel d'origine. Et Steven E. de Souza reprendra un partie de son travail dans Piège de Cristal en 1988.

 

Malgré cet échec en grande partie due à ABC, un projet de film qui aurait pu se concrétiser dès 1992, année au cours de laquelle le producteur Michael E. Uslan a acheté les droits de son œuvre à Will Eisner. Deux idées présentées à Uslan étaient de mettre The Spirit dans un costume et de faire en sorte qu'il soit un homme mort ressuscité qui possédait des pouvoirs surnaturels. Scénariste et fan de comics, John Turman a exprimé son intérêt pour l'écriture du scénario. Mais ce n'est qu'à partir de 2004 que l'idée d'adapter le comics a commencé à se concrétiser, puis en juillet 2006, la presse cinématographique a annoncé que Frank Miller écrirait et réaliserait l'adaptation cinématographique de The Spirit. Miller et les producteurs l'ont annoncé publiquement au Comic-Con International 2006 à San Diego, en Californie. Miller a déclaré qu'il préparait un traitement de film qui comprenait de grandes parties des panneaux du comics The Spirit. Comme Miller a décrit le projet, "J'ai l'intention d'être extrêmement fidèle au cœur et à l'âme du matériau, mais ce ne sera pas nostalgique. Ce sera beaucoup plus effrayant que les gens ne le pensent." Miller a filmé ce film en utilisant la même technologie d'arrière-plan numérique que celle utilisée pour Sin City (2005) et 300(2006), ce qui permettait de donner un format proche de celui du comics trip original. Les scènes sous-marines ont toutes été tournées à sec, ce qui a grandement soulagé Eva Mendes, qui ne savait pas nager. Le film a également copié des plans spécifiques du comics, similaires à Sin City (2005). A l'inverse de la majorité des héros de comics, celui de The Spirit prend les traits d'un quasi-inconnu : Gabriel Macht. "Nous voulions que le Spirit soit simplement le Spirit aux yeux du public, pas un acteur connu dans le costume du Spirit", explique la productrice Deborah Del Prete qui ne connaissait rien au comic trip et qui se mit au travail sérieusement. Samuel L. Jackson était le premier choix de Miller pour le rôle du super-vilain en mai 2007. Eva Mendes voulait travailler avec le scénariste et réalisateur Frank Miller avant même de voir le scénario de ce film. Elle fut ravie d'être choisie pour faire la voleuse Sand Saref. Ebony White, l'acolyte du Spirit dans les comics, a été omis, en grande partie parce qu'il était généralement décrit comme un stéréotype racial des années 1930. L'écrivain et réalisateur Frank Miller n'aimait pas l'idée que l'Esprit ait un acolyte, le personnage a donc été complètement supprimé plutôt que mis à jour. Scarlett Johansson obtient le rôle l'acolyte d'Octopus, Silken Floss, tandis que Paz Vega est l'assassin français Plaster Paris, et Jaime King en Lorelei Rox. Sarah Paulson, jouant le rôle du Dr Ellen Dolan qui répare avec amour The Spirit, auxquels s'ajoutent comme chef de police endurci Dan Lauria et la recrue policière Stana Katic.

 

Et c'est ainsi qu'une autre adaptation a vu le jour en 2008. Au début, Miller était hésitant. Comme il l'a dit à Film Journal International, "Non. La seule pensée dans mon esprit était : " C'est trop gros, je ne peux pas le faire." Et j'ai refusé. Puis il a changé d'avis, car il ne faisait confiance à aucun autre cinéaste pour lui rendre justice au travail sur place." Dans une interview avec SuperheroHype, Miller a déclaré qu'Eisner était le "protecteur" du comic strip et voulait s'assurer qu'il était "bien fait" avant de donner sa bénédiction. Eisner était un mentor pour Miller, donc même si le film s'est avéré désastreux, au moins il a été réalisé par quelqu'un qui s'en souciait. The Spirit est une franchise imprégnée de sensibilités de films noirs. Du protagoniste intransigeant aux femmes fatales rusées et plus encore, il est assez évident que l'histoire est le produit d'une époque révolue où ce style de narration était populaire. Mais le personnage est aussi un croisé solitaire, rappelant les héros de la loi du Far West qui protégeaient leurs villes des hors-la-loi et des bandits. Comme il est indiqué dans le livre Focus On : 100 Most Popular American Satirical Films,  Miller voulait que la bande originale du film ressemble à un mariage de ces styles : "[Le film a] des éléments du son jazz des années 40 mariés à une musique héroïque emblématique et même touche du western spaghetti." À certains égards, la vision de Miller a modernisé la propriété. Cependant, le film porte toujours ses influences de films et occidentaux sur ses manches. La musique est également assez bonne, même si le film est assez imparfait dans l'ensemble. Avec près de 70 ans de matériel source à partir duquel Miller ne manquait pas d'histoires sur lesquelles baser son film, mais trois en particulier ont inspiré la base de sa propre itération. Dans une interview accordée à Indie London, le réalisateur a évoqué ses inspirations. «L'une était Sand Saref, la seconde était Bring In Sand Saref, qui est essentiellement un jeu en deux parties. Et l'autre était une autre histoire appelée Showdown, qui n'était rien d'autre qu'un combat sanglant entre The Spirit et The Octopus où il a été démontré que les deux pouvaient résister à une punition inhumaine, ce qui a ensuite conduit à trouver comment justifier cela.» Stylistiquement, ses influences Eisner étaient partout. Comme il l'a dit à EW : «Il y a tellement de choses dans ses livres. Surtout au milieu des années 40, que je pensais être sa période de pointe, avant qu'il ne commence à se désintéresser.»

Eisner était de la vieille école. Son travail reflétait les valeurs saines des années 40 et il voulait que son super-héros détective représente le vrai bien. Cela signifiait qu'il ne voulait pas que The Spirit tire sur des gens dans un film, peu importe le nombre de balles tirées dans sa direction. "[Eisner] a dit qu'il ne voulait pas que The Spirit tienne une arme à feu", a déclaré le réalisateur à MTV. "C'était son objectif, et je savais, en le connaissant et en connaissant son travail, que les femmes feraient mieux d'être belles, et que le héros devait être droit et suivre un code de moralité des années 40, une conduite de gentleman." Le film n'est en aucun cas exempt d'armes à feu, mais si Miller a accompli une chose, il a représenté le héros titulaire d'une manière qui correspondait à la vision originale du créateur. Dans The Spirit, les femmes ne jouent pas un rôle majeur dans l'action. Le personnage de Scarlett Johansson est relégué à celui d'acolyte de Samuel L. Jackson jouant The Octopus, tandis que les autres jouent les amoureuses. Il y a des moments sympas pour la talentueuse distribution féminine, mais ce sont surtout les hommes qui sont mis en avant. L'une des principales critiques du film est la façon dont il présente les femmes comme des femmes fatales superbes. Miller, d'autre part, considérait l'aspect beauté comme féministe : "Ce serait un gaspillage de matériel de mettre toutes ces belles femmes dans des sacs noirs !", a-t-il déclaré à Indie London. «Les années 60 tombent enfin à l'eau, que nous pourrions entrer dans une ère post-féministe où nous pourrions réaliser qu'une partie du pouvoir d'une femme est sa beauté et l'apprécier pour ce qu'elle est.» The Spirit ne manque pourtant pas de qualités impressionnantes. Le film que le public avait vu s'inspirait parfaitement du comic trip. Dans ces rues dangereuses, un homme doit venir. Un héros né, assassiné et né de nouveau. Quand une recrue de police nommée Denny Colt revient de l'au-delà sous le nom de The Spirit, un héros dont la mission est de lutter contre les forces du mal dans les ombres de Central City. Octopus qui tue quiconque a la malchance de voir son visage qui a d'autres plans. Il va anéantir toute la ville. Le reproche qu'on fit au film fut de montrer le visage de ce personnage, car dans le comic strip on ne voyait que ses gants violets. The Spirit traque ce tueur au cœur froid des entrepôts délabrés de la ville, aux catacombes humides, au front de mer balayé par le vent, tout en faisant face à une multitude de belles femmes qui veulent soit séduire, aimer ou tuer le croisé masqué comme Sand Saref, une amie d'enfance du Spirit, Silken Floss, la secrétaire et complice d'Octopus, Lorelei Rox, ayant la capacité d'hypnotiser ses victimes, Plaster of Paris, une superbe danseuse du ventre française, assassin au service d'Octopus, et le Dr Ellen Dolan (Sarah Paulson), fille du commissaire de police Dolan. Franck Miller s'est particulièrement inspiré du comic strip, car ces dernières sont soit des adversaires récurrentes ou des alliées du Spirit, et Ellen Dolan est son intérêt amoureux récurrent.

 

Lorsque Miller est entré dans ce projet, il a voulu lui rendre justice. Plus que tout, il cherchait à honorer l'héritage d'un personnage spécial, ainsi qu'à célébrer la mémoire de son mentor et ami. Il a probablement fait de son mieux, mais cela n'a pas fonctionné. Les performances financières du film ont été si décevantes que le grand patron d'Odd Lot Entertainment a démissionné de son poste. Le film a rapporté en tout 81 400 000 $ dans le monde. Il a rapporté 40 575 000 $ en Amérique du Nord et 40 825 000 $ à l'étranger. Il a réalisé 19 millions de dollars supplémentaires de ventes de DVD. Pour Miller, les suites susmentionnées de The Spirit ne se sont jamais matérialisées, pas plus que son projet de film Buck Rogers. Depuis lors, Sin City: J'ai tue pour elle va et vient, mais il travaille toujours en tant que scénariste avec son prochain projet, Batman : Year One. Lorsque The Hollywood Reporter lui a demandé ce qu'il changerait dans le film, il a simplement déclaré qu'il l'améliorerait s'il pouvait changer quoi que ce soit. «Je le ferais mieux. Je ne sais pas comment le film a fonctionné et quelle a été la réaction – il y a tellement de facteurs impliqués dans cela – mais je ferais un meilleur travail, et c'est tout ce que je peux promettre.»

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://screenrant.com/spirit-behind-scenes-secrets-movie/, https://tvtropes.org/pmwiki/pmwiki.php/Film/TheSpirit, https://www.allocine.fr/film/fichefilm-114805/secrets-tournage/, https://www.denofgeek.com/tv/the-spirit-tv-series-that-almost-happened/, https://www.imdb.com/title/tt0094017/, https://www.imdb.com/title/tt0094017/trivia/?ref_=tt_trv_trv, https://www.imdb.com/title/tt0831887/, et https://www.imdb.com/title/tt0831887/trivia/?ref_=tt_trv_trv.

 

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C'est l'époque où sont commercialisés des objets du quotidien comme de la vaisselle, des vêtements ou des préservatifs contenant du radium, les sous-vêtements radioactifs de la marque Iradia sont mis en valeur pour aller skier, les montres peintes par Monnier-Radium sont dites «impossibles à éteindre», le radium est également utilisé dans la production de vin, de soda, de chocolat, et parfois même dissout dans de l'eau potable pour redonner la santé, car «prendre de la radioactivité, c'est absorber de la vie», disait la publicité de Radiovie, un vendeur de pilules prescrites pour les anémiques et déprimés, les crèmes pour le visage au radium vantaient ses vertus, où le Charleston battait son plein, où le droit de vote pour les femmes apparaissait...

 

De 1917 à 1926, dans le New Jersey. De jeunes femmes comme Amelia (Mollie) Maggia, Grace Fryer, Katherine Schaub, Albina Maggia Larice, Quinta (May) Maggia, et Edna Bolz Hussmann travaillent pour l'United State Radium Corporation, une usine qui fournit l'armée en montres. Toute la journée, elles peignent des cadrans de montre avec de la peinture radioactive, humectant leur pinceau en le plaçant dans leur bouche. Mais bien que la charge de travail soit soutenue, l'ambiance à l'usine est assez bonne. Elles se surnomment les «Ghost Girls» : par jeu, elles se peignent les ongles, les dents ou le visage afin d'éblouir (littéralement) les autres une fois la nuit tombée. Mais elles ignorent que, derrière ses propriétés étonnantes, le Radium, cette substance qu'elles manipulent toute la journée et avec laquelle elles jouent, est en réalité mortelle. Seul l'inventeur de la peinture et chef de l'entreprise à Orange, le Dr von Sochocky, s'inquiète des effets toxiques de la peinture qu'elles avalent. Et un médecin de la société tente de les mettre en garde et il est viré.

 

Au fil des mois, certaines des employées développent de graves pathologies, leurs dents tombent, les articulations deviennent douloureuses, la peau se flétrit, et elles commencent à souffrir d'anémie, de fractures osseuses spontanées, d'ailleurs les jambes de plusieurs de ces filles se sont raccourcies, à cause de la friabilité de leurs os, et Grace Fryer voit sa colonne vertébrale gravement touchée l'obligeant à porter un corset en métal, voire des tumeurs de la langue, l'érosion des mâchoires, et Mollie meurt en 1922 et son décès est attribué à la syphilis, des voix s'élèvent alors pour comprendre malgré le cynisme des actionnaires qui après avoir commandés une enquête en 1924, où l'expert montre qu'il y a bel et bien un lien entre la peinture et la maladie ayant emporté les ouvrières, n'acceptent pas l'étude, et en commande d'autres pour qu'elles arrivent à des conclusions inverses. L'United State Radium Corporation ment aussi au ministère américain du travail, qui avait commencé à enquêter sur l'affaire, en lui cachant les résultats du premier rapport. Publiquement, il accuse ses anciennes employées de vouloir «refourguer» leur maladie à leur entreprise et refuse toutes les demandes de dédommagement de leurs nombreux frais médicaux.

 

Elles consultent le Dr Harrison Martland en 1925, qui leur annonce qu'il n'existe aucun remède, alors les «Radium Girls» vont se battre pour leur dignité. Parce qu'elles savent que même quand leur nom aura été oublié, leurs tombes seront encore radioactives. En quelques années, beaucoup d'entre-elles meurent et les autres sont trop malades pour entamer une procédure judiciaire, et auront du mal à faire reconnaitre par l'État leur empoisonnement quasi volontaire puisque employeur et scientifiques de la marque savaient, à cause d'une loi de prescription très restrictive empêchant la plupart de porter plainte. Mais en 1927, un avocat accepte de défendre Grace Fryer et quatre de ses collègues.  Grace Fryer été repoussée tant de fois même pour trouver un avocat, et c'est elle qui a continué à se battre, à prendre des rendez-vous, à insister sur ce point, et a en quelque sorte emmené tout le monde avec elle.

 

En guise de défense, la compagnie insinue alors que les ouvrières ont, en fait, la syphilis et tente de prouver l'innocuité du radium. Des gens qui étaient manifestement en conflit d'intérêt sont venus témoigner, comme quoi il n'y avait pas de danger. Mais en creusant un peu on s'apercevait que c'étaient des vrais scientifiques, qu'ils avaient un vrai laboratoire mais que le laboratoire était largement payé par la Radium Company. Les scandales se succédant, l'opinion publique et la presse se rangent du côté des ouvrières. Lorsqu'elles sortent d'une audience du procès où elles réclament réparation, leur avocat leur dit "J'ai une mauvaise nouvelle, ils jouent la montre". Le jeu de mot tristement ironique les fait éclater de rire, des rires de femmes édentées... Les cinq Radiums Girls obtiennent des compensations financières au cours d'un procès achevé par un règlement à l'amiable en 1928... mais uniquement à l'amiable. Toutes les plaignantes meurent peu après, Grace Freyer avait, elle, 34 ans en 1933. Catherine Wolfe, peintre de cadran atteinte d'une tumeur à la hanche, poursuivra sa lutte dans l'Illinois jusque dans son lit de mort. C'est sur celui-ci qu'elle sera entendue en 1938. Ce procès retentissant ouvrira la porte à de nouvelles législations et à la création de l'agence fédérale de protection des travailleurs américains.

 

Grâce au retentissement médiatique, ce procès a fait avancer la cause des droits des travailleurs en poussant d'autres salariés à attaquer leur employeur en justice. La mort des «Radium Girls» provoquera ainsi une évolution législative de la protection des travailleurs. Leurs vies écourtées étincellent dans notre Histoire. Et elles brillent aussi au sens strict : avec une demi-vie de 1600 ans, le radium est toujours ancré dans leurs os. Dans leur tombe, les «filles fantômes» rayonneront encore longtemps. Mais leur histoire ne fut pas oubliée pour autant puisque Kate Moore, qui a récupéré les journaux intimes de ces femmes et a mené un travail d'enquête dingue, a écrit un livre sur elles en 2016, un film est sorti d'ailleurs sous le même titre sur chaines TV et diffusé aux USA en 2018, et Cy a publié une très belle bande dessinée sur cette terrible histoire en 2020, où comme vous pouvez le voir les images décorent superbement cet article.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Cy, Radium Girls, Glénat, 2020 (une excellent BD dont je vous conseille la lecture), https://www.avoir-alire.com/radium-girls, https://www.bdgest.com/chronique-9955-BD-Radium-Girls-Radium-girls.html, https://www.letelegramme.fr/livres/radium-girls-ces-heroines-que-le-temps-a-tuees-05-11-2020-12652044.php, https://www.ligneclaire.info/cy-98985.html, et https://www.telerama.fr/livre/bd-cy-ravive-le-souvenir-des-radium-girls-sacrifiees-du-capitalisme-6690276.php, https://information.tv5monde.com/terriennes/radium-girls-sacrifiees-sur-l-autel-du-progres-372499, https://www.buzzfeed.com/fr/authorkatemoore/lhistoire-oubliee-des-radium-girls-dont-la-mort-a-sauve-la, https://www.franceculture.fr/histoire/radiums-girls-les-ouvrieres-sacrifiees, https://www.letemps.ch/suisse/radiumineuses-petites-mains-oubliees-radioactives-lhorlogerie-suisse, et https://www.swissinfo.ch/fre/ces-femmes-qui-faisaient-luire-montres-et-r%C3%A9veils/46691438.

 

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Nous allons voir aujourd'hui The Losers est un film de 2010 adaptée d'un comics du même nom de Andy Diggle et Jock de Vertigo, qui correspondait à peu près à la majeure partie du premier volume et à certaines parties du quatrième, où les membres d'une équipe d'opérations secrètes de la CIA qui ont planifié leur vengeance contre un ennemi puissant.

 

Le comics au départ présentait une unité de combat d'élite pendant la Seconde Guerre mondiale, du nom de leur terrible chance et de leur habitude de survivre à des situations dangereuses. Ils ont combattu les nazis derrière les lignes ennemies sur le théâtre d'opérations européen en Europe, en Afrique, et dans le Pacifique, travaillant avec d'autres personnages comme le Haunted Tank ou le Sergent Rock. Les membres de l'équipe comprenaient le capitaine Storm, l'artilleur MacKay, Johnny Cloud, Sarge Clay, leur chien Pooch et brièvement Ona Tornsen, faisant partie de la résistance norvégienne dans le #135. Les Losers ont été créés par Robert Kanigher, un pilier de DC Comics, plus connu pour avoir créé Flash et chapeauté Wonder Woman pendant de nombreuses années, apparaissant pour la première fois dans GI Combat #138 (1969). Mais en 1974, DC Comics demande à Jack Kirby de reprendre en main la série, qui s'appelle désormais Our Fighting Forces. Au grand dam de Kanigher. Kirby, créateur de Captain America, des Quatre Fantastiques, de Thor, de Hulk, des X-Men ou du Quatrième monde, racontera, pendant onze numéros, la guerre de ces «types ordinaires, des gars du peuple, un petit groupe de monsieur tout le monde, pris dans le tourbillon des événements, utilisant au mieux leur savoir-faire pour survivre. Mais ces héros, qui n'ont donc rien de super, portent finalement bien mal leur surnom. Car s'il est indéniable qu'ils sont poissards, ce ne sont en rien des perdants. Tour à tour, ils vont protéger une grande concertiste recherchée par les nazis, ouvrir la voie au général Patton ou encore affronter Big Max, un missile très longue portée... Pas si mal pour des losers non ? Avec en prime quelques petites touches un peu surréalistes comme lors de l'épisode avec les partisans fantômes... Les dessins sont évidemment signés par Kirby et ne souffrent d'aucune critique. On aime le style de Kirby, ou pas. Seul l'encrage n'est pas toujours à la hauteur, effaçant par moment un peu trop les détails des crayonnés originaux. Après onze numéros, Robert Kanigher reprend la série au #163 jusqu'à la fin, en 1978. Quant aux Losers, ils trouveront une fin tragique lors de l'événement Crisis on Infinite Earths, en 1985...

 

Vertigo Comics a publié ensuite une série indépendante nommée The Losers, elle est basée librement sur l'équipe de l'âge d'or, avec une nouvelle distribution et une nouvelle histoire. Il s'agit d'une équipe des forces spéciales trahie par la CIA dans laquelle se trouve Clay, un leader stoïque qui fait toujours son travail, Jensen, le hacker, l'artilleur, et intelligent de l'équipe, Roque, l'homme aux multiples visages qui va trahir l'équipe à cause de son hostilité à Clay en préférant gagner de l'argent, Cougar, le tireur d'élite du groupe et son comédien muet, Pooch, le tireur et le pilote du groupe, et Aisha, une agente voyou avec son propre agenda qui est prêt à aider l'unité de Clay à tuer Max, doublée d'une assassine sans émotion et terriblement efficace qui pourrait tuer les Losers si elle le voulait, et présumée morte qui cherche à se venger de leur supérieur Max qui les a trahis, qui est présumé mort et déterminé à créer une Amérique meilleure mais plus dangereuse de sa propre conception, ce qui le pousse à fonder la superpuissance nucléaire New Jérusalem, qui n'est que le début de sa quête pour transformer le reste du monde en États américains.  Mais ce dernier est en réalité une paire de jumeaux identiques, qui sont les fils du premier Max qui a été assassiné par le gouvernement américain. Cette série a été écrite par Andy Diggle et illustrée par Jock pour 32 numéros entre août 2003 et mars 2006, prenant le nom original en hommage. Cette série a permise à nos deux compères de se faire remarquer dans ce tour du monde plein d'action et de rebondissements ménageant ses effets de surprise tout en se permettant des critiques des opérations de la CIA dans des pays étrangers, avec de magnifiques dessins de Jock, plus particulièrement dans les couvertures du comics.

 

Avant que le DCEU ne soit formé pour rivaliser avec l'univers cinématographique Marvel, l'approche de Warner Bros était beaucoup plus souple. Avec l'essor des adaptations de bandes dessinées en plein essor, le studio jetait de l'argent sur plusieurs titres de comics éclectiques comme Watchmen et Jonah Hex, essayant de rester compétitif et apparemment plus adulte que leurs rivaux. Ainsi, avant de partir pour créer son propre projet de super-héros, Hancock, le scénariste-réalisateur Peter Berg a commencé à écrire une adaptation de The Losers de DC/Vertigo qui sera produite par Joel Silver, faisant appel au réalisateur français Sylvain White pour diriger le film. À l'origine, Tim Story devait le réaliser, citant des influences du drame de guerre Black Hawk Down (2001) et de la mini-série télévisée Band of Brothers (2001) : «Je cherchais un film qui aurait un avantage, mais je voulais garder le langage joueur, où les personnages s'amusent un peu les uns avec les autres.» Il a ensuite été remplacé par le Français Sylvain White. Le réalisateur Sylvain White s'est immédiatement connecté au matériel original et a été attiré par la nature réaliste du comics, pour faire le film : «Ce qui m'a attiré dans The Losers, c'est que ce n'était pas le truc typique des super-héros avec des superpouvoirs. C'était basé sur de vrais personnages, réalistes et basés sur la réalité, comme beaucoup de romans graphiques européens avec lesquels j'avais grandi en les lisant.» Andy Diggle et Jock, les créateurs du comics "The Losers", ont été amenés par Sylvain White pour travailler sur le film afin d'affiner le scénario et d'apporter leur expertise en matière de conception pour donner au film une palette visuelle distincte qui change avec de nouveaux emplacements. Le script est vaguement inspiré des histoires «The Losers» «Ante Up» (les Losers sont presque anéantis) et «Double Down» (les Losers traquent Max). Le chef décorateur Aaron Osborne et le directeur de la photographie Scott Kevan ont tenté d'améliorer la palette de couleurs des comics, où seules deux ou trois couleurs étaient utilisées pour transmettre le ton de chaque décor, les nuances au fil du temps ("Chaque chapitre de la bande dessinée est un nouvel environnement caractérisé par différentes palettes de couleurs, donc chaque fois que nous sommes dans une nouvelle ville ou un nouveau pays, l'esthétique du film change complètement, il n'y a donc pas d'aspect homogène. C'est très éclectique."). Pour le casting, Jeremy Renner a été considéré pour le rôle principal, mais a abandonné en raison de conflits d'horaire. Mais, ce départ fut largement compensé par la présence du collaborateur fréquent de Silver, Idris Elba, a été choisi pour incarner le capitaine William Roque, le casting étant complété par Jeffrey Dean Morgan, venant à son tour en tant que comédien dans l'adaptation en studio de Watchmen, Zoe Saldana, fraîchement sortie du film le plus rentable de tous les temps, Avatar, Chris Evans, encore principalement connu pour avoir interprété la Torche humaine dans les premiers films de Fox Les 4 Fantastiques, Óscar Jaenada et l'acteur montant Columbus Short. Enfin, c'est le premier film de Dark Castle sans cote R, du fait que le film ne montrait presque rien de le violence du comics pour être PG-13.

 

Sorti en 2010, le film a reçu des critiques mitigées, ce qui est plutôt injuste car il présente des tonnes de scènes d'action sympas et un humour opportun, dans un certain sens du rythme toujours en mouvement. Il donnait à voir Clay, Jensen, Pooch et Roque faisant partie de l'Unité des forces spéciales des États-Unis. Ils sont déployés dans une mission en Bolivie impliquant un baron de la drogue, ils finissent par désobéir aux ordres et secourir des enfants. Leur patron enragé, nommé Max, ordonne de les tuer, mais ils survivent et finissent par faire des petits boulots. Ensuite, Aisha entre dans leur vie, les ramène clandestinement aux États-Unis à condition qu'ils tuent Max. Le groupe se rendra vite compte qu'elle les a intronisés dans une mission suicide - une mission qui les conduira à Dubaï, aux Émirats Arabes Unis, et à Mumbai, Inde, et entrer en possession d'un mystérieux disque dur crypté tout en faisant face non seulement à la trahison de l'un des leurs, mais aussi à une mort certaine et violente aux mains de Max. Pourtant l'un des points forts, cependant, a été la distribution de l'ensemble qu'il a assemblé. En plus de Jeffrey Dean Morgan, The Losers présentait Idris Elba dans le rôle de Roque, Columbus Short dans celui de Pooch, Óscar Jaenada dans celui de Cougar et Chris Evans dans celui de Jensen. Il présentait également Zoe Saldana dans le rôle d'Aisha. Alors que le public actuel allait se familiariser intimement avec la plupart de ces acteurs, leurs noms n'ont pas généré suffisamment de buzz en 2010 pour attirer les gens dans les salles de cinéma. The Losers n'a fait qu'environ 30 millions de dollars sur un budget de 25 millions de dollars, à cause une sortie internationale limitée, car il n'est jamais arrivé en Chine, au Japon et sur d'autres grands marchés internationaux. Même avec des trahisons et une finale pleine d'action, The Losers a clairement laissé la porte ouverte à une suite. Étant donné que The Losers a à  peine fait plus que son budget, il ne devrait pas être surprenant que la Warner Bros ne soit pas impatiente de réunir le groupe et d'en faire un autre.

 

Bien sûr, une réponse tiède au box-office ne signifie pas qu'un film est destiné à l'obscurité. Tout récemment sorti sur Netflix et prêt à capitaliser sur sa distribution désormais incontournable, The Losers est actuellement l'un des films les plus populaires sur le service de streaming. Outre l'intérêt encore plus grand pour les propriétés de comics, le casting de The Losers a connu un tel succès qu'il a ravivé l'intérêt pour l'une des adaptations presque oubliées de DC. Son casting depuis la sortie du film en 2010 explique la soudaine remontée de l'amour pour ce film.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://collider.com/movies-like-the-suicide-squad-2021-to-watch/, https://dc.fandom.com/wiki/Losers, https://dc.fandom.com/wiki/The_Losers_(Movie), https://dcmovies.fandom.com/wiki/The_Losers_(film)https://tvtropes.org/pmwiki/pmwiki.php/ComicBook/TheLosers, https://screenrant.com/losers-2-movie-sequel-never-made-reason/, https://screenrant.com/the-losers-differences-comic-better-worse/, https://www.allmovie.com/movie/the-losers-v336010/review, https://www.denofgeek.com/movies/the-losers-chris-evans-idris-elba-zoe-saldana-superhero-movie/, https://www.imdb.com/title/tt0480255/plotsummary?ref_=tt_stry_pl, https://www.imdb.com/title/tt0480255/trivia/?ref_=tt_trv_trv, et https://www.leprogres.fr/sortir/2017/07/23/les-losers.

 

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Le cinéma muet avait déjà créé des films colossaux basés sur des civilisations anciennes et le péplum a refait surface en Italie dès la chute du fascisme avec L'Apocalypse de Gian Maria Scotese (1946), une parabole sur l'Apocalypse se basant sur le rétablissement du culte des dieux par Julien l'Apostolat et les affrontements entre légions romaines et perses qui marquèrent la fin de l'empire que l'on sait, et la superproduction italo-française signée Alessandro Blasetti Fabiola (1947), avec Michèle Morgan, Henri Vidal et Michel Simon, tournée à Cinecittà et érigée en symbole de la renaissance d'un studio nouvellement ré-ouvert, et malgré une intrigue martyriologique assez classique s'inspirant de celle de Saint Sébastien, le film reste teinté d'une certaine esthétique épurée, mais c'est dans les années 1950 que les péplums atteignent leur apogée à Hollywood, alors Michel L'Herbier signe en 1950 Les Dernier Jours de Pompéi avec Micheline Presle et George Marchal contant l'histoire d'amour entre la patricienne Hélène et le beau grec Lysias sous l'éruption du Vésuve, le Mater dei en 1950 d'Emilio Cordero avec Bianca Doria relatant la vie de la Vierge Marie, ou encore le O.K. Néron ! de  Mario Soldati en 1951 une comédie fantastique basée sur l'expédient du voyage dans le temps où Sylvana Pampanini fait une très belle Popée, mais c'est Riccardo Freda qui aligne deux chefs-d'œuvre consécutifs, Spartacus (1953), parabole antique et virile sur la lutte de classes qui se verra censuré, où Spartacus interprété par Mario Girotti  meurt au combat, et Théodora (1954) avec Gianna Maria Canale, dans le rôle d'une femme de pouvoir, Théodora, déchirée entre ses responsabilités politiques, ses devoirs conjugaux envers son mari Justinien (joué par Georges Marchal), Aida (1953) de Clemente Fracassi avec Sophia Loren, qui est l'adaptation cinématographique de l'opéra de Giuseppe Verdi, Néron et Messaline (1953) de Primo Zeglio avec Gino Cervi, et le très joli casting féminin constitué de Barbara Paola, Jole Fierro et Yvonne Sanson montrant le règne de Néron et ses crimes, et P. Francisci porte à l'écran une Reine de Saba (1952), avec Leonara Ruffo et Gino Cervi dans les rôle de Balkis, la reine de Saba, et de Salomon, montrant leur histoire d'amour,  et un Attila, le fléau de Dieu (1954), où Sofia Loren interprète la sœur de Valentinien III, Honoria s'offrant à Attila interprété par Anthony Quinn, et où Henry Vidal fait son adversaire Aetius se rendant compte du danger du Fléau de Dieu, lançant le second âge d'or du genre en Italie, qui va surtout prendre son essor grâce au cinéaste autrichien G.W. Pabst qui conçoit Ulysse comme un rescapé pacifiste du récent conflit  mondial, mais, repris et remodelé par Kirk Douglas en 1953, son projet concrétisé à l'écran 1953 avec Silvana Mangano dans le rôle de Circé/Pénélope, Anthony Quinn dans celui d'Antinoos, et Rossana Podesta dans celui de Nausicaa, sous la direction de Mario Camerini glorifie l'individualisme à l'américaine, magnifie l'aventurier libre, insolent, laïc et humaniste, auquel s'ajoute le film de Carlo Ludovico Bragagilia qui réalise Sémiramis esclave et reine en 1955 avec  la sublime Rhonda Feming, où à Babylone, au VIIIe siècle avant l'ère chrétienne, une jeune et jolie bergère séduit le tyran qui règne en maître sur la ville et devient sa femme.  De plus, les américains viennent profiter des studios de Cinecittà et de la qualité des techniciens italiens comme Mario Bava pour venir tourner en Italie de grandes fresques antiques telles que Quo Vadis (Mervyn LeRoy, 1951) qui sauve la MGM de la faillite, Ben Hur (William Wyler, 1959) ou Cléopâtre (Joseph Mankiewicz, 1963). La mode est désormais aux péplums et le cinéma italien va en profiter.

 

Puis, les péplums prennent racine dans les studios Cinecittà, à Rome, où l'on produit du cinéma bon marché avec des bodybuilders comme héros débutant avec Les travaux d'Hercule avec Sylva Koscina dans le rôle d'Iole et Gianna Maria Canale dans celui de Déjanire, où Hercule accompagne Jason dans son voyage pour s'emparer de la Toison d'or, et Hercule et la reine de Lydie en 1958 et 1959 avec Sylva Koscina dans le rôle d'Iole et Sylvia Lopez dans celui d'Omphale, la reine de Lydie, où il doit régler le conflit à Thèbes amenant avec lui son épouse Iole, tout en étant confronté à la reine de Lydie Omphale, tous les deux avec Steve Reeves dans le rôle titre, qui est suivi des péplums bibliques que sont L'épée et la croix (1958), où Yvonne de Carlo est Marie-Madeleine, une courtisane, sœur de Lazare interprété par Mario Girotti et Marthe interprétée par Rosanna Podesta qui tombe amoureuse du centurion romain Gaius Marcellus interprété par George Mistral, qui finit par suivre Jésus, se retrouvant prise dans le jeu politique entre son ancien amant Anan et son allié Barabbas, et Judith et Holopherne de Fernando Cherchio (1959), avec Isabelle Corey jouant Judith qui sauve ses frère du tyran Holopherne. Se déroulant dans la Rome antique, la Grèce, ou encore l'Égypte ancienne, les héros tels que Hercule, Maciste, Ulysse, Samson, Goliath, Maciste, Ursus, Taur, ou le fils de une figure légendaire incarnés par des bodybuilders comme Steve Reeves, Reg Park, Reg Lewis, Gordon Scott, Gordon Mitchell, Mark Forest, Ed Fury, Alan Steel ou encore Dan Vadis vont affronter les pires traîtres de la civilisation au nom de la justice. Au bout de leurs combats, les belles Chelo Alonso, Gianna Maria Canale, Rossana Podesta, Sylva Koscina, Joan Collins, Leonora Ruffo, Belinda Lee ou encore Rosalba Neri ont rempli des rôles de reines à demoiselles en détresse. Ainsi, de 1945 à 1965, plus de 180 péplums sont réalisés en Italie surtout grâce aux décors faits pour les péplums américains qui seront souvent réutilisés. C'est surtout la veine mythologique qui va entraîner l'essor du péplum italien. Avec sagesse, Reeves refusa de se laisser cantonner dans le rôle d'Hercule, préférant faire le personnage de Philippidès dans La Bataille de Marathon en 1959 de Jacques Tourneur, Mario Bava et Bruno Vailati, où sa partenaire est Mylène Demongeot, et mène le combat face à l'invasion de l'armée Perse, d'Emiliano dans la Terreur des barbares de Carlo Campogalliani sorti en 1959, qui prend la tête de la guérilla contre les Lombards et fait succomber à son charme la belle Chelo Alonso, puis dans le film de André de Toth et Primo Zeglio en 1960, Capitaine Morgan, où il retrouve à nouveau Chelo Alonso, et fait un pirate gallois qui fait des raids dans les Caraïbes, combattant les pirates espagnols, anglais et autres, puis s'aventure dans le Moyen-Orient dans Le Voleur de Bagdad en 1961 de Arthur Lubin et Bruno Vailati avec les magnifiques Giorgia Moll et Edy Wessel, où il fait Karim un voleur au grand cœur, sorte de Robin-des-bois oriental, qui vole aux riches et aux méchants pour donner aux pauvres de Bagdad, au moment où  Mario Bava réalise Les Mille et Une Nuits avec Henry Levin en 1961, se dotant d'un prestigieux casting avec Donald O'Connor, Raymond Bussières, et Michèle Mercier  pour montrer les principaux épisodes du célèbre recueil de contes arabes, et cela mena Francisci à laisser la place à un des plus talentueux cinéastes – avec R. Freda – du cinéma italien de l'époque afin de relancer les aventures d'Hercule : Vittorio Cottafavi. Dans La Vengeance d'Hercule, en 1960, il construit son film comme une tragédie antique (c'est d'abord un metteur en scène de théâtre) et montre la grandeur du héros en proie à la haine des dieux avec Mark Forest dans le rôle titre, Broderick Crawford dans le rôle d'Eurysthée, Sandro Moretti dans le rôle de son fils Illos, et les très belles Leonora Ruffo dans le rôle de sa femme Déjanire, Federica Ranchi dans le rôle de Théa, et Wandisa Guisa dans le rôle d'Alsinoé, où Zeus ordonne à Hercule de se rendre aux enfers, et après avoircapturé le chien Cerbère, gardien des enfers, le colosse comprend qu'il est victime d'une machination attirant, sur sa famille et lui, la fureur des dieux, mais dix ans plus tard, Illos, fils d'Hercule, tombe éperdument amoureux de la belle Théa, fille d'Eurysthée, roi de Mycènes, comme ce dernier, est un ennemi mortel d'Hercule, il voit en cette liaison amoureuse l'occasion inespérée d'assouvir sa haine, et de son côté, Hercule, se souvenant de la malédiction divine, s'oppose à cette idylle. Dans Les Amours d'Hercule (C. L. Bragaglia, 1960), Mickey Hargitay (Hercule) servait de faire-valoir à sa sculpturale épouse dans le civil et au cinéma, Jane Mansfield (Déjanire). L'année suivante Sergio Leone réalise un sommet du genre avec le Colosse de Rhodes en 1961 avec Rory Calhoun, George Marchal, et les splendides Léa Massari et Mabel Karr, où il joue notamment du contraste entre des scènes de plein air très ensoleillées et l'étouffante atmosphère des intérieurs dans un film où l'Athénien Darios en visite à Rhodes à l'occasion des fêtes qui y sont données est amené par amour pour Myrte, à participer à la rébellion contre le despote Serses, roi de Rhodes, qui avec, Serse et son ministre Thar se sont réfugiés à l'intérieur du Colosse d'airain qui dispose d'une machinerie redoutable, et avec comme interprète le culturiste Reg Park, Mario Caiano bouleverse les codes du péplum, dans Hercule à la conquête de l'Atlantide (1961) avec Ettore Manni, et les très belles Fay Spain et Laura Efrikian, s'éloignant de la vision académique du héros et permettant de s'évader vers la SF, et où pour enrayer un danger mortel qui menace la Grèce, Hercule et son ami Androclès partent en mer, et Apres une tempête, ils accostent sur l'ile Atlantide où la fille de la rien Antinéa est menacée de mort, et pour la sauver, Hercule doit détruire l'empire des Atlantes. Puis Mario Bava, le maître du fantastique, envoya Hercule dans le monde souterrain en 1961 dans Hercule contre les vampires, étonnant mélange de mythologie et d'horreur, mettant face à face Reg Park et Christopher Lee, et où Lenora Ruffo incarne à nouveau Déjanire, dans un récit où pour libérer sa bien aimée d'un mal étrange, Hercule doit descendre aux enfers, là d'où aucun être vivant n'est jamais revenu, pour y prendre la pierre de vie,  accompagné de Thésée et Télémaque incarnés par George Ardisson et Franco Gaciobini, il entame le voyage qui va d'abord le mener au jardin des Hespérides, pour ensuite trouver aller en enfer dans un périple semé d'embûches et de tentations et devra faire face à son retour au tyran Lycos responsable de ce qui arrive à Déjanire. Il retrouvera de retour de Troie, dans l'intéressant Ulysse contre Hercule (M. Caiano, 1961), où le subtil héros, incarné avec panache par Georges Marchal, vole la vedette au fils de Zeus incarné par Michael Lane, dans lequel se trouvait un très joli casting féminin avec Alessandra Panaro et Dominique Boschero. Et dans Hercule se déchaîne (G. Parolini, 1962) avec la très belle Isabelle Corey et Alan Steele, le héros, incarné par le sympathique Brad Harris, affrontait Serge Gainsbourg, puis, triomphant, rendait le pouvoir au peuple, où encore dans le Triomphe d'Hercule en 1964 d'Alberto Martino avec son très beau casting féminin comprenant Marilù Tolo et Moira Orfei, où Dan Vadis interprétant Hercule venant aider Eurysthée, fidèle du roi défunt de Mycènes Pandion, face à Milon et ses sept créatures surhumaines en bronze.

 

Peu à peu, Hercule va devoir affronter tous les héros de la mythologie cinématographique. On fait d'abord revenir pour cela Maciste, ressuscité en 1960 dans Le Géant de la Vallée des Rois de Carlo Campagnoni avec Mark Forest et la superbe Chelo Alonso dans l'Égypte antique, et Gordon Mitchell l'interprète dans Maciste contre le Cyclope en 1961, avec Chelo Alonso, où Maciste affronte la reine Capys descendante de Circé, et dans Le Géant à la cour de Kublaï Khan en 1961 avec les très belles Yoko Tani et Hélène Chanel, où Gordon Scott sauve les Chinois de ses oppresseurs Mongols, tandis que Kirk Morris l'interprète dans le très réussi Maciste en Enfer de Riccardo Freda en 1962 avec Hélène Chanel, où Maciste fait face au XVIIe siècle à la malédiction d'une sorcière, alors que dans Maciste contre les monstres en 1962 de Guido Malatesta avec la superbe Margaret Lee et Luciano Marin, où  Aïdar fait appel à Maciste interprété par Reg Lewis, pour les aider dans leur lutte contre leurs sauvages ennemis des adorateurs de la Lune, que dans Maciste contre les géants de Michele Lupo en 1962, avec Mark Forest dans le rôle titre qui doit aider au IVe siècle, la princesse le royaume de Minturno interprétée par Schilla Gabel dont le début du règne est menacé, et pour cela il doit affronter des géants puis des seigneurs voulant imposer une dictature, Kirk Morris sera mis dans un monde apocalyptique en 1963 dans Tarzan et les coupeurs de tête avec la très jolie Laura Brown (qui ne fera que 3 films dans sa carrière dont celui-ci), il affrontera en 1963 les Mongols dans Maciste contre les Mongols de Domenico Paolella avec Gordon Scott et la très belle José Greci, et les Russes dans Maciste et le trésor des Tsars de Tanio Bocchia en 1964 où Kirk Morris est transporté dans la Russie médiévale où il s'oppose à un méchant tsar tout cela avec un très joli casting féminin représenté par Ombretta Colli et Gloria Milland, et ce dernier l'interprète à nouveau dans Maciste et les Filles de la vallée encore de Tanio Boccia en 1964, où il aide les Égyptiens (parmi lesquels se trouve la magnifique actrice Rosalba Neri) contre une reine cruelle interprété par la splendide Hélène Chanel, tandis qu'interprété par Alan Steele, il affronte Zorro interprété par Pierre Brice dans Maciste contre Zorro d'Umberto Lenzi en 1963 avec Moira Orfei, et Maria Grazia Spina, et dans Maciste et les Hommes de pierre en 1964 avec un très beau casting féminin avec Jany Clair (dans le rôle de la méchante reine) et Anna-Maria Polani, il affronte des hommes de pierre habitants de la Lune qui acceptent d'aidé la reine Samar en échange de sacrifice d'enfants, tout en étant parodié dans Maciste dans la Vallée des Lions en 1961 de Carlo Ludovico Bragaglia avec Ed Fury et dans Toto contre Maciste en 1962 avec Simon Burke dans le rôle de Maciste. Puis apparaissent Samson dans Samson contre Hercule en 1961 avec Alan Steel dans le rôle titre et Sergio Ciani dans celui d'Hercule face Serge Gainsbourg jouant le perfide conseiller Warkalla dont l'influence sur la reine de Sullan interprétée par Irena Prosen inquiète ses sujets, et parvient à la faire remplacer par sa sœur Romilda interprétée pat la magnifique Mara Berni, et les deux titans s'associent bien vite et mettent leur force commune au service de la reine de Sullan, dépossédée par sa sœur, aidés par Janine et Gea interprétées par les très belles Brigitte Corey et Irena Prosen, dans Samson l'Invincible (1963) avec la très belle Margaret Lee, où un pirate terrorise les îles des Caraïbes en asservissant les femmes à l'état d'esclavage, et une de ces femmes demande l'aide de Samson pour les défendre, et Samson et le Corsaire Noir de Luigi Capuano (1963) avec Rosalba Neri, où Samson combat les pirates en tant que soldat dans l'armée royale, tout en voulant épouser la belle Rosita mais son père, un fier gouverneur, désapprouve, tous les deux sont avec Kirk Morris, Samson contre tous de Piero Pierotti (1964) avec Alan Steel et Wandisa Guida, où  le protagoniste se retrouve surtout mêlé à une intrigue de palais qui se déroule au temps de Gordien III, où il vient en aide au valeureux consul romain Marc Tibère interprété par Brad Harris, puis Goliath l'adversaire de David dans la Bible réinventé par Guido Malatesta en 1961 dans Goliath contre les Géants de Guido Malatesta avec Gloria Milland, où il est incarné par Brad Harris et combat les monstres marins, une horde de géants et une tribu de guerriers amazoniens, puis par Gordon Scott dans Goliath et l'hercule noir de Mario Caiano en 1963, où il fait face au culturiste guadeloupéen Serge Nubret, dans un film où Goliath part négocier avec le Roi de Lydie au moment où Alexandre le Grand veut attaquer les Perses, et Alan Steele dans Goliath et le cavalier masqué en 1964 avec la belle José Greci et Mimmo Palmara, retrouve un Goliath dans l'Espagne du XVIIe siècle, où il aide Juan à conquérir sa dulcinée, et Ursus, l'esclave chrétien à la force herculéenne l'on pouvait voir dans les films Quo Vadis en 1912 et 1951 que Carlo Campogalliani fait apparaître en 1961 dans La fureur d'Hercule avec Ed Fury où le héros part à la recherche de sa fiancée Attea interprété par la très belle Moira Orfei, accompagné de la jolie l'esclave Doréide interprétée par la tout aussi belle Maria Luisa Merlo, puis suivent Ursus dans la Terre de Feu en 1963 toujours avec Ed Fury, et les très belles Claudia Mori et Luciani Gilli, où Ursus sauve Diana, fille du roi Lotar, mais ce dernier, trompé par son perfide conseiller, fait capturer Ursus, et un tremblement de terre fera croire a sa mort a ses poursuivants, puis il reviendra pour se venger d'Amilcar, qui a entretemps fait assassiner Lotar pour prendre le pouvoir, et Ursus l'Invincible de Gianfranco Parolini en 1964 ave le magnifique casting féminin représenté par Rosalba Neri et Lisa Gastoni, où le prince Dario interprété par Vassili Karis tente de rendre la liberté au peuple d'Atrea avec l'aide d'Ursus, interprété par Alan Steel qui remplace Ed Fury, un homme invincible et défenseur des faibles et des opprimés, mais ce dernier dans La terreur des Kirghizes d'Antonio Margheriti et Ruggero Deodato en 1964, incarne un Ursus Kirghize qui s'éprend de la princesse Amiko interprétée par la très jolie Mireille Granelli, et peut devenir à l'occasion un gladiateur marcoman à Rome interprété par Dan Vadis, sous Commode, dans Ursus le Rebelle de Domenico Paolella en 1962 avec un très beau casting féminin parmi lequel se trouve Gloria Milland, et José Greci, et un paysan lycien interprété par Simon Burke qui arbitrera un conflit entre Lyciens et Cariens, dans La vengeance d'Ursus en 1962 de Luigi Capuano où se trouve le très belle Wandisa Guida jouant Sira la femme qu'il aime, enfin, Taur qui montre ses talents dans Taur, le roi de la force brutale en 1963 avec Joe Robinson et la sublime Bella Cortez, où Taur qui vole au secours de Syros son protégé, héritier du trône, Les Gladiatrices en 1964 de Antonio Leonviola à nouveau avec Joe Robinson accompagné de la magnifique Susy Andersen, où les guerrières amazones réduisent les hommes d'un pays à l'esclavage, et le puissant Taur est appelé pour les aider à regagner leur liberté, et dans Goliath à la conquête de Bagdad de Domenico Paolella en 1965 avec la très belle Helga Liné, Taur affronte les Kurdes. On peut aussi ajouter un héros supplémentaire avec le colosse de Rome qui n'est autre que le personnage historique Mucius Scaevola interprété par Gordon Scott bien supporté par son très beau et excellent second rôle féminin Gabriella Pallotta dans Le Colosse de Rome de Giorgio Ferroni en 1964, où il affronte Tarquin le Superbe décidé de mener ses troupes vers la victoire, après avoir été chassé de la ville de Rome.

 

On verra aussi Hercule interprété par Sergio Ciani défier, puis seconder, Samson interprété par Brad Harris faisant dans de rudes travaux (Samson contre Hercule, G. Parolini, 1962 avec Liana Orfei) dont nous avons déjà parlé plus haut, puis venir l'aider, en compagnie d'Ulysse interprété par Enzo Cerusico, contre des Philistins dont les casques noirs ont des relents germaniques dans Hercule, Samson, Ulysse (P. Francisci, 1964), il est Kirk Morris. Quant à Hercule, Samson, Maciste et Ursus, il réussit le tour de force de réunir, dans un improbable film de G. Capitani (1964) avec les magnifiques Hélène Chanel, Elisa Montés, Lia Zoppelli, et Moira Orfei, supervisé – mais de très loin – par V. Cottafavi, tous les gros bras du péplum (Alan Steel faisant Hercule, Howard Ross est  Maciste, Nadir Moretti est Samson, et Yann L'Arvor est Ursus), qui est avant tout parodique. D'autres films, permettent d'autres localisations géographiques, qui enverront Hercule chez les Incas (Hercule contre les fils du dieu soleil, O. Civirani, 1965), avec Guliano Gemma, et la très jolie Anna Maria Pace, ou Samson dans Samson et le trésor des Incas (1965) avec Alan Steele dans un film qui est plus un western avec Samson, ou Maciste chez les Mayas dans Maciste, le vengeur du dieu Maya (G. Malatesta, 1966) avec la superbe Barbara Loy. Plus authentique et plus enlevé est L'Hercule contre les tyrans de Babylone de D. Paolella, 1964 avec Peter Lupus dans le rôle titre et Helga Liné, où Hercule bravera tous les dangers et parviendra après mille périples à délivrer la reine Hespérie des rois tyrans de Babylone Ashur et Salmanassar. Et des fois Hercule s'avère être un surnom comme dans Hercule contre Moloch en 1963 de Giorgio Ferroni avec Gordon Scott, Alessandra Panaro, et Rosalba Neri, puisqu'ici Glauco, roi de Tyrinthe, prend le pseudonyme d'Hercule et va affronter le meurtrier des femmes de la cité, Moloch afin de mettre un terme à cet enfer. Mais le péplum mythologique tourne aussi son regard d'autres récits comme celui de Jason et les Argonautes avec Le Géant de Thessalie de Ricardo Fredda en 1960, où Roger Carey interprète le roi Jason qui part à la recherche de la Toison d'Or, pendant qu'Adraste interprété par Alberto Farnese qu'il a mis à gérer son trône désire s'en emparer et posséder sa femme Creuse interprétée par la splendide Ziva Rodann, ou s'inspirant de celui du récit où Hercule doit s'emparer de la ceinture de la reine des Amazones La Reine des Amazones de Vittorio Sala en 1961, où l'herculéen Glaucus et son ami Pirro interprétés par Ed Fury et Rod Taylor échappent à la mort en séduisant les deux Amazones se battant pour le trône Antiope et Melitta interprétées par les très jolies Dorian Gray et Daniela Rocca, et aident les Amazones contre des pillards, le péplum italien s'inspire aussi du récit de Thésée dans Thésée et le Minotaure de Silvio Amadio en 1960 avec Bob Matthias et la très belle Rosana Schaiffino, dans lequel pour régner sur le trône de la Crète que terrorise le Minotaure, Phèdre fait déposer son père, mais apprenant l'existence de sa sœur jumelle Ariane, Phèdre va charger son amant de la faire disparaitre, cependant Ariane sera sauvée par Thésée, le fils du roi d'Athènes, de celui Persée avec Persée l'invincible de Alberto de Martino en 1963 avec Richard Harrison et la superbe Anna Ranalli qui s'inspire très librement des aventures du héros Persée contre Méduse et le sauvetage d'Andromède, et transforme les Titans en héros comme dans Les Titans de Ducio Tessari en 1962, avec un casting prestigieux dans lequel se trouve Giulianno Gemma, Serge Nubret,  Antonella Lualdi, Pedro Armendariz, et Jacqueline Sassard, dans lequel Cadmos, le roi de Thèbes, fait éclater la colère de Zeus lorsqu'il se fait proclamer Dieu par son peuple, et depuis l'Olympe, Zeus par vengeance envoie Kryos, le chef des titans venu tout droit de l'enfer, ou sa suite qui n'en est pas une Le Retour des Titans en 1963 avec Mark Forrest qui joue Maciste, Goliath ou Marcellus, José Greci et Guliano Gemma, dans un film où le héros doit se soulever contre l'immolation de 24 jeunes filles, ou encore le dieu Mars dans La Vengeance du colosse de Marcello Baldi, sorti en 1962 et mettant en vedette Roger Browne et Jackie Laneou, dans lequel le dieu Mars, qui a participé à une guerre, reste finalement sur Terre parce qu'il est tombé amoureux d'une fille, ou le conflit troyen comme La guerre de Troie de Giorgio Ferroni (1961), c'est Enée interprété par Steve Reeves, dont les descendants fonderont Rome, qui se trouve au  centre  du  drame où le casting est prestigieux avec John Drew Barrymore dans le rôle d'Ulysse, Benito Stefanelli dans celui de Diomède, Carlo Tamberlani dans celui de Ménélas, Nerio Bernardi dans celui d'Agamemnon, Mimmo Palmara dans celui d'Ajax, Arturo Dominici dans celui d'Achille, Lydia Alfonsi dans celui de Cassandre, Luciana Angiolillo dans celui d'Andromaque, et Bianca Doria dans celui d'Hécube, comme  dans  l'opéra  maudit de  Berlioz, où le film prend le parti des Troyens tout en donnant le mauvais rôle à Hélène interprétée par Edy Vessel et Pâris par Warner Bentivegna qui sont responsables de la guerre ne reculant devant aucun coup bas et lâcheté comme lors de la mort d'Achille au grand désespoir d'Énée ne pouvant empêcher la chute de Troie, ou encore avec Mario Girolami et La Colère d'Achille en 1962 qui axe son récit sur Achille relatant que sa légendaire colère, suivant en cela les vingt-quatre chants de l'Iliade avec Gordon Mitchell dans le rôle titre et Jacques Bergerac dans celui d'Hector, tandis que Briséis est interprétée par Gloria Milland, mais ici le généreux héros se contente de déposer la dépouille auprès de l'urne qui contient les cendres de son ami, ou encore les retours de héros grecs chez eux après la guerre de Troie dans Hélène, reine de Troie de Giorgio Ferroni en 1964, où Mark Forest incarne un héros grec de la guerre de Troie, accompagnant Hélène interprétée par Yvonne Furneaux et son mari Ménélas interprété par Alberto Lupo en Égypte, et les Conquérants héroïques de Giorgio Rivalta en 1963 avec Carla Marlier, Giacomo Rossi Stuart, et Gianni Garko, dans lequel Steve Reeves retrouve son rôle d'Énée, où après avoir fui Troie, il est arrivé dans le Latium où le roi Latinus lui donne l'hospitalité.

 

Le péplum d'après-guerre, est aussi antifasciste, avec une exaltation de la liberté et de la rébellion. L'histoire de l'esclave qui se rebelle ou du super héros qui lutte contre un tyran revient souvent et ces films peuvent se retrouver aussi en Grèce comme La révolte de Sparte d'Alberto de Martino en 1964 avec Tony Russel et Helga Liné, où Keros découvre la trahison de Milo, tyran de Sparte, contre la Ligue achéenne, et devient une menace pour lui. Les parallèles entre Mussolini et Hitler d'une part, Néron ou César de l'autre, sont fréquents, comme dans Les Derniers Jours de Pompéi (1959) de Mario Bonnard et Sergio Leone avec Steve Reeves, Christine Kauffman et Barbara Caroll, où le héros Glaucus découvre une conspiration contre les chrétiens, La Charge de Syracuse (1960), où le héros est Archimède interprété par Rossano Brazzi, que le tyran Hiéron appelle, pour organiser la défense de la cité, alors qu'il est amoureux de la belle danseuse Diane interprétée par la magnifique Tina Louise et où Sylvana Koscina se fait particulièrement remarquer, ou Les vierges de Rome (1960), où Vittorio Cottafavi tourne l'épopée à la dérision, avec ses protagonistes sont peu portés sur l'héroïsme gratuit et c'est une centaine de femmes qui montre l'exemple aux hommes à travers les actrices Sylva Sims, Nicole Coucel et Paola Fachi, le Messaline de Vittorio Cottafavi, sorti en 1960, nous montre les crimes de Messaline interprétée par Belinda Lee que le tribun Lucius Maximus interprété par Spiros Focas devra éliminer pour sauver l'empereur Claude, et L'enlèvement des Sabines (1961) de Richard Pottier qui se réduit à une farce antimilitariste, Romulus interprété par Roger Moore s'éclipse avec sa dulcinée interprétée par Mylène Demongeot, en faisant croire qu'il est monté sur l'Olympe, ou encore La bataille de Corinthe en 1962 de Mario Costa avec Jacques Sernas, Gianna Maria Canale et Geneviève Grad, où en 146 avant J.-C. à Corinthe, les partisans de l'indépendance se dressent contre le joug du cruel Dieos, et un centurion va les y aider, ou encore Seul contre Rome de Luciano Ricci en 1962 avec Lang Jeffries, Philippe Leroy et Rossana Podesta, dans lequel venu mater la rébellion en Illyrie, Suetonius épargne la ville d'Antigonee et en confie le commandement a Lucius Sylla, mais ce dernier va se révéler être un vrai tyran auquel va s'opposer Brennus, dont il a pris la fiancée, auquel on peut rajouter La Révolte des Prétoriens d'Alfonso Brescia en 1964 avec Richard Harrison et Moira Orfei, où Valerius Rufus, chef de la garde prétorienne se révolte contre Domitien par amour, et La Terreur des gladiateurs avec Giorgio Ferroni de 1964, qui n'a rien à voir avec les gladiateur, et Gordon Scott y tient le rôle principal, où Coriolan aux alentours de 491 avant J.-C., élu consul à Rome, qui accusé de trahison décide de passer à l'ennemi, mais il est dissuadé par sa mère et sa femme interprétée par  Rosalba Neri, est amené à découvrir que c'est Sinicius qui l'a trahi et décide de mener la résistance,  mais plus problématique sont les démêlés autour du film italo-yougoslave Le Massacre de la Forêt noire (1965) de Ferdinando Baldi avec Cameron Mitchell, où la fierté nationale italienne rechigne à glorifier une défaite aussi cuisante et tente de réécrire l'Histoire, auxquels on peut ajouter la vogue des deux, trois, sept ou dix gladiateurs invincibles de Sparte, de Thrace ou de Rome, leurs retours ou leurs vengeances, comme avec Le Gladiateur invincible d'Alberto De Martino et Antonio Momplet en 1961 avec Richard Harrison et Isabelle Corey, où un gladiateur vient en aide à une jeune princesse et son frère, détrônés à la mort de leur père par un cruel usurpateur, Le Gladiateur de Rome de Mario Costa en 1962 avec Gordon Scott et Wandisa Guida, où le fils d'un patricien s'éprend d'une esclave, et pour la sauver du supplice réservé aux chrétiens, il organise avec un gladiateur la révolte des esclaves, Le Fils de Spartacus de Sergio Corbucci en 1962 avec Gianna Maria Canale et Ombretta Colli, où en Égypte, un centurion de César incarné par Steve Reeves découvre son lourd héritage, et se bat pour la liberté ressemblant à un Zorro antique laissant un S pour faire peur à ses ennemis, et contre toute réalité historique Crassus est le grand méchant du film toujours vivant en 46 ou 45 avant J.-C, alors qu'il est mort trois à quatre ans auparavant, Les sept gladiateurs de Pedro Lagaza en 1962 avec Richard Harrison et la célèbre modèle Loredana Nusciak, où un gladiateur affranchi appelle à sa rescousse 7 de ses amis pour venger son père et celui de sa fiancée d'un tyran, Les Dix Gladiateurs de Gianfranco Parolini en 1964 avec Emilio Messina, où une bande de gladiateurs masqués font face à Néron avec Glaucus Valerius, un jeune patricien, La Vengeance de Spartacus en 1964 de Michele Lupo, avec Roger Browne, Giacomo Rossi Stuart et la très belle Scilla Gabel, où Spartacus n'est plus, mais un esclave affirme qu'il est vivant et qu'il lui a momentanément délégué ses pouvoirs pour mener la révolte des esclaves, La Fureur des gladiateurs de Mario Caiano en 1964, avec Richard Harrison et Moira Orfei où nous voyons la révolte contre le maléfique empereur Commode par son frère jumeau qui a grandi à la campagne et s'est fait connaître en tant que centurion, le même réalisateur s'occupera aussi du film Maciste et les 100 gladiateurs en 1964 avec Mark Forest, Marilù Tolo et Elisabeth Fanti, où Maciste est un gladiateur spartiate invaincu tombe amoureux d'une chrétienne et tentera d'aider les chrétiens, Le Gladiateur magnifique de Alfonso Brescia en 1964, où Hercule incarné par Mark Forest va découvrir le stratagème et lancer une révolte contre Juddo, le chef des Prétoriens qui veut s'emparer du trône, Hercule contre les mercenaires de Umberto Lenzi en 1964 avec Richard Harrison, la splendide Lisa Gastoni, et la tout aussi belle Marilù Tolo, où l'ambitieuse Messaline souhaite plus que tout le pouvoir, et pour parvenir à ses fins, elle demande l'aide de Glaucus, un esclave d'une incroyable force, mais celui-ci refuse, finalement pour obliger Hercule a accepter son offre, Messaline fait emprisonner Ena, sa fiancée s'il ne l'aide pas à faire devenir empereur Claude, et Hercule défie Spartacus en 1965 de Domenico Paollela avec Gloria Milland, où le héros est Spartacus interprété par Peter Lupus qui affronte le fourbe sénateur romain Lucius Quintilius voulant s'emparer d'un trésor.

 

La mémoire de la politique génocidaire nazie transpire des films comme le médiocre Salammbô italo-français de Sergio Grieco (1960) avec Jeanne Valérie dans le rôle titre, où le mercenaire gaulois Mâtho interprété par Jacques Sernas traite les Carthaginois de «peuple dégénéré», et le film montre (très allusivement) le sacrifice quotidien de dix vierges pour calmer la colère de la déesse Tânit après le vol du voile sacré pour malheureusement justifier cela, puis dans Carthage en flamme (1959), d'après Salgari avec Daniel Gélin, Pierre Brasseur, et Anne Haywood, est censé représenter la fin de la civilisation punique et on voit à l'écran d'un siège qui prit trois ans et fut, pendant plus d'une semaine, le spectacle d'un carnage génocidaire ? Cette guerre totale, d'extermination, déclarée par Rome avec un cynisme révoltant, se résume ici à un grand incendie : obéissant au Sénat, la soldatesque romaine boute sagement le feu à la ville mais ne lève pas une seule fois son glaive contre la population. Ou encore on copie le western comme on peut le voir avec Sergio Corbucci qui transforme son Romulus et Remus (1961) avec Steve Reeves et Gordon Scott en western antique, avec les Sabins dans le rôle des Sioux et les caravanes des premiers romains en formation circulaire pour leur résister, et les Gaulois sont des Sioux de westerns auxquels César, toujours souverain, noble et vertueux, apporte enfin la civilisation (Jules César, conquérant de la Gaule d'Amerigo Anton en 1962 avec Cameron Mitchell dans le rôle de César et Rick Battaglia dans celui de Vercingétorix, ou Les géants de Rome d'Antonio Margheriti en 1963, avec Richard Harrison, Wandisa Guida, et Alessandro Sperli dans le rôle de César). Sauvages, les Indiens scalpaient leurs victimes, et les Gaulois, eux, pratiquent des sacrifices humains sous la houlette de leurs druides (L'esclave de Rome de Sergio Grieco en  1960, avec Guy Madison et Rossana Podesta). Et dans L'Or des Césars d'André de Toth et Sabatino Ciuffini en 1963 avec Jeffrey Hunter, Mylène Demongeot, et Massimo Girotti, les Celtes sont ici les adversaires s'opposent à un gouverneur romain qui met un esclave-architecte à la tête d'une expédition chargée de trouver, dans la vallée du Sil de la Galice, de l'or pour Rome, mais ici c'est l'appât du gain des Romains qui fini par les perdre avec la mort du gouverneur et la perte du trésor.  Les barbares ne sont pas plus gâtés comme nous avons pu le voir plus haut avec la Terreur des Barbares en 1959, où les Lombards sont représentés comme les hordes d'envahisseurs cruels et sauvages punissant à coup crucifixions et massacrant à la flèche ou à la lance, dont le héros paysan résiste à l'oppression, et La Vengeance des Gladiateurs en 1965 de Luigi Capuano avec Mickey Hargitay et José Greci, où des barbares, menés par un roi vandale assiègent Rome qui est dirigée par Valentinian III et sa femme, dont un général romain les repousse temporairement, mais Chelo Alonso dans La reine des Barbares de Sergio Grieco en 1961 donne une meilleure vision des Barbares, dans un film, où après avoir été proclamée reine des Barbares, Tanja doit faire face aux assauts des tribus environnantes. L'Égypte n'y coupe pas puisque Cléopâtre n'est pas plus gâtée puisqu'elle y est une nymphomane (Sophia Loren dans Deux Nuits avec Cléopâtre, 1953), égoïste et désemparée (Linda Cristal dans Les Légions de Cléopâtre, 1959) ou gazelle rusée (Pascale Petit dans Cléopâtre une reine pour César, 1962). Plus favorisée est Néfertiti, car sa beauté révélée par le buste conservé à Berlin fait rêver et elle sera incarnée entre autres par Jeanne Crain dans Néfertiti, reine du Nil en 1961 réalisé par Fernando Cerchio assisté de John Alarimo, et Mauro Severino. Et l'Égypte antique permet aussi une certaine imagination comme avec La Vallée des Pharaons de Fernando Cerchio en 1961 avec Debra Paget, dans lequel après la mort de sa famille, une princesse assyrienne est mariée contre son gré à un pharaon, et quand celui-ci meurt, la princesse doit être enterrée à ses côtés, et La Princesse du Nil en 1961de Victor Tourjansky avec Linda Cristal et Pierre Brice, dans lequel une jolie jeune fille et un jeune médecin tombent amoureux tandis qu'une guerre de pouvoir fait rage entre des princes rivaux d'Égypte. Ou encore la tragique destinée de Mariamne, rapportée par Flavius Josèphe, où cinéma ne s'y risque qu'une seule fois, médiocrement, en 1959 avec Le Roi cruel de Victor Tourjanski avec Sylvia Lopez et Edmund Purdom. Et l'Hannibal que campe Victor Mature dans le film de C. L. Bragaglia en 1959 (Hannibal) demeure l'unique représentation entièrement positive et sympathique du personnage, tandis que Zénobie est interprétée par la sublime Anita Ekberg dans le film Sous le Signe de Rome en 1959, où est également présente Chelo Alonso, tandis que Sémiramis fait un retour fracassant en 1963 dans Sémiramis, déesse de l'Orient de Primo Zeglio avec Yvonne Furneaux, qui fait des machinations pour s'emparer du trône. Sans oublier la Mésopotamie avec le film Foudres sur Babylone de Silvio Amadio sorti en 1962, où une jeune orpheline, Mirra interprétée par la très jolie Jackie Lane, épouse le roi de Babylone Sardanapale interprété par Howard Duff, plutôt que son frère Shammash interprété par Luciano Marin, qui gouverne Ninive, et à Babylone, un traître se sert de l'amour des deux frères pour les dresser l'un contre l'autre.

 

Sans oublier le péplum biblique favorisé aussi ces productions antiques à la chaine avec Esther et le roi (1960) de Raoul Walsh et Mario Bava avec Joan Collins et Richard Egan montrant l'histoire d'amour d'Assuérus le roi de Perse avec la juive Esther en plein conflit avec Alexandre le Grand dans un film plein de rebondissement, L'esclave du Pharaon (1960) de Luciano Ricci ave Goeffrey Horn, la magnifique Belinda Lee et Terence Hill qui relate l'histoire d'un personnage incontournable de la Bible, Joseph vendu par ses frères devenu le principal ministre du pharaon  non sans quelques complications, David et Goliath  (1961) de Ferdinando Baldi, et Richard Pottier avec Orson Welles dans le rôle de Goliath et Ivica Pajer dans celui de David, Sodome et Gomorrhe (1962) de Robert Aldrich, où Stewart Granger joue le rôle de Lot qui s'est s'installé sur les rives du Jourdain et s'allie pendant un temps à la reine Bera, interprétée par Anouk Aimée, en guerre contre son frère Astharoth interprété par Stanley Baker, ce qu'il ne tardera pas à regretter, le film surtout s'attache à ses faiblesses et à ses doutes, son attachement à sa nouvelle épouse Idlith interprétée par la magnifique Anna Maria Pierangeli, et son envie de protéger ses filles interprétée par Rosanna Podesta et Claudia Mori, Gédéon et Samson (1965) de Marcelo Baldi avec Ivo Garrani, Anton Geesink et Rosalba Neri, un film en 2 parties montrant la vie de Gédéon et Samson, et Saul et David (1964) encore de Marcelo Baldi, qui montre la rivalité entre David interprété par Gianni Garko, et Saül interprété par Norman Woodland après la mort de Goliath, puis aussi des films purement chrétien tournant allégrement dans l'hagiographie avec Constantin le Grand (1962) de Lionello De Felice avec Cornel Wilde, Christine Kauffman et Belinda Lee,  qui nous montre comment Constantin triompha de ses rivaux Maximien et son fils Maxence, et imposa le christianisme une fois arrivé sur le trône impérial romain, et le Ponce Pilate  franco-italien réalisé de Gian Paolo Callegari et Irving Rapper en 1962, avec Jean Marais dans le rôle titre, où Ponce Pilate revoit les dernières années de sa vie, depuis son arrivée en terre palestinienne, jusqu'à l'exécution d'un prophète poursuivi par la haine des Pharisiens, Jésus de Nazareth, ou bien les chrétiens se révoltent comme dans La Révolte des esclaves (1960) réalisé par Nunzio Malasomma avec Rhonda Fleming, Lang Jeffries, Serge Gainsbourg et Ettore Manni, où Vibio réussit à provoquer le soulèvement des esclaves sous l'empereur Maximin pour libérer les chrétiens des arènes, ou sont sauvés comme dans le film Les derniers jours d'un empire (1963) d'Antonio Margheriti avec Carl Möhner et Loredana Nusciak, nous montre que le héros doit passer par l'arène pour sauver ses coreligionnaires chrétiens. Ou l'inspiration chrétienne peut toucher aussi des films qui n'ont pourtant rien à voir, comme Le Tyran de Syracuse d'Alberto Cardone et de Curtis Bernhardt en 1962 avec Guy Williams, Don Cardone, Iliana Occhini et Liana Orfei, où le chef de l'école pythagoricienne, Pythias est envoyé en Sicile chercher Arcanos pour lui succéder, qui malgré les supplications de Nérissa, sa jeune femme enceinte, il se rend à Syracuse où le tyran Dionysus persécute les pythagoriciens, parce qu'ils prêchent la fraternité des hommes et menacent ainsi la hiérarchie sociale, et à peine arrivé, Pythias est attaqué par Damon le chef des truands de la ville.

 

Parmi toutes ces aventures historiques ou mythologiques, on trouve souvent beaucoup d'œuvres mineures souvent très kitsch, mais aussi des trésors de mise en scène et d'esthétiques baroques signées Sergio Leone, Mario Bava ou Riccardo Freda, mais le genre se dégrade à la fin des années 1960 avec des films médiocres comme Le Triomphe d'Hercule (A. de Martino, 1965) cité plus haut, et le pire fut atteint avec Le Défi des géants (M. A. Bright, i.e. M. Lucidi, 1966) avec les très belles Gia Sandri et Adriana Ambresi, malgré la présence de Reg Park pour sa dernière apparition sur grand-écran, du fait que les schémas se répètent, les scénaristes peu inspirés s'éloignent progressivement de la légende, mélangeant  la Grèce, l'Égypte, la Bible, les Aztèques et les Mongols, ou accumulant en  surenchère leurs surhommes dans un même produit stéréotypé. Le péplum italien connaît la chute à partir de 1965 avec le western spaghetti et ses héros cyniques dont beaucoup d'artisan du péplum s'occupèrent comme Sergio Leone, Sergio Corbucci, Humberto Lenzi, Giorgio Ferroni, ou encore Alberto de Martino, où passèrent aussi des acteurs comme Guliano Gemma, Gianni Garko, Terence Hill, et Richard Harrison, et d'actrices comme Chelo Alonso, Rosalba Neri, et Loredana Nusciak, mais cela n'empêche pas Pier Paolo Pasolini de concocter des chefs d'œuvre comme Œdipe roi en 1968, Médée en 1970 et le péplum biblique L'Évangile selon Matthieu la même année, tandis que Federico Fellini s'occupa du Satyricon en 1969, Roberto Rosselini Le Messie en 1975, ou encore Franco Zifferelli sort son péplum biblique en 2 parties, Jésus de Nazareth en 1978. Malgré les tentatives des relancer la veine à travers le succès des films érotiques dans les années 1970 permettant une résurrection du genre puisque les orgies romaines sont le cœur de ces films érotiques et Caligula y est souvent mis en scène. Messaline, Impératrice et putain de Sergio Corbucci sort en 1977 et en 1979, le festival de Cannes découvre Caligula de Tinto Brass. Une tentative de relancer le genre dans les années 1980 abouti à un échec, malgré le film biblique Le Larron en 1982 de Pasquale Festa Campanile, avec son héros Caleb le bon larron de l'évangile permettant de montrer favorablement un personnage du peuple, et de manifester un parti pris violemment anti-impérialiste, ou encore on peut voir  l'influence de La Guerre des étoiles dans le dyptique de L. Coates (i.e. Luigi Cozzi) que sont Hercule (1983) avec la splendide Sybil Danning, et Les Aventures d'Hercule (1984) avec Milly Carlucci, même si ces films, sont décriés par la critique, ils comportent de jolis moments, mais ils sont desservis, il est vrai, par la présence de Lou Ferrigno qui n'a pas été bien dirigé par le réalisateur qui ne voulait que son physique pour porter les films, mais où l'on retrouve des acteurs fétiches du péplum comme Brad Harris ou Rossana Podesta dans le 1er film, ou du western spaghetti comme William Berger présent dans les 2 films, ou encore on relança le personnage de Taur dans une version déguisée avec Miles O'Keefe dans le rôle titre, dans Ator l'invincible en 1982 avec la très belle Sara Siani, Ator 2 l'invincible en 1984 avec la très jolie Lisa Forster, tous les 2 réalisés par Joe D'Amato, et Ator : le guerrier de fer en 1986 réalisé par un artisan du péplum, Alfonso Brescia avec encore une très belle actrice, Savina Geršak, qui eut le droit à remake de Joe d'Amato en 1990 avec un nouvel acteur Eric Allan Kramer, et un très réussi casting féminin avec Margaret Lenzey, Dina Morrone, Marisa Mell, et Laura Gemser. Ces films copiaient allégrement Conan le Barbare qui s'inspirait aussi des péplums italiens comme Le Fils de Spartacus et La terreur des Barbares. Le renouveau du péplum viendra aux États-Unis avec Gladiator en 2000, mais le charme de cet univers cinématographique n'y était plus.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Florent Fourcart, Le péplum italien (1946-1966), Imho, 2012, Barry Atkinson,et Gary J.Svelha, Heroes Never Die (B&W): The Italian Peplum Phenomenon 1950-1967,  Midnight Marquee Press, Inc., 2018, et https://thechristianreview.com/heroes-never-die-a-book-review/, Roy Kinnard, et Tony Crnkovich, Italian Sword and Sandal Films, 1908-1990, McFarland, 2017, https://books.openedition.org/ausonius/10925?lang=fr, https://festival-peplum.fr/petite-histoire-du-peplum/, https://www.cineclubdecaen.com/analyse/peplum.htm, http://www.hervedumont.ch/L_ANTIQUITE_AU_CINEMA/index.php, https://www.lamarseillaise.fr/culture/comedie-peplums-western-le-genie-du-cinema-italien-JGLM070283, https://www.letemps.ch/culture/pourpre-imperiale-cuir-peplum-refait-etincelles, https://www.liberation.fr/medias/1994/12/29/le-peplum-est-le-western-de-l-europe_117449/, http://www.peplums.info/, https://www.peplums.info/pep08.htm, https://www.peplums.info/pep10.htm#4.2, https://www.peplums.info/pep35.htm, et https://www.telerama.fr/ecrans/les-dix-commandements-spartacus-caligula...-dix-glorieuses-b.o.-de-peplums-6931994.php.

 

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Nous allons voir aujourd'hui le Cycle des Princes d'Ambre, la série à succès de Roger Zelazny en 10 volumes, 10 livres. La série est souvent considérée comme l'une des meilleures du genre science-fiction / fantastique et aurait fait une télévision intéressante semblable aux séries Game of Thrones et The Dark Tower.

 

Roger Joseph Zelazny, est un écrivain de science-fiction né à Cleveland, Ohio, le 13 mai 1937, formé à la Western Reserve University, à Cleveland (où il a remporté le prix Foster Poetry en 1957 et 1959) et à l'Université Columbia, à New York, où il a obtenu une maîtrise en anglais, Zelazny semblait l'écrivain le plus prometteur dans son domaine. Le "moment" de Roger Zelazny se situe au milieu des années 1960, lors du premier essor de la Nouvelle Vague américaine dans le domaine de la science-fiction. Ses premières nouvelles avaient paru en 1962, dans les magazines Amazing et Fantastic, où elles étaient imprimées aux côtés des premières œuvres publiées de Thomas M. Disch et Ursula Le Guin; mais c'est en 1965-66 qu'il est vraiment arrivé, avec la publication de ses deux premiers romans, This Immortal et The Dream Master, au milieu d'une pluie de prix Nebula. Dans ces années-là, il était un véritable éblouissant, le prince de la Nouvelle Vague, un écrivain qui apportait une sophistication et une ruse délicieuses à ses remaniements de matériaux de genre usés. Il y avait peu de nouveau dans la substance de ses contes ; c'était la manière de le dire qui comptait. Des histoires telles que "Une rose pour l'Ecclésiaste" (1963) et "Les portes de son visage, les lampes de sa bouche" (1965) ont étonné les lecteurs de magazines. Ils ont peut-être eu des décors conventionnels (Mars sec dans un cas et une Vénus aqueuse dans l'autre - des arrière-plans déjà dépassés) mais ils ont été racontés avec un mélange si habilement assuré de sentiment et d'un esprit dur à cuire, qu'ils ont charmé presque tout le monde. Le triomphe de Zelazny était vraiment un triomphe de style, et quand ce style n'était plus une nouveauté, l'effet s'est un peu estompé. De jeunes contemporains de la Nouvelle Vague tels que Samuel R. Delany l'ont rapidement dépassé en termes de substance ou de poids intellectuel. Zelazny est resté un papillon. Il a commencé à se démoder avec les critiques juste au moment où il a atteint son apogée avec son succès commercial.

 

Lord of Light, son troisième roman, a remporté un prix Hugo en 1968 comme le meilleur de son année, et il reste son titre le plus célèbre. S'inspirant de la mythologie indienne, il a une allure fantastique, bien qu'il y ait une logique de science-fiction certaine : les passagers hindous d'un vaisseau spatial perdu depuis longtemps ont colonisé une autre planète, produisant une culture similaire à celle de l'Inde médiévale. Une élite, descendante de l'équipage d'origine, possède une haute technologie qui lui permet d'assumer la personnalité et les pouvoirs apparents des dieux hindous traditionnels; et la rébellion se prépare. Récit haut en couleurs, il a été critiqué par certains pour être trop baroque, mais il a néanmoins plu à de nombreux lecteurs. En 1978, le roman devait être adapté en film et donner lieu à la création d'un parc d'attraction utilisant les décors créés pour le film. Kirby est approché pour créer les éléments visuels. En effet, les ébauches créées pour le film et le parc sont très rapidement récupérées par la CIA qui s'en sert pour monter de toute pièce un faux tournage de film en Iran, couverture improbable d'une opération de récupération de diplomates américains ayant échappé à la prise de l'ambassade US en novembre 1979. Depuis, un projet de série TV a bien été annoncé à l'été 2017, mais son développement semble encore au point mort. Les esquisses ont été rachetées aux enchères par Jim Lee en 1993 et adaptées dans une série de posters par le magazine Heavy Metal. Ce sont ces illustrations qui ont inspiré les figurines rétro vintage de Super7.

 

Par la suite, Zelazny se tourne de plus en plus vers la fantaisie légère avec sa contribution la plus connue à la fantasy moderne ave son Cycle des Princes d'Ambre commencée en 1970 dans une séquence qui a finalement atteint 10 volumes écrits jusqu'en 1991 qui se pose sur les cinq premiers livres sur Corwin, un prince d'Ambre (Les Neuf Princes d'Ambre, 1970, Les Fusils d'Avalon, 1972, Le Signe de la Licorne, 1975, La Main d'Obéron, 1976, et Les Cours du Chaos, 1978), tandis que les cinq deuxièmes livres suivent son fils Merlin (Les Atouts de la vengeance, 1985, Le Sang d'Ambre, 1986, Le Signe du Chaos, 1987, Chevalier des Ombres, 1989, et Prince du Chaos, 1991). En gros,  la première série de cinq romans raconte les aventures de Corwin, héritier de la famille d'Ambre. Dans les romans, Ambre est un royaume médiéval-fantastique qui constitue la seule réalité. Tous les autres univers ne sont que des reflets de cette réalité, et ces reflets (les "Ombres" d'Ambre) recèlent tous les univers possibles et imaginables (dont notre Terre contemporaine, le Pays des merveilles d'Alice, des mondes de SF pure...). Seuls les Ambriens, quasi-immortels et doués de pouvoirs magiques, peuvent voyager d'ombre en ombre. Et Corwin se bat à travers ces mondes pour le trône d'Ambre au milieu des complots de familles, des trahisons, des grandes batailles épiques et de la menace du Chaos - le pôle opposé d'Ambre. La seconde série de romans  se focalise sur Merlin, le fils de Corwin, doté à la fois des pouvoirs du Chaos et d'Ambre. Mais la première série de romans est une véritable merveille, qui utilise la mythologie celtique de façon complètement délirante, comme Zelazny l'avait fait pour les dieux égyptiens (Royaumes d'ombre et de lumière) ou indiens (Seigneur de lumière). C'est avant tout une histoire épisodique et épique sur une famille tentaculaire d'intrigants avides de pouvoir utilisant la magie, l'intrigue et des alliances pour rivaliser pour le contrôle de l'Ambre, l'un des deux «vrais mondes» qui a engendré un nombre infini d'univers «d'ombres» avec des lois physiques (L'autre monde réel, les Cours du Chaos, est une sorte de contraire maléfique). La série a considérablement évolué dans le ton et le contenu au cours des 20 dernières années - les livres de Corwin commencent comme des romans de héros fantastiques solitaires avec une touche de roman policier dur (un peu comme les Dresden Files books) et se transforment en une histoire de guerre épique, tandis que les livres de Merlin parlent davantage d'un pirate cosmique en quête, essayant de remodeler la réalité. Il y a certainement beaucoup de choses à explorer pour une émission télévisée de longue date, alors que les membres de la famille de Corwin se battent les uns contre les autres et les tribunaux du chaos pour le contrôle. Les livres du Cycle des Princes d'Ambre ne sont pas aussi sombres et nihilistes que Game Of Thrones ou The Walking Dead, d'ailleurs. Ils laissent souvent entrer un peu d'humour ironique et l'accent est beaucoup moins mis sur le viol.

 

Les romans ont déjà été adaptés en jeu vidéo pour l'Apple II en 1985 avec Les Neuf Princes d'Ambre de Telarium qui est fidèle au roman et amusant, en comics entre 1995  et 1996 chez DC Comics avec les Neuf princes d'ambre en 3 volumes et les Fusils d'Avalon en 3 volumes, mais surtout en un fameux jeu de rôle papier en 1991 nommé Ambre qui se joue sans dés ni cartes et qui a marqué le genre, il est conçu pour se dérouler dans l'univers des romans du cycle des Princes d'Ambre, auxquels on peut ajouter la bande dessinée Les Princes d'ambre en 2 tomes aux éditions Soleil en 2010 et 2011. Ce cycle est aussi l'une des nombreuses influences de la série de Martin. Il a même nommé une maison de Westeros d' après Zelazny, et l'un de ses membres éminents, Corwin Rogers, d'après les Neuf Princes d'Ambre (Le blason de la maison, neuf licornes d'argent autour d'un labyrinthe circulaire, est une référence directe aux neuf princes de la série et au motif mystique qui constitue une partie importante de l'histoire du cycle des Princes d'Ambre). Zelazny était l'un des amis et des influences de Martin, et Martin a écrit un hommage touchant à la mort de Zelazny en 1995.

 

Puis Jack of Shadows (1971) se déroule dans un monde qui a cessé de tourner et est divisé en régions de nuit et de jour permanents avec une bande de crépuscule entre les deux. Le héros est un voyou picaresque qui utilise ses pouvoirs surnaturels dans une quête de vengeance qui se transforme en quelque chose de plus grand que prévu. Au cours du récit, il voyage à travers les royaumes de la «nuit» et du «jour», augmentant ainsi sa conscience et son ambition, et finalement il exploite à la fois la science du jour et la magie de la nuit pour atteindre ses fins. Comme la plupart des œuvres de Zelazny, il est écrit dans un style laconique et légèrement ironique, plein de bons mots et de poétique. Il s'agissait d'un écrivain aux ressources linguistiques considérables, mais on sentait que ses talents n'étaient pas pleinement exploités dans ce roman séduisant et léger - ni dans la plupart de ceux qui ont suivi. Malgré un large lectorat et des récompenses incessantes - une autre Nébuleuse en 1975, d'autres Hugos en 1976 et 1982, un prix français Apollo en 1972, un prix de l'American Library Association en 1976, un prix Creative Achievement de son ancienne université en 1990, s'installant plutôt dans une carrière stable en tant que producteur de divertissements élégants. Sans pour autant abandonner le Cycle des Princes d'ambre puisque pour l'édition limitée de 1985 du roman Les Atouts de la vengeance, Zelazny a écrit un prologue qui détaille le passage de Merlin à travers le Logrus. Un certain nombre d'entre eux ont été écrits en collaboration, comme la récente série de fantasmes humoristiques "Azzie Elbub", avec Robert Sheckley, qui a commencé avec Apportez-moi la tête du prince charmant (1991). Parmi les plus notables de ses derniers titres solos, on peut citer Eye of Cat (1982) et A Night in the Lonesome October (1993). L'un des premiers romans de science-fiction, Damnation Alley (1969) a été adapté de façon oubliable dans le Les Survivants de la fin du monde, en 1977, avec un coût de 17 millions de $ pour un bide du fait que le script mauvais s'écartait considérablement du roman, un réalisateur inconnu nommé Jack Smight, pour un film fauché aux effets spéciaux ratés, malgré un excellent casting avec George Peppard, Jan-Michael Vincent, Dominique Sanda, Paul Winfield, et Jackie Earl Harley. Il est décédé à Santa Fe, Nouveau-Mexique le 14 juin 1995.

 

Cependant après avoir terminé le cycle de Merlin, Zelazny a écrit cinq nouvelles du cycle des Princes d'ambre entre 1994 et 1995, dans lesquelles il a commencé à taquiner les fils de l'histoire dans une nouvelle configuration. Zelazny est décédé peu de temps après avoir terminé la dernière de ces nouvelles, qui ont été rassemblées dans Manna from Heaven (2003), ainsi que le prologue Trumps of Doom et 16 histoires non-ambre. Une sixième nouvelle séparée et inachevée, "A Secret of Amber", était une collaboration informelle, co-écrite en sections alternées par Zelazny et Ed Greenwood sur une période de plusieurs années. Il a été publié dans Amberzine en 2005, puis anthologisé dans The Collected Stories of Roger Zelazny, Volume 6: The Road to Amber, publié par NESFA Press en 2009. Plusieurs années après la mort de Zelazny, sa succession a autorisé une nouvelle série de romans cycle des Princes d'ambre, et John Gregory Betancourt a été choisi comme écrivain. La série L'Aube de l'ambre de Betancourt, qui tire son nom du titre du premier volume, est une préquelle de l'œuvre de Zelazny, se déroulant des siècles ou des millénaires avant les Neuf princes d'ambre et qui reste inachevé. Elle est racontée du point de vue du père de Corwin Oberon, et comme les romans de Zelazny, la série a été narrée à la première personne. Quatre romans, sur les cinq prévus, ont été publiés par ibooks : Les princes du Chaos (2002), Ambre et Chaos (2003), Régner en Ambre (2004) et Shadows of Amber (2005) Ayant terminé le quatrième livre sur un cliffhanger, Betancourt n'a jamais écrit le cinquième volume prévu et programmé, Sword of Chaos.

 

Entre 2002 et 2004, des projets de faire Le Cycle des Princes d'Ombre dont un écrit par Ed Neumeier, scénariste de Robocop et Starship Troopers, et un pour une série sur SyFy, que Richard Christian Matheson devait écrire la minisérie avec Tom Patricia étiqueté comme producteur exécutif, s'y sont déjà frottés sans succès. En 2016, une série télé Les Neuf princes d'Ambre fut de nouveau en projet, et cette fois c'est Robert Kirkman (scénariste du comics The Walking Dead) qui est aux manettes via sa société Skybound Entertainment, mais au dernières nouvelles toujours rien. On apprend enfin en 2021 qu'une des œuvre de Roger Zelazny, Repères sur la route aura enfin une adaptation digne de ce nom à travers une série télévisée produite par George R.R. Martin. Qui sait si le Cycle des Princes d'Ambre aura le droit aussi à son adaptation télévisée...

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://actualitte.com/article/98990/adaptation/george-r-r-martin-produit-l-adaptation-d-un-livre-de-roger-zelazny, https://en.m.wikipedia.org/wiki/The_Chronicles_of_Amber, https://screenrant.com/abandoned-syfy-shows-never-get-to-see/, https://screenrant.com/chronicles-amber-tv-show-walking-dead-kirkman/, https://www.fulguropop.com/lord-of-light-quand-jack-kirby-sauvait-des-otages/, https://www.independent.co.uk/news/people/obituary-roger-zelazny-1587694.html, https://www.journaldugeek.com/2016/07/21/robert-kirkman-veut-adapter-le-cycle-des-princes-dambre-en-serie/, https://www.premiere.fr/Series/Le-cycle-des-Neuf-Princes-d-Ambre-adapte-en-serie-tele-par-le-createur-de-The-Walking-Dead, https://www.psychovision.net/films/critiques/fiche/1107-survivants-de-la-fin-du-monde-les, et https://www.theverge.com/2016/7/20/12242806/chronicle-of-amber-tv-adaptation-robert-kirkman-skybound.

 

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