Le roi Arthur, la réalité derrière le mythe

La Reine des neiges 2 vient de sortir, après le succès du 1er film auprès des jeunes générations. Une femme forte, libérée, délivrée. Mais ce film Disney puise ses origines dans un conte beaucoup plus sombre. La Reine des Neiges est un conte de Hans Christian Andersen publié en 1814. Il parle de la lutte du bien contre le mal. Bien que ce soit un des ses plus longs contes, Andersen l'a écrit en cinq jours. Le conte original est donc beaucoup plus complexe et sombre que la version Disney. Le style très personnel d'Andersen, avec sa syntaxe élaborée et son vocabulaire riche, installe une belle complicité avec le lecteur tout au long du récit.

 

Pour jouer un mauvais tour aux hommes, le diable a fabriqué un miroir qui ne reflète que la laideur des choses, et déforme les visages de ceux qui s'y regardent. Atteint par deux éclats de ce verre maléfique dans son œil et son cœur, le petit Kay devient dur et indifférent, et se laisse entraîner dans son pays de glace par la Reine des Neiges, une figure froide qui, à l'aide de son baiser, enlève à Kay ses souvenirs et sa douleur. Alors que ses proches le croit mort, Gerda, son amie, est bien décidée à le retrouver avec pour seules armes sa candeur enfantine et ses souliers rouges. C'est le début d'un long voyage à travers le vaste monde, où elle rencontrera une magicienne, des brigands, des corneilles ou encore un prince et une princesse. Grâce aux larmes et à l'amour, Gerda peut sauver son ami, le libérant alors de l'emprise qu'avait la reine des neiges sur lui. Ensemble, ils retrouvent donc leurs vies et auront découvert au cours de ce périple l'importance de préserver une part d'enfant pour grandir et être heureux.

 

Comme on peut le voir dans La Reine des Neige, un puissant élément autobiographique traverse son récit; tout au long de sa vie, Andersen né à Odense le 2 avril 1805, au sein d'une famille pauvre, s'est perçu comme un outsider car il est longtemps ignoré ou tourné en dérision dans son pays, où l'on a raillé son égocentrisme, et, malgré la reconnaissance internationale dont il a bénéficié, suite à ses voyages en Angleterre où il rencontre Charles Dickens et où il devient le lion de la saison, en Allemagne où il se lie avec Chamisso, en France où il se lie avec Heinrich Heine, Honoré de Balzac et Alphonse de Lamartine chez Virginie Ancelotil, ne s'est jamais senti complètement accepté.

 

Il a beaucoup souffert dans certaines de ses relations personnelles les plus proches, et plus particulièrement celle avec Jenny Lind (1820-1887), une cantatrice d'opéra suédoise rencontrée par Andersen et dont il tombe rapidement amoureux en 1840. Le rejet de Lind en 1843 à son égard servit de source d'inspiration pour la Reine des Neiges. «... Elle a également été très applaudie à Copenhague, sa voisine, où elle a captivé Hans Christian Andersen avec sa sincérité et ses beaux yeux gris. Elle a inspiré au moins en partie deux ses contes les plus célèbres, Le Vilain Petit Canard et Le Rossignol et l'Empereur de Chine Nightingale, mais lorsqu'elle l'a rejeté comme prétendant, elle est devenue la Reine des neiges, dont le cœur était fait de glace... » Leur amitié perdure néanmoins et, dans "La vraie histoire de ma vie", Andersen explique l'influence essentielle de Lind sur son travail : "C'est grâce à Jenny Lind que j'ai commencé à ressentir la sainteté qui existe dans l'art; c'est grâce à elle que l'on doit s'oublier soi-même. Au service du Suprême. Aucun livre, aucun homme n'a eu de Jenny Lind une influence meilleure ou plus nobles sur moi en tant que poète, et j'en ai donc parlé si longtemps et si chaleureusement ici."

Ses récits révèlent également sa méfiance à l'égard de l'autorité, ce qu'il a développé au cours de ses années difficiles à Copenhague. Ses nombreux voyages (Constantinople, Rome, Suisse, Espagne) lui inspirent des récits, mais ses compatriotes lui reprochent justement de parcourir le monde uniquement pour y trouver la célébrité. Difficile ne pas y voir le voyage formateur de Gerda dans la Reine des Neige pour devenir adulte. Cette histoire avait également de nombreuses valeurs chrétiennes évidentes, comme semble le montrer l'influence de Jenny Lind sur lui. Gerda utilise sa foi pour surmonter de nombreux dangers et la grand-mère  de Kai cite un verset de la Bible ici ou là. En outre, il est intéressant de noter que les enfants viennent d'une ville, et non d'un village médiéval ou d'une forêt sombre. Il a un cadre contemporain qui change dans un monde de conte de fées.

 

Le conte d'Andersen dénonce les gens qui donnent un point de vue négatif en toute chose de la vie. Cependant, Andersen les déculpabilise puisqu'ils sont irresponsables : un fragment de miroir s'est logé dans leur œil ou pire, dans  leur cœur. En outre, Andersen donne un rôle essentiel à la grand-mère de Kay. Celle-ci lui raconte le monde en se servant de veilles histoires. Lorsque le petit Kay est atteint à l'œil et au cœur par une poussière de miroir, il devient un «intellectuel», et se moque de la naïveté des vieux contes de sa grand-mère. L'auteur fait ainsi l'éloge d'une vie simple où s'asseoir en se tenant par la main pour admirer des roses suffit au bonheur. L'auteur achève son conte en rappelant que l'adulte doit retrouver une part d'enfance pour être heureux : «La grand-mère était assise à la lumière du soleil de dieu et lisait à haute voix dans la Bible : si vous ne devenez pas comme des enfants, vous n'entrerez pas dans le royaume de Dieu». Avec un style d'écriture et un langage axés sur les enfants lecteurs, Ce conte de fées d'Andersen tourne autour de thèmes pour adultes et il est donc agréable à la fois.

 

Ce conte danois classique a fait l'objet de multiples adaptations, à la télévision et au cinéma, les plus connues sont La reine des Neiges de Lev Atamanov en 1957, le film d'animation russe, qui est l'un des plus proches de la source, sauf en ce qui concerne le retrait de tout aspect religieux (comme la Reine des neiges elle-même utilisait les éclats de miroir au lieu du troll), celle de Gennadi Kazansky en 1966 qui prend résolument des libertés avec le récit d'Andersen, celle de Päivi Hartzell en 1986 qui s'éloigne considérablement du récit d'Andersen, celle de Martin Gates en 1995 pas plus inspiré que la précédente et qui change complètement le récit, puis celle de 2002 de David Wu, dans une version moderne éloignant du récit d'Andersen, et 2005 de Julian Gibbs, qui oublie l'histoire d'Andersen afin de faire, plus inspirée est celle en 36 épisodes d'Osamu Dezaki entre 2005 et 2006, qui suit l'histoire d'Andersen tout en donnant un plus grand rôle à la Reine des Neiges et offrant un compagnon de voyage à Gerda, Ragi, et celle de Maxim Sveshnikov et Vlad Barbe en 2012, qui s'éloigne considérablement du récit d'Andersen en prenant de grandes libertés avec l'histoire.

 

Enfin, Disney fit une adaptation éloignée de ce que voulait faire Walt Disney. Il avait déjà une adaptation en tête depuis les années 1940, mais faire apparaître de la neige à l'écran était trop technique. Après une première tentative d'adaptation stoppée en 2002, et une autre en 2010 très éloignée de celle d'Andersen, arriva celle plus connue sortie en 2013, où le récit est différent du conte, puisque dans le film Anna recherche Elsa, sa sœur, qui est la reine des neiges. Contrairement au roman, vu son succès le film a le droit à une suite sortie le 20 novembre 2019. Espérons qu'un jour une adaptation digne de ce nom voit le jour en live ou en animation après celle de 1957.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Hans Christian Andersen, La Reine des Neiges, Flammarion, 2016, https://www.bedetheque.com/auteur-44312-BD-Andersen-Hans-Christian.html, https://www.britannica.com/biography/Hans-Christian-Andersen-Danish-author, https://fairytalereview.com/2014/10/31/fairy-tale-files-snow-queen/, https://www.famousauthors.org/hans-christian-andersen, https://www.franceculture.fr/cinema/a-lorigine-de-la-reine-des-neiges, https://www.franceinter.fr/lisez-le-conte-original-de-la-vraie-reine-des-neiges-gratuitement-avec-de-superbes-illustrations,  http://www.fivesmilingfish.com/megans-blogs/2017/12/7/in-defense-of-the-snow-queen, https://la1ere.francetvinfo.fr/guyane/la-reine-des-neiges-est-avant-tout-un-conte-d-andersen-359747.html, http://www.silvercityvault.org.uk/index.php?a=ViewItem&key=SnsiTiI6MTAsIlAiOnsiaXRlbWlkIjoiOTYyNTAiLCJwZXJjZW50VGVybXNUb01hdGNoIjoiMC42IiwibWF4UXVlcnlUZXJtcyI6IjIwIiwibWluRG9jRnJlcSI6IjEiLCJtaW5UZXJtRnJlcSI6IjEifX0&pg=5&WINID=1574527119263#2iJk-oVDOfIAAAFumSEVag/96223, et https://tvtropes.org/pmwiki/pmwiki.php/Literature/TheSnowQueen.

 

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Rudolph the Red-nosed Reindeer, est une histoire conçue par Robert L. May, rédacteur publicitaire de 35 ans pour le grand magasin Montgomery Ward de Chicago.

 

En 1939, May est chargé par son superviseur de créer une histoire de Noël originale que le magasin pourrait donner aux acheteurs pendant les vacances. May a été choisi en partie pour son affinité pour ses épigrammes burlesques pour enfants, la forme sous laquelle la première itération de Rudolph a été écrite. S'appuyant sur ses propres expériences d'enfance (il avait connu le ridicule à cause de sa petite taille), May a imaginé un personnage titre qui est ostracisé par ses amis rennes à cause de son nez rouge brillant. Pour un nom allitératif, il a initialement suggéré Rollo, mais cette idée a été rejetée par le département du catalogue de Montgomery Ward. Après avoir brièvement examiné Reginald, May a finalement choisi Rudolph comme surnom pour sa création, un nom aurait été obtenu avec l'aide de sa fille de quatre ans. Le premier livret de Rudolph, avec des illustrations de Denver Gillen, a été distribué à deux millions et quart de clients de Montgomery Ward le Noël de 1939. Bien que très populaire, il ne fut de nouveau publié qu'en 1946 en raison de la pénurie de papier en temps de guerre, mais à la fin année, un total de six millions d'exemplaires ont été distribués à l'échelle nationale. L'histoire de Rudolph le renne au nez rouge que ces premiers clients appréciaient était assez différente de celle qui serait immortalisée dans les versions ultérieures. Dans le poème original de May, Rudolph n'est pas l'un des rennes du père Noël, du moins pas au début. C'est un renne ordinaire vivant avec sa famille dans un village obscur, et bien qu'il soit ostracisé par certains de ses compagnons pour son nez rougeoyant, il conserve une image de lui positive et a le soutien affectueux de ses parents. Il ne se connecte avec le père Noël que lorsque l'équipe de rennes du donneur de cadeaux est arrivée à la maison de Rudolph une veille de Noël particulièrement brumeuse. En remarquant son nez rayonnant, le père Noël engage Rudolph pour diriger son équipe assiégée. Rudolph le fait avec beaucoup d'habileté et de bravoure, ce qui a poussé le père Noël à le féliciter pour le retour en toute sécurité de l'équipe avec les mots : "Par toi, le voyage de la nuit dernière était en fait patronné."

C'est sous cette forme que Rudolph est devenu une icône pour les célébrants de Noël en temps de guerre et un outil de marketing lucratif pour Montgomery Ward. Cependant, May gagna peu d'argent avec sa création jusqu'en 1947, date à laquelle il persuada le président de Montgomery Ward, Sewed Avery de lui transférer les droits d'auteur. Une fois ces droits garantis, May entreprit de construire la prochaine génération de Rudolphienne. En 1947, un dessin animé de Rudolph le renne au nez rouge de neuf minutes, réalisé par le créateur de Popeye, Max Fleisher, a été vue dans les cinémas du pays. Deux ans plus tard, May a chargé son beau-frère Johnny Marks d'écrire une chanson basée sur le personnage de Rudolph. La chanson, qui masquait de nombreux détails clés de l'histoire originale de May, est devenue un immense succès pour le chanteur Gene Autry, se vendant à deux millions d'exemplaires en 1949 et rejoignant "White Christmas" au panthéon des standards Yuletide. DC a aussi commencé une tradition annuelle de produire un spécial de Noël "Rudolph le renne au nez rouge" en 1950. Après le succès de la célèbre chanson en 1949, DC a autorisé le personnage et a placé Rudolph au centre d'une série d'aventures légères. Les festivités de vacances de Rudolph comprenaient tout, de tirer un père Noël coincé d'une cheminée à courir sur un tapis roulant pour alimenter un engin complexe qui peint une série de jouets de dernière minute pour le père Noël. Les spéciaux de Noël se poursuivraient jusqu'en 1962, puis reviendraient de 1972 à 1977. En 1952, May désormais riche, quitta son emploi à Montgomery Ward pour gérer l'entreprise Rudolph à temps plein.

 

En 1964, la maison d'animation en stop-motion de Rankin and Bass a produit un nouveau TV spécial Rudolph le renne au nez rouge qui a solidifié la légende - à nouveau sous une forme modifiée - dans l'esprit des téléspectateurs du baby-boom. Dans cette nouvelle version, racontée par le chanteur barbu Burl Ives, Rudolph est une créature misérable et détestable, rejetée même par ses parents soucieux de leur statut. Les «autres rennes» qui le narguent ne sont plus des pairs de son village, mais les vrais rennes du père Noël, qui se disputent la faveur du vieil homme. Même le père Noël lui-même semble avoir un peu honte de la difformité de Rudolph, et ce n'est qu'après que Rudolph s'est associé à une société de "jouets inadaptés" et se révèle être le chef de l'équipe de traîneau qu'il gagne le respect de ceux qui l'entourent. Cette nouvelle itération de la légende de Rudolph allait se révéler presque aussi populaire que les précédentes. À sa manière, il était certainement plus influent. Les techniques innovantes de stop-motion conçues par Rankin-Bass ont inspiré une génération d'animateurs, les plus éminents d'entre eux, Tim Burton, qui a rendu hommage à Rudolph dans son long métrage de 1993, L'Étrange Noël de monsieur Jack. Le film à succès Toy Story et la populaire série MTV Celebrity Death Match ont également montré l'influence du Rankin-Bass Rudolph. Le spécial Rudolph le renne au nez rouge de 1964 continue de générer d'énormes cotes d'écoute télévisées pour sa diffusion annuelle des vacances, et l'enregistrement de la chanson Gene Autry, parmi de nombreuses autres interprétations, est un aliment de base de la programmation musicale Yuletide de chaque station de radio. La création prototypique de Robert L. May a été commémorée en 1990 avec la publication d'une belle édition en fac-similé, la première fois que l'histoire avait été mise en vente dans sa forme originale. Les fans de Rudolph ont ainsi eu de nombreuses façons d'apprécier cette icône durable américaine.

 

Des chercheurs ont voulu savoir comment un renne comme Rudolph peut avoir le nez rouge. Cette question a intrigué deux chercheurs norvégien et hollandais en biologie marine et physiologie translationnelle. Les chercheurs se sont lancés dans une étude très sérieuse. Leur travail a été publié en 2012 par la revue British Medecine Journal.

 

L'animal a, au cours de son évolution, développé un important réseau de vaisseaux capillaires dans son museau qui lui permet de réguler la température de son corps. C'est évidemment intéressant pour des animaux comme les rennes qui vivent dans des régions proches du cercle arctique où les épisodes de froid sont vifs. D'autant plus que, contrairement aux hommes, les rennes (comme les chiens) ne transpirent pas. En faisant courir deux rennes sur un tapis roulant, les chercheurs ont filmé et observé via une caméra infrarouge la chaleur que dégageait leurs têtes. Ils ont effectivement repéré des zones d'une couleur rouge vif au niveau du museau, trahissant une zone d'échanges thermiques avec l'extérieur par l'intermédiaire de la respiration. Les scientifiques ont ensuite exploré au microscope électronique le réseau de vaisseaux capillaires du museau pour le comparer à celui des êtres humains. Il s'est avéré qu'à surface égale, celui du renne est 25% plus dense. Son nez est donc mieux irrigué. La micro-circulation du sang à l'intérieur du nez a plusieurs rôles physiologiques importants : réchauffer l'air inhalé, le filtrer, l'humidifier mais également fournir de l'oxygène aux cellules nasales. Cet oxygène transporté par les globules rouges qui donne sa couleur au sang et... au nez de Rudolph.

 

Comme quoi l'histoire d'un renne de petite taille au nez rouge aidant le père Noël peut faire rêver les gens et même les plus sérieux.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Robert E. Schnakenberg, Rudolph the Red-Nosed Reindeer, dans St. dans James Encyclopedia of Popular Culture, https://comicvine.gamespot.com/rudolph-the-red-nosed-reindeer/4050-1327/, et https://www.sciencesetavenir.fr/nature-environnement/pourquoi-rodolphe-le-renne-a-le-nez-rouge_9436.

 

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Nous allons voir aujourd'hui Le château de Hurle, un des romans le plus notable, de Diana Wynn Jones est adapté au cinéma par Hayao Miyazaki (Le Château ambulant, 2004) dans une parabole anti-guerrière magnifique à l'ambiance steampunk inspirée tout en montrant la belle relation amoureuse entre Sophie et Hauru (Hurle).

 

Dans le roman datant de 1986, on raconte que le magicien Hurle vole les âmes des jeunes filles et qu'il dévore leur cœur. Alors, quand apparaît dans le royaume d'Ingary, un univers où la magie fait partie du quotidien, dans les nuages, son immense château noir, la panique s'empare des habitants de la vallée. Seule Sophie, transformée en vieille femme par une sorcière, décide de surmonter sa peur. Son espoir : rencontrer le magicien pour être libérée de cette malédiction. Elle pénètre dans le château où elle découvre l'étrange séduction de Hurle, apprivoise un démon du feu, Calcifer, et provoque catastrophe sur catastrophe en voulant s'initier à la magie. Mais la sorcière n'en a pas fini avec elle...

 

Dans celui-ci, la relation entre Hurle et Sophie, pour la majorité du livre, est très volatile. Ils ne peuvent vraiment pas être l'un avec l'autre, et cela fait un récit comique. Le fait que la malédiction de Sophie n'est connue de Calcifer dans la majeure partie de l'histoire, et Hurle et Sophie ont une relation conflictuelle, entre le nettoyage incessant de Sophie et la poursuite constante de Hurle après les filles qui ne sont pas Sophie. Bien sûr, leur affection grandit mais il y a beaucoup plus d'explosions à apprécier dans le roman de Jones, avec l'ajout de nouveaux personnages et d'aventures magiques, dont aucune n'est vue dans le film.

 

À l'intérieur du livre, il y a aussi une dédicace : «Celui-ci est pour Stephen» et continue en expliquant que Jones a commencé à écrire Le Château de Hurle après que l'idée lui a été suggérée par un jeune garçon dans une école où elle était visite. Il lui a demandé d'écrire un livre intitulé «Le château en mouvement» et l'histoire est née. Mais Jones a ses propres liens étroits avec l'histoire, étant l'aînée de deux sœurs elle-même, ses propres maux d'allergie du lait qui l'obligèrent à marcher avec un bâton en 1984 donnant le coup d'envoi de la création de Sophie, et l'une de ses tantes "plus redoutables" étant le modèle de la sorcière des déchets.

 

C'est peut-être la raison pour laquelle Jones a décidé qu'un livre sur Hurle et Sophie ne suffisait pas, en écrivant deux suites au roman Le château de Hurle. Le Château dans les nuages datant de 1992, se déroule un an après l'histoire initiale de Hurle et Sophie et se concentre sur les terres bien au sud d'Ingary, où un jeune marchand de tapis nommé Abdullah rencontre et tombe amoureux d'une princesse. Lorsque la princesse est kidnappée, Abdullah vole sur son tapis magique pour la sauver, mais pas avant que Hurle et Sophie ne soient pris dans le pétrin.

 

En 2008, Jones a également publié House of Many Ways (Howl's Moving Castle 3), qui raconte l'histoire de l'héroïne Charmain Baker, qui, tout en s'occupant de la maison de son grand-oncle, découvre que la maison peut plier l'espace et le temps, et rencontre un certain nombre d'amis magiques dans divers mondes magiques. L'un de ces mondes est le Royal Mansion, où un roi et sa fille sont désespérément à la recherche d'un légendaire «Elfgift». Il ne faudra pas longtemps avant qu'une certaine sorcière, Sophie, soit appelée à aider, avec Hurle et Calcifer à la remorque.

 

Inspiré par Les mille et une nuits ainsi que par les contes de fées européens, les romans brillent par leur esprit et leur humour, et dès le premier roman, l'histoire avait assez d'idée pour continuer dans 2 autres suite intelligemment écrites et permettant des remarques sardoniques amusantes, dans lesquelles Hurle et Sophie devront toujours jouer un rôle.

 

Á travers Le Château de Hurle, Diana Wynne Jones nous montre que la magie se retrouve dans la vie de tous les jours, c'est une part essentielle et mystérieuse de l'être humain, et ce qu'on considère comme des mythes ou des contes de fée se retrouve dans l'existence de chacun.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : https://biography.jrank.org/pages/1612/Jones-Diana-Wynne-1934.html, https://booknode.com/auteur/diana-wynne-jones, https://www.mesopinions.com/petition/art-culture/reedition-reimpression-chateau-hurle-diana-wynne/18959, et https://www.themarysue.com/how-did-i-not-know-howls-moving-castle-book-sequels/.

 

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Nous allons voir aujourd'hui cet ouvrage de l'auteure à succès du New York Times, Kiersten White, The Guinevere Deception, 1er volume de la trilogie Camelot Rising, qui réinvente la légende arthurienne, dans le monde magique de Camelot.

 

L'histoire est la suivante : Il n'y avait rien au monde d'aussi magique et terrifiant qu'une femme. La princesse Guenièvre est venue à Camelot pour épouser un étranger : le charismatique roi Arthur. Avec la griffe magique aux frontières du royaume, le grand sorcier Merlin a imaginé une solution : envoyer Guenièvre pour être la femme d'Arthur, et son protecteur contre ceux qui veulent voir la ville idyllique du jeune roi échouer. Le hic ? Le vrai nom de Guenièvre - et sa véritable identité - est un secret. C'est une changelin, une fille qui a tout abandonné pour protéger Camelot. C'est une sorcière des forêts, âgée de 16 ans, et elle a remplacé la vraie Guenièvre morte dans un couvent, et elle est attirée par la bonté innée du roi Arthur et son dévouement envers Camelot.

 

Pour garder Arthur en sécurité, Guenièvre doit naviguer dans une cour dans lequel les Anciens - y compris la propre famille d'Arthur - exigent que les choses continuent comme elles l'ont été, et les Nouvelles - celles attirées par le rêve de Camelot - se battent pour une meilleure façon de vivre.  La nouvelle Guenièvre se fait rapidement de nouveaux amis, dont la femme de chambre de sa dame, Brangien, Dindrane, interagissant beaucoup avec elle, auxquelles ont peut ajouter le neveu énigmatique d'Arthur, Mordred, et le combattant prétentieusement surnommé le chevalier Patchwork. Et toujours, dans le cœur vert des forêts et les profondeurs noires des lacs, la magie attend pour récupérer cette terre. Les joutes mortelles, les chevaliers et les romances interdites ne sont rien comparés à la plus grande menace de toutes : la fille aux longs cheveux noirs, qui se dirige à cheval à travers les bois sombres vers Arthur. Parce que lorsque toute votre existence est un mensonge, comment pouvez-vous vous fier à vous-même ?

 

Kiersten White connue pour ses œuvres d'héroïc fantasy a pris les meilleures parties de la légende arthurienne et les a fait siennes, lui permettant de réinventer cet univers. Guenièvre est un mystère : une princesse imposteur, fille de Merlin et possesseur de connaissances magiques, elle a été envoyée à Camelot pour se faire passer pour une reine et protéger Arthur. White  met en place une vision ambitieuse de la tradition arthurienne, avec de nombreux détails familiers mais modifiés : Lancelot est une femme, et Mordred est la main droite d'Arthur, ce qui rend ce roman également très attrayant, et Guenièvre ne veut que du bien, même s'il semble que cette incarnation du personnage peut encore apporter la ruine, dans ce cas simplement en étant magique dans un monde qui a banni la magie.

 

Ici, intimidée mais déterminée, Guenièvre étudie la menace dont doit faire face Camelot alors qu'elle établit un lien avec son mari légendaire. Les mensonges sont plus courants que la vérité dans sa cour, et Guenièvre doit découvrir quelles tromperies sont dangereuses pour son roi et lesquelles sont dangereuses pour son cœur. Guenièvre doit donc choisir son destin : embrasser la magie sauvage qui la fait signe, ou lutter pour l'espoir et la promesse de Camelot. Le casting habituel de personnages est revigoré par plusieurs femmes représentant une variété d'expériences, qui aident Guenièvre à percer les mystères des rêves dans une histoire arthurienne familière mais rafraichissante.

 

Le pouvoir que les femmes exercent en dépit d'être ignoré est très intéressant à voir, mais ce sont surtout les questions que Guenièvre pose sur les femmes et le pouvoir, et le sous-texte que le chaos est intrinsèquement féminin (la reine noire vaincue, Guenièvre, la Dame du lac) alors qu'Arthur représente la masculinité et le contrôle, sont intrigants, et cela bien que ce volume ne tire aucune conclusion. Plus diversifié que de nombreuses représentations de Camelot (Sir Bors a un handicap physique, Sir Tristan a la peau brune dans un Camelot autrement blanc, et il y a une paire d'amantes lesbiennes), et c'est un récit conçu pour un public moderne plus intéressé par les personnes que par les batailles et plus intrigué par l'identité et l'affection que l'honneur et la quête.

 

Et comme le montre Kiersten White ce récit fantastique et original nous guide dans un  voyage aux côtés d'Arthur et Guenièvre pour extirper la magie noire qui se glisse dans les frontières de Camelot. Le lecteur devra se méfier car les apparences peuvent être trompeuses, les titres ne sont pas toujours révélateurs, et parfois vous devez être votre propre chevalier en armure étincelante. Kiersten White a donc jeté une touche épique dans cette légende arthurienne classique pour créer un Camelot bien à elle, et avec sa prose immersive, White capture l'esprit de la légende arthurienne tout en ajoutant de la diversité et un peu de flair féministe puissant dans cette ouverture de série attrayante, et tandis que Guenièvre est au centre, White ne change pas sa distribution de soutien. Le passé mystérieux de Guenièvre et son avenir laissent beaucoup à explorer dans les volumes suivants de sa trilogie Camelot Rising.

 

Je vous conseille ces lecteurs qui m'ont beaucoup aidé pour faire cet article : https://www.bookweb.org/news/kiersten-white-winter-kids-indie-next-list-pick-guinevere-deception575008, https://www.kirkusreviews.com/book-reviews/kiersten-white/the-guinevere-deception/, https://www.publishersweekly.com/978-0-525-58167-3, https://www.sfgate.com/entertainment/article/Book-World-The-best-YA-fantasy-to-read-now-14929538.php, et https://www.thenerddaily.com/review-the-guinevere-deception-kiersten-white/.

 

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Nous allons voir aujourd'hui Solomon Kane qui est un personnage fictif créé en 1928 par l'écrivain, Robert E. Howard, plus célèbre pour avoir créé le personnage de Conan le Barbare. J'espère que les images vous plairont vous pouvez les prendre si vous voulez.

 

Puritain de la fin du XVIe au début du XVIIe siècle, Solomon Kane est un homme sombre qui parcourt le monde sans autre objectif apparent que de vaincre le mal sous toutes ses formes, combattant sans cesse brigands et pirates, mais aussi vampires et morts-vivants. Instrument de Dieu ou puritain fou habité par des forces qui le dépassent, nul ne sait qui il est. Il traque et tue impitoyablement ses ennemis dans un monde élisabéthain pris de folie. Il croit principalement à la discipline, à l'ordre et à une vie presque ascétique, toutes choses qui reflètent son long visage pâle Ses aventures, publiées principalement dans le magazine de pulps, Weird Tales, l'emmènent souvent d'Europe dans les jungles d'Afrique et vice-versa.

 

Howard le décrit comme un homme grand, et sombre, à la peau pâle, au visage décharné et aux yeux froids, le tout à l'ombre d'un chapeau mou. Il est entièrement vêtu de noir et son armement se compose généralement d'une rapière, d'un poignard et d'une paire de pistolets à silex. Étant un puritain élisabéthain, il considère toute magie comme étant d'origine sournoise et un phénomène qu'il doit combattre par tous les moyens. Ce combat lui permet également d'étancher sa rage intérieure et de libérer son tempérament de berserker sur des êtres qu'il ne ressentira aucun regret d'avoir exterminés. Cette rage incontrôlable lui permet souvent de vaincre des ennemis soi-disant plus forts que lui et même une fois de saisir une créature du royaume éthéré et de la déchiqueter

 

Au cours d'une de ses aventures ultérieures, son ami N'Longa, un chaman africain, lui a donné un bâton de juju qui servait de protection contre le mal mais pouvait facilement être utilisé comme une arme. Il est révélé dans une autre histoire, "The Footfalls Within", qu'il s'agit du bâton mythique de Salomon, un talisman plus vieux que la Terre et incroyablement puissant, bien plus que même N'Longa ne le savait. La possession du bâton semble avoir conféré à Kane une certaine sensibilité aux forces surnaturelles, comme lorsqu'il a entendu un esprit faire les cent pas dans une tombe qui semblait silencieuse pour les autres hommes. Dans la même aventure avec N'Longa, Kane est également vu en train d'utiliser un mousquet.

 

Solomon Kane ne fut pas oublié des adaptations en comics puisque de 1985 à 1986 chez Marvel Comics fut publié The Sword of Solomon Kane #1-6, (mini série) (Bret Blevins, Ralph Macchio, Steve Carr, Mike Mignola, Bill Sienkiewicz, Kevin Nowlan, Jim Shooter & Carl Potts éditeurs), puis en 1991,The Conan Saga #50 de Marvel Comics (Alan Rowlands, Steve Carr, Sandy Plunkett et Al Williamson), ensuite le comics sont publiés chez Dark Horse Comics, comme en 2008 avec The Saga of Solomon Kane #1-5 (Scott Allie, John Cassaday, Mario Guevara, Dave Stewart), en 2009 avec The Chronicles Of Solomon Kane (regroupe toutes les histoires publiées chez Marvel), et en 2010 avec Solomon Kane: Death's Black Riders (Scott Allie, Mario Guevara, Darick Robertson). Ces adapations sont graphiquement réussis et rendent pleinement hommage au personnage.

 

Un film intitulé Solomon Kane est sorti en 2009 réalisé par Michael J. Basset. L'acteur James Purefoy a joué le rôle de Solomon Kane, mais se retrouve à singer le personnage de Val Helsing interprété par Hugh Jackman. Il convient de noter cependant que l'histoire et le personnage représentés dans le film différaient beaucoup du roman original et auraient déçu de nombreux fans de Robert E. Howard. Malgré le côté sympathique de cette série B au ton très Hammer Film, le film ne possédait pas vraiment de scénario et le cachait sous le vernis de l'action. Ce film servait à démarrer une franchise avec le personnage mais au vu du résultat, il est normal que celle-ci n'ait pas vu le jour.

 

Situé dans les années 1600, ces contes sont une combinaison frappante d'horreur et d'aventure fantastique qui restent parmi les plus intenses d'Howard. Ces récits sont totalement impitoyables et sans aucune trace de lumière atteignant ainsi la vision unique de Howard de l'obscurité. De nombreux critiques estiment toujours que le héros le plus mémorable de Howard était cet aventurier puritain.

 

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Comme nous fêtons aujourd'hui les 125 ans de sa naissance nous allons voir aujourd'hui le cinéaste et écrivain illustre, l'académicien Marcel Pagnol (1895-1974) qui est un auteur incontournable du XXe siècle. Topaze, Marius, Fanny, La Femme du boulanger ou encore Manon des sources et La Fille du puisatier connaissent toujours un fort succès. Inspiré par son enfance dans les collines provençales, Marcel Pagnol a construit son œuvre sur les caractères et les sentiments de ses personnages.

 

Venu au monde à Aubagne le 28 février 1895, à quelques kilomètres de Marseille, il est le fils d'un instituteur et d'une couturière. Aîné d'une fratrie de quatre enfants, ses escapades d'enfant se font dans les collines des vacances, et son adolescence est dans l'exubérance cosmopolite de Marseille, où il fit ses études au lycée Thiers de Marseille, puis il obtient sa licence d'anglais. Passionné de lettres classiques, il fait ses débuts comme poète à l'âge de 16 ans et fonde dès l'âge de 18 ans une revue littéraire avec Jean Ballard. Puis, en 1916, il se lance dans l'enseignement comme professeur à Aix-en-Provence et ensuite à Paris, au lycée Condorcet. Il épouse Simonne Colin. Mais son temps libre, il le consacre à l'écriture de pièces en vers, des drames antiques. Durant cette période, il sera aussi un insolent jeune homme révolté par la tuerie de la guerre de 14-18.

 

En 1922, Pagnol n'a pas trente ans. II découvre Paris, qui est encore la Ville-Lumière. II découvre le succès. II découvre des artistes — comédiens, musiciens, écrivains, metteurs en scène — qui vont devenir ses amis, qui sont jeunes, comme lui, inconnus comme lui, et qui, comme lui, partent à la conquête du public et de la célébrité. Le théâtre jette ses derniers feux, le cinéma commence à briller de tous les siens. Hasards, surprises, querelles, rencontres, triomphes, défaites, joies, déceptions. Et c'est grâce au théâtre que Marcel Pagnol connaît le succès. Si la critique est très vite élogieuse, notamment avec Les Marchands de gloire (1925), c'est avec Topaze (1928), puis Marius  (1929) qu'il accède vraiment à la gloire. Cette dernière œuvre, qui rend hommage à la Provence, incarne alors sa nostalgie de sa région natale. Porté par le succès de la pièce, il décide de quitter l'enseignement pour se concentrer uniquement à l'art. C'est aussi le moment où il prend comme maîtresse sa muse Orane Demazis en 1925.

 

En 1926, ayant assisté à Londres à la projection d'un des premiers films parlants, Broadway Melodies, Marcel Pagnol est tellement bouleversé qu'il décide de se consacrer au cinéma. Il se sépare de sa femme qui ne lui a pas donné d'enfant. En 1930, la jeune danseuse anglaise Kitty Murphy qu'il rencontre, donne naissance à Jacques Pagnol. En 1931, Marius est adapté au cinéma, et en 1932, après une collaboration avec les studios Paramount Pictures, Marcel Pagnol fonde à Marseille sa société de production et ses studios de cinéma. C'est sur ce domaine de 24 hectares de guarrigue, sorte de "Hollywood provençal", qu'il tourne lui-même ses films. L'occasion notamment de terminer sa trilogie marseillaise (Marius, Fanny, César) en 1936, avec l'écriture du dernier volet pour le cinéma, tout en réalisant plusieurs films d'après les romans d'un autre écrivain provençal qu'il considère comme un génie, Jean Giono : Angèle (1934), Regain (1937), La Femme du boulanger (1938). Sous ses ordres se succèdent alors certains des plus grands acteurs de l'époque, de Raimu à Pierre Fresnay en passant par Fernandel. En 1933, l'actrice Orane Demazis qui le quitte en 1938, lui donne également un fils. Il s'appelle Jean-Pierre Burgart, du nom de sa mère. Et 1936, Francine Pagnol naît de ses amours de courte durée avec Yvonne Pouperon, sa secrétaire.

 

En 1939, La guerre éclate. Henry Torrès, chef de la propagande française, ordonne aux cinéastes de mettre leur art au service du gouvernement. Tout s'enchaîne : le désir de propagande par Vichy, la censure de la Kommandantur, le flicage des collaborateurs pour faire plier l'artiste. Durant cette période, Marcel Pagnol partage sa vie avec un autre de ses grands amours, Josette Day. Entre subterfuges et malice, Marcel Pagnol traverse la guerre en gardant son intégrité. En 1941, il obtient le divorce de sa femme. Enfin, le conflit cesse, la France a gagné mais à quel prix, et en 1945, il se marie avec sa muse Jacqueline Bouvier. Deux enfants naissent de cette union, Frédéric en 1946 et Estelle en 1954.

 

En 1946, Marcel Pagnol, ayant gardé son intégrité, devient le premier cinéaste français à être élu à l'Académie française grâce à Pierre Benoit qui a intrigué pour qu'il soit reçu parmi les Immortels. Jusqu'à 1955, il continuera de produire et réaliser des films, comme La Belle Meunière en 1948 ou encore Manon des Sources en 1952. Il bâtit une filmographie à l'ancrage résolument local, montrant ainsi son attachement au sud de la France, tout en donnant à ses personnages une dimension universelle. «L'universel, on l'atteint en restant chez soi», aurait-il ainsi déclaré pour résumer sa vision.

 

Quand il décide de tourner la page du cinéma et du théâtre en 1956, c'est pour revenir à son amour de l'écriture. Après un bref retour au théâtre, il va se lancer dans l'écriture de ses «Souvenirs d'enfance». Une œuvre qui compte notamment La Gloire de mon père et Le Château de ma mère. En 1962, il publie enfin L'Eau des collines, un roman en deux parties avec Jean de Florette et Manon des Sources. Atteint d'un cancer, Marcel Pagnol s'éteint finalement le 18 avril 1974, à Paris. C'est toutefois à Marseille, qu'il a été enterré, dans le cimetière de la Treille. Sur sa tombe, une épitaphe empruntée à Virgile : «Fontes, amicos, uxorem dilexit», «Il a aimé les sources, ses amis, sa femme».

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Marcel Pagnol, Confidences, Editions de Fallois 1990, Raymond Castans, Il était une fois - Marcel Pagnol, Editions de Fallois, 1995, Marcel Pagnol : Carnets de Cinéma, Privé, 2008, Jean-Jacques Jelot-Blanc, Pagnol inconnu, Flammarion, 2011, Marcel Pagnol, Je te souhaite beaucoup d'ennemis comme moi, Robert Laffont, 2017, Nicolas Pagnol, Marcel Pagnol, Flammarion, 2017, https://www.lepoint.fr/culture/marcel-pagnol-le-plus-universel-des-provencaux-28-02-2020-2364860_3.php, et https://www.linternaute.com/actualite/biographie/1775266-marcel-pagnol-pourquoi-est-il-celebre-par-google-ce-vendredi-sa-biographie-courte/.

 

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