Le roi Arthur, la réalité derrière le mythe

Nous allons voir aujourd'hui le roman Dead Zone, écrit par Stephen King en 1979, dont beaucoup on vu de similitudes avec l'accession au pouvoir de Donald Trump.

 

Stephen King commença à écrire une version de Dead Zone en 1976, une mauvaise année pour l'écrivain, puisqu'il n'arriva pas à publié deux romans inachevés, Welcome to Clearwater et Windsey, et cette œuvre parlait d'un tueur d'enfant dans une petite ville du Maine (Stephen King a beaucoup écrit sur ce qu'il connaît Avec le souci d'ancrer ses histoires fantastiques dans un contexte réaliste, et plus particulièrement dans le Maine où il vit avec sa femme), et son héros serait un professeur d'école (comme Stephen King a été professeur d'anglais au lycée Hampden Academy, au Maine). qui en touchant un enfant lui dit que sa maison va brûler. Stephen King bloque sur la suite à donner à cette idée, et écrivit un tiers du livre Charlie, puis en 1977 se remit à l'écriture de Dead Zone et le termina pour le publier en 1979. Ce roman fait partie des œuvres inspirées par la parapsychologie, comme Carrie. C'est aussi un de ses textes les plus politiques et son préféré, car Stephen King montre ses inquiétudes politiques, plus particulièrement à travers le tribun assoiffé de pouvoir, qui fait planer la dictature sur le pays. Plus encore quand Ronald Reagan était le favori du Parti Républicain pour les élections présidentielles de 1980, et dont se méfiait particulièrement Stephen King.

 

L'histoire est la suivante. Greg Stillson, candidat à la Maison-Blanche, est un fou criminel, grand admirateur d'Hitler et d'autres maniaques de l'extermination. Quand il sera élu, ce sera l'Apocalypse. Cet individu, au départ un miteux représentant de commerce à la violence maladive se montre dès les premières pages du roman tout à fait capable de tuer un chien à coups de pied. Un seul homme le sait : John Smith, enseignant en littérature, amoureux de sa collègue de travail Sarah Bracknell, qui est resté 5 ans dans le coma suite à son éjection d'un taxi le ramenant chez lui suite à un faite foraine, où son don de prescience commence à se faire jour sans doute suite au traumatisme crânien qu'il a eu enfant dans les années 1950 après avoir patiné sur un lac gelé.  Ses parents, Vera, sombrant dans  le mysticisme, et Herb Smith, restent auprès de lui, alors que Sarah préfère refaire sa vie, elle se marie et a un enfant. Quand il se réveille, il est doué d'un étrange pouvoir déclenché par la «zone morte» de son cerveau, qui lui attire pas mal d'ennuis, il devine l'avenir.  Sa mère avant de mourir lui demande d'utiliser selon elle, le don que Dieu lui a offert. Il peut prévoir les accidents, les catastrophes, les hécatombes. Il sauve un enfant d'un incendie, et attire l'attention des médias, plus encore lorsqu'il est contacté par le shérif George Bannermann qui lui demande de l'aide pour arrêter «l'étrangleur de Castle Rock», un tueur qui viole et égorge ses victimes, des femmes de neuf à 77 ans, et qu'il découvre vite que le meurtrier est un policier de la ville nommé Frank Dodd, mais celui-ci se suicide avant d'être arrêté. Il n'y a rien de réjouissant à cela. On ne le croit pas, ou alors on le croit trop. Ne pouvant reprendre sa profession, il devient le tuteur privé de Chuck Chasworth. John Smith n'a encore rien dit de ses prémonitions. Pourtant, le candidat à la présidence des États-Unis est un dément. Il s'enrichit, prend du poids socialement et s'attache les services de gros durs, puis son entrée en politique s'est faite par la corruption et le chantage. John a alors une liaison sans  lendemain avec Sarah, tandis que les gens l'évitent, et il devient peu à peu obsédé par Stillson et enquête sur lui, tout en évitant à Chuck d'aller dans un bar où il y aura 81 morts. Touché moralement et sentant sa santé décliner, il se retire à Phoenix. Sachant ce qu'il sait sur Stillson, que fera John Smith pour son pays ? Il n'a pas d'autre choix que de le tuer surtout quand il apprend qu'une tumeur du cerveau s'est développée dans sa «zone morte», et tente de tuer Stillson durant un meeting, qui se sert d'un enfant comme bouclier humain, mais il est mortellement blessé. Touchant Stillson, il voit qu'il n'a plus aucun avenir et meurt avec le sentiment d'avoir accompli sa mission.

 

Dans ce roman de 370 pages plus riche humainement, Stephen King choisit une homme vivant une épreuve personnelle et enquête sur la nature du gouvernement américain, essaye à travers la fameuse habilité de John Smith, qui lui fait voir le futur, de montrer ce qui peut arriver dans l'Amérique. King s'est inspiré pour lui du parapsychologue hollandais Peter Hurkos (1911-1998), qui utilisa ses pouvoirs apparus à l'âge de 30 ans lorsqu'ils tomba d'une échelle, pour aider la police même si ceux-ci tenaient plus du mentaliste, une branche l'illusionnisme. Dans Dead Zone, on trouve la peur, l'insuffisance et la perte de la foi, nerf et intégrité, et elles sont sondées dans les réactions de John Smith avec son étrange pouvoir mental et celles de Greg Stillson avec ses ambitions politiques, même si Stephen King a voulu que ce soit aussi une histoire romantique.  C'est un roman écrit à différents niveaux : symbolique, historique, personnel et historique. Ces aspects rendent ce roman très riche séparant leur observation nécessaire avec une distorsion, le héros John Smith meurt pour son pays, et c'est peut-être déjà trop tard. Le scandale du Watergate et la guerre du Vietnam rendait perméable les peuple américain à des chefs populistes comme Greg Stillson que la politique Américaine produit et qui utilise les brèches de la Constitution américaine pour arriver au pouvoir. Et John Smith qui  représente la décence et le courage, est destiné à s'opposer à Greg Stillson. Lorsque le livre a été publié en 1979, il était facile d'interpréter le personnage de Stillson comme un symbole de l'anti-intellectualisme réactionnaire qui allait mettre Reagan à la Maison Blanche.  Alors que le roman de King en 1979 se termine par la voix posthume de Smith demandant à Sarah si elle utilisait encore cette «mauvaise cocaïne», cette référence souvent répétée à la drogue est totalement absente du film. Dans les pages du roman, les nombreuses références et allusions de John Smith à l'habitude de se droguer de la part de Sarah servent à situer le texte fermement dans les années Reagan, où les élites bourgeoises noyaient leur désespoir sous la drogue. Une des autres  inspirations de Stephen King est le populiste gouverneur de Louisiane Huey Pierce Long (1893-1935), surnommé «The King Fish», un despote proche de mafieux célèbres, et assassiné en 1935 avant de concourir à la présidentielle sous le dossard démocrate. Sauf que dans le cas de Stillson, John Smith n'arrive pas à l'abattre. Et l'ascension politique de Stillson qui menace de se terminer par une troisième guerre mondiale alimentée par des bombes nucléaires semblait se confirmé quand Ronald Reagan lança en 1984 sa fameuse «guerre des étoiles», ou le programme américain de défense antimissiles nommé officiellement «Initiative de défense stratégique» (IDS). Il s'agissait d'un projet de réseau de satellites dont le rôle aurait été la détection et la destruction de missiles balistiques lancés contre les États-Unis.  

 

L'histoire a été adaptée à deux reprises. Le film de 1983 met en vedette Christopher Walken dans le rôle de Johnny et Martin Sheen dans le rôle de Stillson, et a été réalisé par David Cronenberg, après le grave échec commercial et critique de son chef-d'œuvre Videodrome. C'est une adaptation fidèle du roman, tourné au Canada pour un producteur indépendant, le grand Dino De Laurentiis. Toutefois, Cronenberg excelle dans ce premier film «grand public» dans le mélange des genres : le paranormal, le thriller paranoïaque, la science-fiction, la romance. Un jeune professeur est victime d'un grave accident de voiture qui le plonge dans cinq ans de coma. À son réveil, il découvre qu'il a développé un pouvoir exceptionnel de voyance. Est-ce un don divin ou une malédiction ? Habitué aux mystères de la chair, Cronenberg explore ici ceux de l'esprit ; son héros (Christopher Walken, angélique et bouleversant) se sacrifiera tel un nouveau Christ pour sauver l'humanité. Dead Zone dépasse les frontières du fantastique et rejoint une forme discrète de mélodrame : Dead Zone est un chemin de croix doublé d'une très belle histoire d'amour. Tandis qu'en 2002, une série télévisée basée librement sur le roman a été diffusée sur USA Network, avec Anthony Michael Hall dans le rôle de John Smith, qui faisait là son grand retour après ses succès dans les comédies adolescentes de John Hugues dans les années 80. Mais cette série n'est pas une suite du film : le changement principal réside dans le fait que sa mère est morte pendant son coma, et que l'enfant de Sarah est celui de Johnny Smith et que celle-ci est mariée à Bannerman. Le personnage de Bruce, son kinésithérapeute et ami, a été inventé pour la série. Dead Zone a été arrêtée en 2007 après six saisons et 80 épisodes, et aurait dû plus centrer la relation de John Smith avec le révérend Purdy, personnage inventé aussi pour la série, qui fait office d'un père d'adoption pour John Smith, capable de se compromettre pour le protéger, et sur son duel avec Stillson incarné par un excellent Sean Patrick Flannery. L'annulation n'était pas vraiment prévue. Même si les chiffres n'étaient pas au rendez-vous, les probabilités d'une saison 7 étaient à l'époque loin d'être mauvais. La série avait quitté Vancouver pour Montréal à sa saison 6 pour des raisons budgétaires. Quoi qu'il en soit, elle fut annulée à cause d'audiences jugées trop faibles pour le prix de la série, qui n'a alors pas eu la possibilité de s'offrir une véritable conclusion. Les fans attendent un livre ou un téléfilm pour finir la série, après une pétition qui n'eut pas gain de cause pour une nouvelle saison.

 

Stephen King a été  interviewé par NowThis en 2019, et ces derniers ont relevé des similitudes entre le roman de King Dead Zone sorti en 1979 (publié chez JC Lattès, 1983, trad. Richard Matas) et la campagne présidentielle de Donald Trump. Ce qui les amener à déclarer que King «avait prédit», à l'instar de son personnage Johnny Smith, la présidence de Trump il y a 40 ans. Stephen King développe : «J'étais en quelque sorte convaincu qu'il était possible qu'un politicien outsider se présente et qu'il soit tellement disposé à dire n'importe quoi qu'il pourrait capter l'imagination du peuple américain». Il poursuit : «Je ne pense pas que j'ai prédit nécessairement Donald Trump lorsque j'ai écrit The Dead Zone. Je sais que les électeurs américains ont toujours eu un réel attrait pour les outsiders qui ont ce genre de politique de droite, l'Amérique d'abord...». “Ils le prennent comme une blague au début parce qu'il organise ces rallyes et il lance des hot-dogs à la foule et dit : Quand Greg Stillson sera élu, vous allez dire hot-dog! Nous avons enfin un vrai moteur! ” Des choses folles que personne ne pourrait croire ou du moins l'avons-nous pensé, jusqu'à ce que Donald Trump arrive. L'auteur conclut : «Et si cela rappelle Trump aux gens, je ne peux pas en être désolé, car c'est un personnage que j'ai écrit. C'était un de mes croque-mitaines et je n'ai jamais voulu le voir sur la scène politique américaine, mais il semble bien que nous ayons un Greg Stillson comme président des États-Unis.» D'ailleurs, L'écrivain d'horreur légendaire Stephen King a publié sur Twitter une sombre prévision de ce qu'il craint pour l'Amérique. "Premièrement, vous attisez la haine et la peur des minorités", écrit-il. "Ensuite, vous les rassemblez et les mettez dans des camps. Ensuite, vous envoyez des raids pour amener ceux qui ont été chassés dans la clandestinité. Les brassards viennent ensuite, n'est-ce pas ?" L'auteur à succès a longtemps été un fervent critique de l'administration Trump, et exprime régulièrement son indignation face aux horreurs sans cesse croissantes de l'ère Trump sur les médias sociaux. Ses critiques franches ont trouvé l'écrivain bloqué par le président sur Twitter - une décision jugée inconstitutionnelle par une cour d'appel fédérale la semaine dernière.

 

Ce roman pose la bonne question, «Que feriez-vous si vous pouviez empêcher la mort de milliers de personnes en tuant quelqu'un et en changeant l'Histoire ?  Auriez-vous par exemple tué Hitler si vous en aviez l'occasion, afin d'épargner des vies ?», et montre aussi que Johnny Smith n'aurait pas eu à se sacrifier si le peuple américain avait eu plus confiance en la démocratie et aux idéaux démocratique que partage le personnage. Et c'est là, la bonne leçon de ce roman.

 

Pour aller plus loin, je vous conseilles ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Stephen King, Dead Zone, Le Livre de Poche, 2005, Harold Bloom, Stephen King, Infobase Publishing, 2006, Tony Magistrale, The Films of Stephen King: From Carrie to Secret Window, Springer, 2008, Paul Meehan, Cinema of the Psychic Realm: A Critical Survey, McFarland, 2009, Claudio Hernández, Les débuts de Stephen King, Babelcube Inc., 2017, https://www.liberation.fr/debats/2018/10/10/face-a-la-trump-tower-tom-leclair-joue-pancartes-sur-table_1684513, https://www.telerama.fr/livre/ou-sinclair-lewis-nous-rappelle-que-le-populisme-n-a-rien-d-impossible-aux-etats-unis,149610.php, https://www.telerama.fr/livre/trois-raisons-de-%28re%29lire...-robert-penn-warren,-lecrivain-aux-trois-prix-pulitzer,n5307909.php, https://www.actualitte.com/article/monde-edition/trump-president-plus-effrayant-que-ses-romans-estime-stephen-king/95868, https://www.arte.tv/sites/olivierpere/2017/08/29/dead-zone-de-david-cronenberg/, https://www.critictoo.com/les-chroniques/deja-oubliee-the-dead-zone-anthony-michael-hall-nicole-de-boer-john-l-adams-chris-bruno-david-ogden-stiers-usa-network/, https://www.elle.fr/Loisirs/Livres/Dossiers/Livre-stephen-king/The-Dead-Zone-1979, https://www.elle.fr/Loisirs/Livres/Dossiers/Livre-stephen-king/The-Dead-Zone-1979, https://www.esquire.com/entertainment/books/a28397303/stephen-king-donald-trump-prediction/, http://ibold.site/stephen-king-pense-que-la-presidence-de-trump-est-plus-effrayante-que-ses-propres-romans/,, https://www.marianne.net/debattons/editos/trump-la-mort, https://www.orlandoweekly.com/Blogs/archives/2012/09/19/the-dead-zone-redux-end-of-the-line-for-romney, http://www.premiere.fr/series/Dead-Zone, et https://tvtropes.org/pmwiki/pmwiki.php/Literature/TheDeadZone.

 

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Nous allons voir aujourd'hui le Taketori monogatari, ou le conte du coupeur de bambous, un conte japonais anonyme entre la fin du IXe siècle et le début du Xe siècle, composé d'un texte en prose émaillé de poèmes japonais (waka) par une dame de la cour surnommée Murasaki Shikibu, il narre les aventures sur terre de la belle Kaguya-hime, princesse de la Lune. Bon nombre d'hypothèses subsiste sur l'origine même du conte : il se trouve qu'un conte du même nom existe en Tibétain. Le nom n'étant pas le seul point commun, la véritable exclusivité de la version Japonaise est l'épilogue sur le mont Fuji. Tout cela étant alimenté par l'idée que les deux contes tirent leur origine du conte chinois concernant Chang'e, qui selon les versions est alors un mythe sur la déesse de la lune, datant du Ve siècle. Il n'est pas inconnu que le Japon fut grandement influencé par la Chine et ce dès le IIIe siècle.

 

L'histoire nous montre un coupeur de bambous qui découvre au sein d'une de ses pousses une petite fille haute de vingt centimètres et lumineuse comme l'astre de la nuit. Le vieil homme et sa femme vont l'élever comme leur fille et la nommer «Kaguya» («lumière resplendissante»). Celle-ci ne tarde pas à grandir en beauté et en bonté pour devenir la plus belle femme du Japon. Les prétendants se pressent pour se disputer sa main, si bien qu'elle donne à chacun une tâche impossible à accomplir. Tous échoueront, jusqu'à l'Empereur lui-même. Car la belle ne peut se marier : elle n'est pas humaine, elle vient de la lune. Puis, elle devint de plus en plus lunatique, et c'est en vain que le vieillard l'ayant élevé se répand en protestations pour la retenir, et en vain l'Empereur fait placer une garde de deux mille hommes autour de sa maison, puisqu'une ambassade d'êtres célestes vient la chercher sur un char, et vêtue d'une robe de plumes, elle partit rejoindre les siens sur la Lune pour retrouver la place qui lui revient parmi les immortels. Elle laisse, en partant, des lettres d'adieu à son vieux protecteur et lui remet un élixir d'immortalité.

 

Combinant des motifs universels tels que le mariage entre un humain et un être surnaturel ou les épreuves imposées par l'héroïne à ses prétendants, il combine habilement merveilleux et observation de la vie humaine. Ce conte n'est en rien une critique politique et un récit de science-fiction. Mais, il s'y dessine une critique de la position de la femme durant la période Heian au Japon, celles de basse extraction servant de concubines aux grands du royaume dont les enfants n'étaient pas reconnus et adoptés par des serviteurs, ce qui serait le cas de Kaguya-hime, un sort pas plus enviables que pour les filles de hauts dignitaires, d'empereurs ou de princes qui devaient accepter de descendre dans l'échelle sociale, ou celles nés dans des familles de moyens fonctionnaires, se contentant d'union médiocre ou de devenir des épouses secondaires d'un grand personnage, soit d'aller servir dans le palais ou dans la maison d'une princesse ou de l'épouse d'un grand fonctionnaire. Kaguya-hime refuse ce sort et le récit est malgré lui féministe.

 

C'est avant tout un récit formé par la combinaison de trois contes. Le premier est fondé sur le thème de l'enfant merveilleux découvert par un vieillard et adopté par lui. Ce thème revient dans un grand nombre de contes japonais, parmi les plus populaires. Et il faut noter que c'est généralement dans une plante ou un fruit qu'est découvert l'enfant. Or, si la première partie, qui raconte la naissance de Kaguya-hime, est brève et assez maladroite, proche sans doute de la version populaire japonaise dont elle s'inspire, l'histoire des prétendants et de l'Empereur est longuement développée, et fait montre de recherche littéraire. Des poèmes, détestables d'ailleurs, y sont insérés. On reproche souvent à Kaguya-hime de manquer d'humanité. Mais c'est précisément dans la mesure où elle serait humaine qu'elle serait fausse. Et c'est une des meilleures réussites de l'auteur que d'avoir fait d'un personnage de conte de fées cette belle et distante figure. Dans la troisième et dernière partie, on apprendra quelle est l'origine de Kaguya, elle est la fille du Roi de la lune, et ayant expié une faute, elle peut revenir de son exil. Tour cela est pimenté d'un humour satirique remarquable.

 

Ce conte a inspiré un bon nombre d'artistes de la peinture (l'emaki de Oumi Kose), de nombreux mangas, et animes dont un court-métrage de 26 minutes en 1961, notamment la série Sailor Moon (histoire présente dans le volume 11 en 1997), ou Inu-Yasha dans le film Le château à l'intérieur du miroir de l'illusion en 2002, ou le manga en 27 volumes Princesse Kaguya publié entre 1993 et 2005, dont les personnages principaux en sont directement inspirés, et des jeux vidéos comme Okami. Des films furent réalisés comme celui de Kon Ichikawa en 1987, La Princesse de la lune, recherchant une exploitation pour le public occidental pour lequel sont mis en avant des éléments de science-fiction à la fin du film rappelant ceux des films Rencontre du troisième type et E.T., l'extraterrestre, et celui du célèbre studio d'animation Ghibli en 2013, Kaguya-hime no Monogatari (littéralement, "Le Conte de la princesse Kaguya"), dans lequel on suit le développement de la jeune Kaguya et ses différentes rencontres avec ses prétendants, même si celui-ci d'Isao Takahata en fait un récit écologique et féministe, loin du conte original.

 

Cette œuvre, considérée comme l'ancêtre du conte japonais, est encore très populaire aujourd'hui. Et elle permet d'avoir une belle variation du récit à travers différentes œuvres.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : René Sieffert, Le conte du coupeur de Bambou, Publications orientalistes de France, 1992, https://www.plathey.net/livres/japon/conte-coupeur-bambous.html, et  https://www.notesdumontroyal.com/note/125, Francine Hérail, La cour du Japon à l'époque de Heian : Aux Xe et XIe siècles, Hachette 1995, Daisuke Ihara, et Nishimura Eri, Le coupeur de bambous, Delcourt, 2011 (BD), Alice Brière-Haquet, et Shiitake, Kaguya, princesse au clair de lune, Nobi Nobi, 2012 (BD), https://www.histogames.com/HTML/audiovisuel/film/l/le-conte-de-la-princesse-kaguya.php, https://www.larousse.fr/encyclopedie/litterature/Taketori_monogatari_Conte_du_coupeur_de_bambous/172534, https://www.letemps.ch/conte-princesse-kaguya, https://www.nautiljon.com/culture/contes+-+mythologie-5/princesse+kaguya-18.html, et https://www.wdl.org/fr/item/7354/.

 

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C'est sur "Demain est un autre jour..." que s'achevait le roman. Mais pour des millions de lecteurs, leurs amours demeuraient en suspens... Mais, depuis 1936, une question taraude tous les fans : l'orgueilleuse Scarlett O'Hara va-t-elle reconquérir le ténébreux Rhett Butler ?

 

Une suite à "Autant en emporte le vent", intitulée Scarlett, est sortie en 1991. Le Margarett Mitchell Estate (les deux neveux de Margaret Mitchell) engagea Alexandra Ripley (1934-2004) en 1986 pour écrire une suite à Autant en emporte le vent.  Le choix s'est portée sur elle, car elle écrivait des romances dans le Sud des États-Unis dont elle était originaire comme Charleston (1981), New Orleans Legacy (1987), ou plus tard Fields of Gold (1994). La plupart de ses œuvres se centrait avant tout sur une héroïne qui évoluait à travers les vicissitudes de la vie et qui construisait son identité à travers elles. Ce qui provoqua la controverse car Margarett Michell avait refusé de faire aller plus loin son roman. Ripley prépara son travail en épousant le style de Margarett Mitchell qui devait au départ faire 300 pages et qui finit sur 884 pages.  Elle voulait donner une nouvelle direction au personnage de Rhett Butller et permettre de voir Scarlett O'Hara dans sa tentative de reconquête et son attitude souvent bizarre face aux situations.

 

Dans ce roman, toujours aussi fougueuse et passionnée, Scarlett, qui s'est juré de reconquérir l'homme de sa vie, parviendra-t-elle à surmonter les déceptions et les obstacles multiples qui l'attendent ? Plus déterminée que jamais, Scarlett se met en tête de reconquérir l'homme de sa vie. Mais Rhett est un homme blessé et demande le divorce, malgré la passion qui l'anime. Refusant cet échec, Scarlett décide de le retrouver dans sa famille à Charleston. Là-bas, elle va tout faire pour s'intégrer à cette société même si celle-ci est bien trop guindée à son goût. La jeune femme a tout prévu pour faire succomber le seul homme à l'avoir véritablement aimée, mais lors d'un bal tout va basculer... Après le bal de la Sainte-Cécile, Scarlett et Rhett ont succombé aux flammes de la passion qui n'a jamais cessé de les animer. Mais craignant que tout recommence comme avant, Rhett décide de ne plus jamais revoir Scarlett. Au bord du désespoir, Scarlett part en Irlande afin de fouler la terre de la véritable et légendaire Tara... C'est dans une Irlande ensanglantée par le conflit anglo-irlandais, berceau de la famille O'Hara, qu'elle va reconquérir Rhett, le seul homme à l'avoir véritablement aimée. Cela permet au moins une réconciliation temporaire avec Rhett, Scarlett préparant même le petit-déjeuner pour lui.

 

Ripley varie les sites dans le roman, passant d'Atlanta, de Tara à Charleston, de Savannah à l'Irlande, pour mettre en avant la relation entre Rhett et Scarlett, et leur réconciliation. Les critiques principales à propos du roman vinrent que l'histoire se plaçait en Irlande, et que Ripley utilisait le mot 'black' pour désigner les personnes de couleurs, mais aussi qu'elle parlait très peu de l'esclavage. D'autres critiques lui reprochèrent d'avoir tempéré le caractère de ses personnages, en édulcorant nettement le personnage de Scarlett O'Hara. Malgré cela Scarlett fut un succès commercial. Les enchères entre éditeurs avaient été épiques en France. C'est Pierre Belfond qui avait finalement arraché le morceau, grâce à un coup de poker resté célèbre dans la profession : il avait proposé 1 million et... 1 dollar. Et Les droits pour Scarlett à la télévision furent achetés par CBS pour 8 millions de dollars, un record pour une minisérie à l'époque. Warner avait acheté 4,94 millions de dollars pour les droits de publication. Cette minisérie de 4 épisodes reprenant parfaitement le livre est diffusée en 1994, avec Timothy Dalton dans le rôle de Rhett et Joanne Whalley dans le rôle de Scarlett était plutôt réussie, par son souci des décors et des costumes, et amusante à voir, tant les deux acteurs ont pris au sérieux leur rôle.

 

Mais le Margarett Mitchell Estate ne fut pas satisfait de cette suite qui n'en semblait pas une et s'éloignait considérablement du roman original. La romancière Emma Tennant et l'auteur de best-sellers Pat Conroy furent approchés. On dit qu'ils jetèrent l'éponge, lassés par un cahier des charges trop contraignant. C'est alors qu'un des salariés de St. Martin's Press, l'éditeur américain de Margaret Mitchell, tombe par hasard, dans une librairie, sur Jacob's Ladder, un gros roman sur la guerre de Sécession signé d'un certain Donald McCaig. Sally Richardson, la patronne de St. Martin's, prend contact avec ce géant barbu, éleveur de moutons en Virginie depuis trente ans. «Celui qui m'intéresse dans l'histoire, c'est Butler», lance-t-il.  Pourquoi pas ? Aidé par son épouse, Anne, qui fait office de documentaliste, McCaig se met à l'ouvrage. Six ans plus tard, il livre une brique de 550 pages qui suit l'insoumis Rhett Butler de ses jeunes années à ses amours tumultueuses avec Scarlett. Un roman de bonne facture, toujours sur fond de maisons blanches, de champs de coton et de canonnades de la guerre de Sécession. Les neveux sont enthousiastes. Reste à fixer un prix. C'est la célèbre agence littéraire William Morris qui entame pour eux les négociations. Pour avoir le droit de publier Le Clan Rhett Butler, St. Martin's Press versera finalement aux héritiers... 4,5 millions de dollars. Une somme colossale. Premier tirage : 1,5 million d'exemplaires.   Dans celui-ci, intitulé Le Clan Rhett Butler, on dissèque en trois parties l'histoire originale du point de vue du capitaine impitoyable, de 1849 à 1874. On retrouve le Sud des États-Unis, les bals dans les grandes maisons blanches, les plantations de coton, l'esclavage, la guerre de Sécession... Rhett Butler, rejeton insoumis d'une grande famille, Scarlett O'Hara, ravissante, volontaire, libre, beaucoup trop pour une femme de son temps. Deux personnalités hors du commun aux prises avec une époque bouleversée. Scarlett et Rhett se ressemblent et s'aiment bien plus qu'ils ne se l'avouent. Non, ils n'étaient pas destinés à se quitter ce jour-là, séparés à jamais par la mort de leur fillette. Il leur reste tant à vivre.

 

Dans le roman, on suit aussi les relations de Rhett dans Antebellum et Reconstruction, avec Langston Butler, le père inflexible de Rhett; Rosemary sa sœur inébranlable, l'épouse malheureuse après ses secondes noces d'Andrew Ravanel, devenu un membre important du Ku Klux Klan qui ne pouvant le raisonner le chasse, arrêté après que le mari de Scarlett essaye de la venger, il se suicide en sortant de prison; Tunis Bonneau, le meilleur ami de Rhett et un esclave qui se retrouve en prison à tort et qui force Rhett à le tuer, Belle Watling, la femme dont Rhett se soucie bien avant de rencontrer Scarlett O'Hara à la plantation de Twelve Oaks, qui change de mode de vie au contact de Mélanie Wilkes, à la veille de la guerre de sécession, et rencontre son fils Tazewell Watling, qui pense qu'il est son père, et lui en veut d'avoir épousé Scarlett, ce dernier apprend que son père est Andrew Ravanel. On suit sa relation difficile avec Scarlett, sa rencontre avec elle, quand il l'aide à fuir Atlanta, quand elle le rencontre en prison, aide Ashley en lui donnant un alibi au moment où avec Franck Kennedy, et les membres du Klan, ils partent défendre son honneur, son mariage avec Scarlett, qui bat ensuite de l'aile, ce qui la rapproche d'Ashley, et montre les raisons de son départ, sans que Mélanie ne puisse rien faire, elle qui voit que Scarlett aime Rhett, mais est trop fière pour l'avouer, et obtient l'aide de Rosemary. Enfin, dans la troisième partie nommée Tara, Scarlett s'installe à Tara avec ses deux enfants, Ella Lorena Kennedy et son fils Wade Hampton Hamilton, tandis que la sœur de Rhett, Rosemary les accompagne et se rapproche d'Ashley Wilkes, et découvre que quelqu'un en veut au domaine, après des situations rocambolesque, avec l'aide de Rosemary et Tazewell Watling, elle rend toute sa splendeur à Tara, mais un incendie ravage le domaine, et le responsable est le père de Belle, Isaiah qui veut se venger de Rhett, et sen prend à Rhett et Scarlett, et Belle se sacrifie pour qu'ils vivent. Installé dans la maison de tante Pittypat, ils se promettent de reprendre la vie ensemble sous de grands éclats de rire.

 

McCaig élargit l'histoire et brise la vision de la 'cause perdue', offrant à Rhett de nouvelles aventures entre duel et blocage. Dans cette réinvention autorisée, Rhett, fils renié d'un planteur cruel de Caroline du Sud, est toujours un charmeur mondain sage, espiègle mais bon; Scarlett est toujours fougueuse, manipulatrice et névrotique; et l'air du décorum assiégé est légèrement plus racé. Mais cela en dit long sur le sentiment sûr de l'auteur pour les protagonistes magnétiques de Margaret Mitchell qui peuvent encore nous séduire. McCaig élargit la toile, offrant à Rhett de nouvelles aventures de duel et de blocage, et ajoutant des personnages intrigants comme le cavalier confédéré devenu Klansman Andrew Ravanel, une version rance d'Ashley Wilkes qui vit une romance avec la sœur de Rhett, Rosemary sans pour autant la respecter.  Il brosse un panorama plus riche et plus sombre de la guerre de sécession et de la reconstruction, corrigeant la vision romancée de Mitchell, son Sud est celui de la perte et de la ruine, où les pauvres blancs bouillonnent de ressentiment, et l'esclavage et le racisme sont des faits brutaux qu'un gentleman instinctif comme Rhett peut contourner, mais pas contester ouvertement. McCaig donne ainsi un ton faulknerien à la saga qui aiguise la critique de Mitchell de la nostalgie du Sud sans perdre le balayage épique et le pathos romantique.

 

En France, un éditeur est à l'affût : Philippe Robinet, qui a fondé Oh! Editions avec Bernard Fixot, a été alerté par son scout à New York, l'agent Mary Anne Thompson. «Nous sommes allés discuter plusieurs fois avec les représentants de la famille de Margaret Mitchell, raconte-t-il. Ils nous ont d'abord donné le synopsis de l'histoire, puis le roman lui-même. J'ai été séduit. Ils m'ont alors demandé de leur faire une offre financière...» Philippe Robinet et Bernard Fixot cogitent et proposent un chiffre. Adjugé ! Á combien? Secret d'État. «Disons que c'est cinq fois moins que ce que Pierre Belfond avait payé à l'époque», finit par lâcher Philippe Robinet... Le roman est sorti en France le 12 novembre à un tirage initial de 100 000 exemplaires.  Pour l'instant, pas de film ni de série pour cette suite officielle, qui n'a pas embarrassé le Margarett Mitchell Estate, et qui permettrait de bien montrer le mythe de la 'cause perdue', en gros les excuses abjectes du Sud des États du sud pour minimiser la réalité de la guerre de Sécession, celle de maintenir l'esclavage, les préjugés sudistes envers les anciens esclaves et le début des politiques de ségrégation.

 

Pour aller plus loin, je vous mets ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Alexandra Ripley, Scarlett, Belfond, 1998, Donald McCaig, Le clan Rhett Butler après autant en emporte le vent, Oh Editions, 2007, Anita Price Davis, The Margaret Mitchell Encyclopedia, McFarland, 2014, https://www.csmonitor.com/Books/2012/0203/10-sequels-based-on-a-classic-book/Scarlett-by-Alexandra-Ripley, https://www.independent.co.uk/news/obituaries/alexandra-ripley-37909.html, https://ew.com/article/2007/11/02/rhett-butlers-people/, https://www.lemonde.fr/livres/article/2007/11/22/donald-mccaig-autant-en-emporte-le-vent-la-suite-apres-la-suite_981134_3260.html, https://www.lexpress.fr/culture/livre/autant-en-emporte-la-suite_822438.html, https://www.lefigaro.fr/lefigaromagazine/2007/11/17/01006-20071117ARTFIG00466-scarlett-toujours-dans-le-vent.php, https://www.lefigaro.fr/livres/2014/05/09/03005-20140509ARTFIG00310--aux-origines-d-autant-en-emporte-le-vent.php, et https://www.publishersweekly.com/978-0312262518.

 

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Anne Golon avait créé le personnage d'«Angélique, marquise des anges» avec son mari Serge, mort en 1972. Publiée en 13 épisodes, l'épopée, mélange de sentimentalité et de cruauté, fut traduite en une trentaine de langues. Elle s'est vendue à une centaine de millions d'exemplaires entre 1957 et 1985, de la Russie au Japon.

 

Simone Changeux, son vrai nom, naît le 17 décembre 1921 à Toulon. Fille d'un officier de marine, elle adore, toute jeune, écrire et lire des livres d'histoire. En 1943, elle publie son premier roman, Au pays de derrière mes yeux. Reporter au Congo en 1947, elle s'éprend de Vsevolod Sergeïvich de Goloubinoff, un homme peu banal, plus âgé qu'elle, comme le Joffrey de Peyrac du roman, et qui sera le père de ses quatre enfants. Parlant onze langues, cultivé, ce géologue et chimiste de renom prospecte des mines d'or en Asie et en Afrique. De retour en France, tous deux travaillent à des récits historiques vendus au Parisien Libéré et se lancent en 1952 dans la rédaction de l'épopée populaire "Angélique". Elle écrit, tandis que lui assure les recherches historiques. Golon est leur nom de plume. Anne Golon a aussi écrit Angélique grâce à Margaret Mitchell, expliquait-elle : «Avec Autant en emporte le vent, elle prouvait qu'une femme pouvait rendre l'Histoire intéressante, autour d'une héroïne de caractère. J'ai choisi le XVIIe siècle, car il était peu utilisé.» Elle s'impose davantage comme l'héritière de Scarlett O'Hara, le personnage central d'Autant en emporte le vent : une femme que les circonstances historiques, la guerre civile, amènent à endosser d'importantes responsabilités. Anne Golon se trouvait précisément dans cet état d'esprit, au lendemain de la guerre. Il fallait faire face à l'histoire : la découverte de l'extermination des juifs d'Europe la marque alors terriblement, tout comme le retour des soldats français détenus dans les stalags. C'est dans cette perspective qu'il faut envisager les persécutions protestantes qui émaillent une partie de sa saga. «Cela m'a toujours fait sourire quand on m'expliquait que mes romans étaient à l'eau de rose. Croyez-vous vraiment que j'aurais écrit tous ces livres avec de simples fadaises ?»

Anne et Serge Golon vont aussi s'inspirer d'Angélique de Fontanges (née Scoraille), la dernière favorite de Louis XIV, une jeune fille belle, d'origine noble mais désargentée, offerte au roi par sa famille pour obtenir des faveurs et des rentes. En effet, c'est à l'âge de 17 ans, que la jeune fille venue de sa lointaine campagne limousine pour entrer comme demoiselle d'honneur au service de la princesse Palatine, rejoint la cour de Versailles où Louis XIV (41 ans) est immédiatement conquis, la couvre de bijoux et lui offre même un carrosse à huit chevaux, ce qui se fait de mieux à l'époque. La beauté de cette rousse aux yeux clairs éclipsera les deux autres célèbres maîtresses du Roi Soleil : Madame de Montespan et Madame de Maintenon. Les mises en garde de Bossuet, les prédications de Bourdaloue, les remontrances de la dévote Madame de Maintenon : rien ne put empêcher Marie-Angélique de précipiter le roi dans un nouveau péché d'adultère. Si indésirable qu'elle fût à la Cour, elle n'en reçut pas moins le titre contesté de duchesse. Avant de tomber en disgrâce, la Montespan tenta vainement, mais avec acharnement, de discréditer sa rivale. Contrairement au personnage joué par Michèle Mercier, Angélique de Fontanges est Duchesse, et mourra à 20 ans d'une tuberculose dans les bras du roi, mais cette mort brutale de la jeune femme, en pleine fleur de l'âge, ne cessa de soulever des questions et on se demanda si la Montespan ne l'avait pas empoisonné.

 

La saga raconte les amours contrariées, sous Louis XIV, d'Angélique de Sancé de Monteloup, comtesse de Peyrac, marquise de Plessis-Bellière, la fille d'un hobereau du Poitou qui, à 17 ans, qui est mariée au comte Joffrey de Peyrac, plus âgé qu'elle, balafré et boiteux. Ce couple improbable va se perdre souvent, mais toujours se retrouver, sans doute une des clés du succès. Cette dernière est une femme affranchie gravissant les échelons de la réussite sociale : servante, puis commerçante, grande bourgeoise, et, pour finir, dame de la cour du roi Louis XIV. Tout au long de sa vie, elle traîne les cœurs après elle. Pas un homme ne lui résiste et pas même Louis XIV, qui nourrit pour elle un long, douloureux et impossible amour. Généreuse, elle ouvre les bras aux abandonnés, aux bannis, aux rejetés, elle se bat pour la justice et la paix et comme les autres, on ne peut s'empêcher de succomber à son charme. Mais un seul homme déchaine ses passions, le comte Joffrey de Peyrac qui présente tous les talents: troubadour passé maître dans l'art d'aimer, savant, pirate, fin bretteur, pionnier du nouveau monde, doublé d'un humaniste, un esprit curieux et brillant. Le fil rouge des histoires de la comtesse de Peyrac était précisément la recherche éperdue de ce mari insaisissable, balafré et boiteux, qui errait sur son Rescator de bateau aux quatre coins de la Méditerranée pour échapper à la jalousie du roi Louis XIV, en personne, et qu'elle retrouve ensuite pour nous monter tout le long des romans la vie dans les provinces française, et nous mener dans la cour des miracles, de Versailles, où Angélique est en proie à la rivalité de Madame de Montespan dans le cœur de Louis XIV, dans l'affaire des poisons et les messes noires, dans les guerres en Méditerranée, dans l'épisode de la persécution des protestants par les dragons du roi, durant laquelle elle aide une poignée d'entre eux à s'échapper vers le nouveau monde, de la vie en Acadie et au Canada, ou avec Joffrey elle a gagné tous ses combats obtenant le pardon de Louis XIV, enfin presque, ou de la chasse aux sorcières (on appelait "sorcières" les guérisseuses qui savait soigner, alors que le titre de médecin devait être réserver aux hommes), vu qu'un jésuite taxe Angélique d'en être une au Québec.

 

Angélique, marquise des Anges paraît d'abord en Allemagne en 1956, puis en France un an plus tard. Mais lorsque le premier tome d'Angélique, marquise des Anges sort, en 1957, il semble impensable que le nom d'une femme apparaisse seul en couverture. L'éditeur américain propose alors une étrange solution, signer les romans «Sergeanne Golon». «On m'a expliqué que le nom d'un homme ferait plus sérieux. Les journalistes ne pouvaient pas croire qu'une femme puisse être un auteur.»  L'accueil de la critique est mitigé. Auprès du public, le succès est immédiat. Le mythe d'Angélique s'installe, venant après l'engouement pour la Caroline Chérie de Cécil Saint Laurent. "Sous couvert de roman d'aventure, la saga est une œuvre initiatique, parlant de liberté de foi, de vie, combattant de bout en bout le fanatisme religieux", dit aujourd'hui Nadine Goloubinoff, la fille du couple. Après la mort de son mari, en 1972, Anne poursuit la série jusqu'en 1985, moment, où s'estimant spoliée par sa maison d'édition Hachette, elle arrête d'écrire et entame un long combat pour ses droits d'auteur.

 

Au cinéma, Michèle Mercier incarne l'intrépide jeune femme, où elle offre à l'écran sa sensualité, et Robert Hossein, le comte : cinq Angélique, qu'Anne Golon qualifia de «misogynes», furent tournés entre 1964 et 1968.  Celle-ci avait pourtant insisté pour que l'historien Alain Decaux vienne épauler le dialoguiste, le gage à ses yeux que la version cinématographique de son roman conserverait une part des recherches historiques effectuées par son mari, Serge Golon, sur le XVIIe siècle français et la cour du roi Louis XIV. «Je me suis mis le doigt dans l'œil. Alain Decaux n'a pas servi à grand-chose. Angélique est restée une putain. Je me suis levée et j'ai quitté la pièce.» Angélique, marquise devenue catin, reste un contresens aux yeux de la romancière. Les films de Borderie à l'époque, basés sur le succès des sept premiers livres se voulaient distrayants. L'adaptation était réductrice et simpliste. Les scénaristes ont fait se suivre au cinéma des scènes qui se trouvaient dans différents romans. Par exemple Angélique au cinéma retrouve Joffrey (de Peyrac) sans arrêt. Ce qui fait perdre leur valeur aux retrouvailles du couple, beaucoup plus tardive dans les romans. De plus, lors de leur diffusion dans les années 1970 à la télévision, c'était le soir avec le carré blanc. Cette signalétique marquait les films réservés aux adultes. Il faut dire que dans les films, les spectateurs ont pu découvrir un Robert Hossein habillé de cuir, maniant le fouet et organisant des cérémonies vaudou chez lui avec des danseurs dévêtus. Quant à Angélique, elle est mariée contre son gré, violée, vendue comme esclave, fouettée, puis marquée au fer rouge par un sultan. On peut comprendre le mécontentement d'Anne Golon.

 

Mais ce succès eut un goût amer pour ce petit bout de femme à fort tempérament, coiffée à la Jeanne d'Arc. La romancière a sans doute été la personne qui a le moins tiré profit du succès de son héroïne. Elle a signé avec un agent, Opera Mundi, une société qui prélevait 50 % de ses droits. Quand Opera Mundi fut racheté en 1982 par Hachette, aucun contrat nouveau ne fut signé. Ses droits d'auteur s'amenuisaient d'année en année et le treizième et dernier volume de son roman-fleuve, La Victoire d'Angélique, sort, en 1985, dans l'indifférence. Elle connut alors une période de disette, privée de l'intégralité de ses revenus. S'estimant spoliée par ses éditeurs, elle engagea des poursuites judiciaires dans les années 90, qui n'aboutirent qu'après de longues années. Selon elle, Hachette lui versait, à travers ses filiales, des sommes dérisoires sans rapport avec les ventes. En outre, elle s'était aperçue qu'à l'étranger ses textes étaient parfois modifiés, assaisonnés même de «pornographie». «J'ai été un auteur assassiné. (...) Angélique est un personnage de combat et moi je me sens prête à rejouer David contre Goliath», disait-elle lors d'un des procès.

 

Ce n'est qu'en 2006, avec l'aide de sa fille, Nadia Golon, qu'elle récupéra les droits, publiant en 2009 une version définitive de la série, qui fit d'Angélique une femme luttant pour sa liberté, et non pas la «petite putain», la «niaise» qu'en firent, selon elle, le cinéma dans les années 60 (elle touche enfin de l'argent sur les – nombreuses – rediffusions des cinq films réalisés par Bernard Borderie), en reprenant l'histoire depuis le début. Six tomes de cette série d'Angélique "augmentée" ont été publiés aux éditions de l'Archipel. L'auteure était néanmoins bien présente à la première d'Angélique (sorti le 18 décembre 2013) d'Ariel Zeitoun avec Nora Arnezeder ("Sécurité rapprochée", "Ce que le jour vaut à la nuit", "La Croisière"...) dans le rôle-titre, et Gérard Lanvin dans celui de Joffrey de Peyrac. Cette nouvelle adaptation se trouve, selon elle, en phase avec le personnage qu'elle avait en tête. «Ils ont été plus proches de l'héroïne que j'ai créée. Ensuite, c'est du cinéma » Le film plutôt bon fut sans doute jugé trop conventionnel et on le compara aux précédents films ce qui en fit un échec, et on ne put faire la suite prévue.

 

Anne Golon, est morte le vendredi 14 juillet 2017 à Versailles à l'âge de 95 ans. Encore active, elle donnait des séances de dédicaces et des interviews. Elle laisse une œuvre immense, puisqu'Angélique, c'est en tout 13 livres, 5 films, et une myriade d'adaptations sous forme de pièce de théâtre au Palais des sports à Paris, feuilleton sur France Inter, comédie musicale à Prague, opéra au Japon et même un manga en 3 tome entre 2015 et 2016, qui avait eu un précédent en 1980 de 5 tomes de Toshio Kihara.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Anne et Serge Golon, Angélique, 13 tomes, Hachette, 1956 à 1985, Henri Pigaillem, La Duchesse de Fontanges, Favorite de Louis XIV, Pygmalion, 2005, https://actu.orange.fr/societe/people/article-5-secrets-sur-la-saga-angelique-marquise-des-anges-CNT000000zPpje.html, https://www.franceinter.fr/emissions/autant-en-emporte-l-histoire/autant-en-emporte-l-histoire-30-aout-2015, https://www.francetvinfo.fr/culture/livres/roman/mort-de-l-auteure-de-angelique-marquise-des-anges-la-romanciere-anne-golon_3290827.html, https://www.huffingtonpost.fr/tonie-behar/6-choses-que-je-retiendrai-de-loeuvre-danne-golon_a_23047367/,  https://information.tv5monde.com/terriennes/deces-d-anne-golon-mere-d-une-angelique-personnage-de-combat-181235, https://www.lefigaro.fr/cinema/2017/07/17/03002-20170717ARTFIG00106-pour-anne-golon-l-angelique-de-michele-mercier-etait-simpliste.php, https://www.lemonde.fr/m-actu/article/2013/12/27/la-mere-de-toutes-les-angeliques_4339901_4497186.html, https://www.lepoint.fr/livres/anne-golon-l-auteur-de-la-serie-angelique-est-decedee-16-07-2017-2143467_37.php, https://www.lepoint.fr/societe/deces-de-la-romanciere-anne-golon-auteur-de-la-serie-angelique-16-07-2017-2143466_23.php, https://www.programme-television.org/news-tv/Angelique-marquise-des-Anges-6Ter-Qui-etait-la-vraie-Angelique-4659958, et https://www.telerama.fr/livre/lautrice-anne-golon-la-marquise-des-anges-cetait-elle-6668481.php.

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Instauré poète maudit par Baudelaire, ingénieur des lettres par Valéry, baigné dans une légende noire d'alcool, d'opium et de démence, l'auteur de Double Assassinat dans la rue Morgue ne fut jamais fou que d'écriture.

 

Né en 1809 à Boston, Edgar Allan Poe est un enfant de la balle. Lorsque ses parents, comédiens, meurent de la tuberculose, l'orphelin de six ans est adopté par une famille aisée de négociants de la Virginie esclavagiste, qui l'élève en petit aristocrate et lui offre une éducation et l'envoie plus tard en pension en Angleterre. À son retour, le jeune homme se fâche avec son père adoptif autoritaire, incapable de reconnaître la singularité d'un adolescent qui vit déjà aux marges du monde, lui coupe les vivres, malgré des études brillantes, mais lui permet d'entrer en février 1826 à la nouvelle Université de Virginie avant de se fâcher à nouveau avec lui. Il s'enfuit, s'engage dans l'armée sous le pseudonyme d'Edgar A. Perry, où il devint un sergent-major «exemplaire», ce qui ne l'empêcha pas de publier en 1827, son premier recueil, Tamerlan et autres poèmes, passé inaperçu, mais augmenté deux ans plus tard, quoique sa poésie ne fut «jamais reconnue de son vivant», puis il s'engage dans le journalisme ce qui le sauva de la pauvreté, après avoir intégré l'école d'officiers de West Point, pour s'en faire exclure, rejoignant New-York, puis Baltimore, où le Saturday Courrier publie ses premières nouvelles.

 

L'apprenti écrivain vit tant bien que mal, comme poète d'abord, puis  comme maître du conte à hérisser les cheveux comme de la fiction scientifique, et inventeur du récit policier, il publie Les Aventures d'Arthur Gordon Pym, en juillet, et Ligeia en septembre 1839, les Contes du grotesque et de l'arabesque fin 1839 rassemble sa production, la nouvelle Double Assassinat à la Rue morgue en 1841, le compte-rendu d'un crime extraordinaire, et surtout de son élucidation, qui donnera naissance tout simplement au genre du roman policier, Le Scarabée d'o qui en juin 1843 est un immense succès populaire, Le Canard au ballon, en avril 1844, avec lequel il conquiert New York, et avec Le Corbeau en 1845, il emporte l'adhésion des critiques comme du grand public, il se montre aussi un critique incorruptible comme le montre Introduction aux comptes rendus critiques dans son choix d'une critique centrée sur le texte comme tel, et un mystificateur impénitent précurseur d'Orson Welles dans le domaine du canular journalistique, trois fois rédacteur en chef du Southern Literary Messenger de Richmond en 1835, duquel son addiction à l'alcool le chasse, du Gentleman's magazine, duqel son alcoolisme le chasse à nouveau, du Broadway Journal en 1845 dont il devient propriétaire jusqu'en 1846. Mais ses prises de positions anti-américaines, sa réputation d'alcoolique et ses crises de démence, l'isolent de plus en plus et le marginalisent. Ce contemporain des chercheurs d'or de la Californie ne put échapper à la misère ni à l'opprobre.

 

Il se marie à Virginia Bramm, sa cousine germaine en 1836, cesse de boire, mais celle-ci meurt de la tuberculose, à l'âge de 24 ans en 1847. Endetté, Edgar Poe mène une vie d'errance, entre Boston, New York, Philadelphie et Baltimore. Dans la fébrilité, il intensifie ses recherches en vue de la composition d'un ambitieux traité cosmologico-esthétique. Eurêka paraît en juin 1848. Il vit aussi une passion impossible que lui inspirera, de juillet 1848 à sa mort, la jeune femme d'un industriel du Massachusetts, Mrs. Annie Richmond, qui partageait ses sentiments et verra sa demande à la poétesse Mrs. Sarah Helen Whitman en 1848 subir un refus. Réduit au vagabondage, affamé, affaibli, il meurt à l'âge de 40 ans, au matin du 7 octobre 1849, après une violente bagarre entre ivrognes sous fond de campagne électorale, qui l'ont probablement roué de coups et laissé pour mort dans la rue.

 

L'écrivain laisse une œuvre hantée par la mort, et où ses narrateurs, ses doubles, affrontent les multiples visages de la Grande Inconnue. Edgar Allan Poe a eu un destin hors du commun où le désespoir emporterait tout, si le génie ne l'illuminait.

 

Pour aller plus loin, je vous conseille ces lectures qui m'ont beaucoup aidé : Georges Walter, Enquête sur Edgar Allan Poe : Poète américain, Phébus, 2009, Peter Ackroyd, Edgar Allan Poe : Une vie coupée court, Philippe Rey, 2010, Isabelle Viéville-Degeorges, Edgar Allan Poe, Léo Scheer, 2010, https://www.contrepoints.org/2018/12/28/333445-une-nouvelle-biographie-dedgar-allan-poe, https://www.franceculture.fr/emissions/fictions-samedi-noir/double-assassinat-dans-la-rue-morgue-dedgar-allan-poe, https://www.franceinter.fr/emissions/ca-peut-pas-faire-de-mal/ca-peut-pas-faire-de-mal-23-mars-2019, https://républiquedeslettres.fr/poe-9782824900674.php, et Gilles MENEGALDO, «POE EDGAR ALLAN (1809-1849)», Encyclopædia Universalis [en ligne], consulté le 6 septembre 2020. URL : http://www.universalis.fr/encyclopedie/edgar-poe/.

 

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Le terme de "romantisme noir" a été imaginé vers 1930 par l'historien de l'art italien Mario Praz pour désigner un mouvement littéraire et artistique révélant la part d'ombre et d'irrationnel qui se dissimulait sous l'apparent triomphe de la philosophie des Lumières. Le romantisme noir ne se limite pas à une période ni à un style. C'est un courant de pensée, né lors de la tourmente révolutionnaire à la fin du XVIIIe siècle en Europe, qui s'est épanoui au début du XIXe siècle puis a eu des résurgences avec le symbolisme de la fin du XIXe et le surréalisme des années 1920/1930.

 

C'est John Milton, poète et pamphlétaire anglais, qui en est peut-être le premier grand inspirateur : son Paradis perdu, texte épique convoquant Adam, Eve et Satan, est d'ailleurs traduit par Chateaubriand, qui passe pour avoir introduit le romantisme en France. Mais le romantisme noir  prend pour base un seul roman : il n'en faut pas plus à Horace Walpole pour conduire la sensibilité romanesque de son temps sur de nouvelles voies. Le Château d'Otrante (1764) inaugure le genre du récit gothique, où le passé tient le présent à la gorge et où un Moyen Âge angoissant empiète sur les Lumières. La mixité générique de ce livre fondateur, où le sublime coexiste avec le grotesque en vertu d'un hiatus emprunté à Shakespeare, va essaimer pendant près d'un siècle. Les romanciers gothiques anglais tirent parti de la passion la plus invasive et la mieux ancrée dans la psyché : la peur. Macabres et spectaculaires, situées au cœur de demeures hantées ou de souterrains parsemés d'ossements, leurs histoires doivent produire des émotions extrêmes, en premier lieu la terreur et la pitié. Confronté à la noirceur d'âme de «héros» monomaniaques et déviants prêts à briser tous les tabous (inceste, matricide, viol), le lecteur va de frayeur en horreur avant de compatir aux malheurs des victimes – de sexe féminin pour la plupart.

 

Ann Radcliffe, pour la plus célèbre, a épousé un éditeur de journal (The English Chronicle) et commence à écrire des fictions comme un simple passe-temps, avec son roman archétype, avec Les mystères d'Udolphe, publié en Angleterre en 1794, elle est traduite en français trois ans plus tard, et devient pionnière dans cette écriture gothique, inspirant ainsi de nombreux auteurs, comme Jane Austen, qui en détourne les codes (Northanger Abbey, 1817) ou Mary Shelley avec Frankenstein (1818), roman précurseur de la science-fiction. Comme dans L'italien, ou Le confessionnal des pénitents noirs (1797) ou La Forêt ou l'Abbaye de Saint-Clair (1791), l'auteure met en scène des jeunes femmes innocentes confrontées à de mystérieux héros dans des lieux déroutants, des ruines ou des châteaux sinistres. En 1796, Le Moine de M. G. Lewis atteint les sommets en matière de sensationnalisme, avec une forte dimension érotique et mortifère qui fit beaucoup pour le succès de ce roman, toujours actif aujourd'hui. Le roman est écrit par  M. G. Lewis en dix semaines avant l'âge de vingt ans, dans le but de divertir sa mère. Il est pourtant extrêmement subversif dans les thèmes abordés (viol, inceste, parricide, magie noire...) et critique à l'envi l'hypocrisie du monde religieux. Ce roman fut censuré à son époque et figure parmi les préférés du marquis de Sade. En 1818, la jeune Mary Shelley parachève cette tradition en donnant naissance à une créature monstrueuse qui se nourrit des mythes de Prométhée et de Faust. Elle met en discours un concept inouï : l'assemblage, à partir de morceaux de chair morte, d'un être humain, par le docteur Victor Frankenstein, qui fait fi de la sexualité et de la reproduction biologique. Féconde invention...

 

Qu'importe d'ailleurs, qui a été le premier serviteur de ce courant noir. L'essentiel est de noter qu'un nombre important de romantiques frénétiques tremperont par la suite leur plume dans l'encrier sombre du romantisme : Charles Robert Mathurin et son Melmoth, l'homme errant en 1820, Charles Nodier et Smarra en 1820, Gérard de Nerval avec Aurélia, le rêve de la vie en 1855, Théophile Gautier avec La Morte Amoureuse en 1836, Victor Hugo avec Han d'Islande en 1823 et Notre-Dame-de-Paris en 1831, Prosper Mérimée avec La Venus d'Ille en 1837 et Carmen en 1847, Guy de Maupassant avec Le Horla en 1886... Un concept à la fois si foisonnant et si peu cloisonné (fourre-tout ?), que cela explique peut-être l'influence considérable qu'il exerça très rapidement sur les autres arts. Le maître mot du romantisme noir ? "Ouverture". Les premiers héritiers de cette esthétique sont les romantiques dits frénétiques ou "Jeune France", au début du XIXe siècle : Théophile Gautier, ou encore Petrus Borel, dit "le lycanthrope ", pour ne citer qu'eux, auteurs de textes "très gothiques, très noirs, avec de la nécrophilie et du viol en abondance". Le romantisme noir circule de façon extrêmement évidente jusqu'à la fin du XIXe siècle : "Là, vous voyez surgir aussi, dans la décadence, des textes extrêmement violents dans des décors chrétiens, qui associent le mal, les pulsions, à des cadres du surmoi extrêmement forts : l'aristocratie, le christianisme. Vous avez Villiers de l'Isle-Adam avec l'Eve future, en 1886, qui décline de façon décadente le roman de Mary Shelley, Frankenstein."  

 

Au-delà de l'engouement pour les mises en scène macabres et terrifiantes, les thèmes gothiques continuent de nourrir la littérature anglaise vers un climat fantastique, de Sheridan Le Fanu  (Carmilla, 1872), à Robert Louis Stevenson (Le cas étrange du docteur Jekill et de M. Hyde, 1886), Oscar Wilde (Le Portrait de Dorian Gray, 1890) et Bram Stocker, qui porte plus loin encore le genre vers le roman d'horreur avec Dracula en 1897. Les auteurs américians qui embrassent aussi ce genre incluent Washinton Irving avec La légende de Sleepy Hollow et Rip Van Winkle en 1819 et 1820, Edgar Allan Poe avec La Chute de la Maison Usher en 1839, Nathaniel Hawthorne avec La lettre écarlate en 1850, Herman Melville avec Moby-Dick en 1851 et Emily Dickinson avec ses Poèmes dont beaucoup ne seront publiés qu'en 1955. Leurs écrits donnent un côté encore plus sombre que celui du romantisme noir : une littérature gothique, qui implique une terreur pure, des tourments personnels, une morbidité graphique à laquelle s'ajoute le surnaturel.

 

L'art n'est pas exempt de cette influence. Dans "La Folie de Kate", Füssli peint le regard halluciné d'une jeune veuve. Les "Trois sorcières" de Macbeth pointent un doigt accusateur. Avec son "Grand dragon rouge" (1803), le visionnaire William Blake imagine une créature dont semblent s'être nourris au XXe siècle les dessinateurs d'"Heroic Fantasy" (fantastique médiéval). Simultanément en Espagne, Francisco Goya (1746-1828) imagine un "Vol de sorcières". Les scènes de cannibalisme fascinent ce peintre hanté par la folie des hommes. "Le radeau de la Méduse" (1818) de Théodore Géricault, dont l'exposition montre une esquisse, évoque lui aussi cet acte contre-nature. Représenter la violence peut être un moyen de se faire remarquer : pour le Salon de 1850, le jeune peintre français William Bouguereau, plutôt du genre académique, évoque avec "Dante et Virgile aux enfers" une scène terrible où deux damnés s'enlacent dans une lutte impitoyable. Vers 1836, Delacroix peint Médée étouffant ses enfants. Mais que la situation dépeinte soit, ou non, ancrée dans la réalité ne change rien à la problématique : ces tableaux renvoient aux désillusions du siècle. Cet univers sombre a également été transposé en musique comme la Danse macabre de Camille Saint-Saëns jouée pour la première fois à Paris le 24 janvier 1875.

 

À partir des années 1880, constatant la vanité et l'ambiguïté de la notion de progrès, maints artistes reprennent l'héritage du romantisme noir en se tournant vers l'occulte, en ranimant les mythes et en exploitant les découvertes sur le rêve, pour confronter l'homme à ses terreurs et à ses contradictions : la sauvagerie et la perversité cachée en tout être humain, le risque de dégénérescence collective, l'étrangeté angoissante du quotidien révélée par les contes fantastiques de Poe ou de Barbey d'Aurévilly. En pleine seconde révolution industrielle ressurgissent ainsi les hordes de sorcières, squelettes ricanants, démons informes, Satans lubriques, magiciennes fatales... qui traduisent un désenchantement provocant et festif envers le présent. À la fin du XIXe surgissent d'autres figures, comme Méduse, le Sphinx ou encore des vampires qui inspirent le Norvégien Edvard Munch en 1916. Les symbolistes comme Gustave Moreau explorent les territoires de l'imaginaire, les rêves. La femme devient fatale, sensuelle et vénéneuse. Les paysages font écho aux sorciers et aux démons, peut-être encore plus inquiétants, car ils s'appuient souvent sur des lieux réels. Saisis au clair de lune, comme ce rivage peint en 1836 par l'Allemand Caspar David Friedrich, ou sous la brume, par temps d'orage, ils sont généralement vides de toute présence humaine.

 

Et puis, début XXe siècle, le surréalisme envahit la sphère littéraire : le romantisme noir reprend de la vigueur après la guerre de 1914-1918,  les surréalistes comme Salvador Dali, René Magritte et Max Ernst s'appuient sur l'inconscient et les rêves pour leur création, et en 1931, Antonin Artaud propose une traduction toute personnelle du Moine de Lewis, dont André Breton fait également l'apologie. Ce sont donc les surréalistes qui "réveillent le moine". Ce sont eux également qui exhument les romantiques "jeune France" des années 1830, rééditent leurs textes, en parlent... Ces mêmes "jeune France" qui introduisaient, mettaient à la mode le roman gothique dans la littérature française au début du XIXe siècle... Il y a vraiment une chaîne historique assez claire mais qui, à mon avis, n'est pas tout à fait coupée. Enfin, dans la première moitié du XXe siècle, c'est le cinéma surréaliste qui prend le relais, avec Friedrich Wilhelm Murnau de Fritz Lang  dont les films regorgent de sous-bois obscurs, de scènes de brouillard et de pleine lune, lourdes de menaces, ou encore Bunuel notamment, qui exprime cette irruption de l'inconscient dans la vie réelle, associant fantastique et psychanalyse notamment avec le Chien andalou en 1929.

 

La postérité du romantisme noir est restée bloquée dans un monde de stéréotypes : c'est la postérité du vampirisme, la fixation sur des modèles esthétiques comme Dracula, la mode gothique... Pourtant, des films, des romans fantastiques et jeux vidéos ont fait leur miel de cet univers et continuent de le rendre vivant auprès d'un jeune public, donc le romantisme noir n'a pas fini de nous faire peur et de nous surprendre.

 

Frankenstein et autres romans gothiques, Gallimard, 2014, https://americanliterature.com/dark-romanticism-study-guide, https://www.franceculture.fr/emissions/fictions-samedi-noir/le-moine-de-matthew-gregory-lewis-0, https://www.franceculture.fr/histoire/quest-ce-que-le-romantisme-noir-litterature, https://gallica.bnf.fr/blog/20042017/terreurs-gothiques-chez-ann-radcliffe?mode=desktop, https://www.ina.fr/contenus-editoriaux/articles-editoriaux/le-romantisme-noir/, https://www.lepoint.fr/culture/le-romantisme-noir-ses-sorcieres-et-ses-fantomes-sortent-de-l-ombre-au-musee-d-orsay-04-03-2013-1635773_3.php, https://www.lexpress.fr/culture/art/le-romantisme-noir-l-exposition-du-musee-d-orsay_1235634.html, et https://www.musee-orsay.fr/index.php?id=649&L=0&tx_ttnews%5Btt_news%5D=35087&no_cache=1.

 

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